Sardonyx Cameo ukazuje nesmyslný řecký nápis

Sardonyx Cameo ukazuje nesmyslný řecký nápis


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Sardonyx Cameo ukazuje nesmyslný řecký nápis - historie

„Rebecca u studny“ Antique Shell Cameo. Předmět byl vytesán až do roku 1900.

Od prvního dne jsem chtěl vybudovat stránku věnovanou otázkám Antique Cameo na Antique Jewelry Investor.   Zdá se, že se to líbí i tisícům dalších nadšenců Cameo!   Tolik, že jsem už nemohl držet krok s množstvím otázek. ꃎna je nyní 7,99 $ za otázku.   Jednoduše zadejte svůj dotaz do níže uvedeného formuláře.  

Popis ਊntique Cameo najdete zde.

Starožitné šperky Cameo nikdy nevyjdou z módy. Od jiskry diamantů a dlouhého seznamu drahokamů se člověk s pocitem úlevy obrací k starožitnému kameu, zatímco oči spočívají na půvabné, nadčasové kráse řezbářova umění.

 Kdo je předmět na povrchu mého Cameo? Kde byl vytesán můj Cameo? Jaký je věk mé krásy Cameo? Zajímalo by mě, z jakého materiálu je můj Cameo vyroben?   Bez ohledu na to, jak jednoduchá nebo náročná je vaše otázka, ਊsk pryč,   zadejte svou otázku do níže uvedeného formuláře.  


Obsah

Kříž je pojmenován podle velké ryté zelenkavé krystalické pečeti poblíž základny s portrétem a jménem karolínského vládce Lothaira II., Krále Lotharingie (835–869) a synovce Karla Plešatého. Kříž byl ve skutečnosti vyroben více než sto let po Lothairově smrti pro jednu z ottonských dynastií, nástupců karolínské dynastie možná pro Otta III., Císaře Svaté říše římské. [3] Zdá se, že byl darován katedrále, jakmile byla vyrobena.

Kříž se dodnes používá v procesích. Na vysoké svátky je nesen do Aachenské katedrály, kde je během mše umístěn vedle hlavního oltáře. Po zbytek času je vystaven v katedrálním pokladničním muzeu.

Dubové jádro Lothairského kříže je zapouzdřeno ve zlatě a stříbře a je poseto drahokamy a rytými drahokamy - celkem 102 drahokamů a 35 perel. Přední strana kříže (v termínech zde použitých) je vyrobena ze zlaté a stříbrné desky a je bohatě zdobena drahými kameny, perlami, zlatým filigránem a cloisonným smaltem. [4] Existuje důvod, proč to popsat jako odvrácenou stranu, jak to dělají některé zdroje, protože to tak mohlo být prováděno v procesích, přičemž vyryté ukřižování směřovalo dopředu a tvář pokrytá drahokamy směřovala k císaři, který následoval kříž. Smalt je na pásech terminálů, které jsou přerušeny body trojúhelníkových částí. Drahokamy ve středních řadách jsou uloženy ve vyvýšených bubnových platformách, jejichž strany jsou zdobeny filigránovými arkádami. Rovný povrch paží je po celé ploše zdoben filigránovými úponky. [5] V místě setrvání ramen je sardonyx z prvního století n. L. Třívrstvý portrét římského císaře Augusta držícího orlí žezlo, [6] rovněž namontovaný na vyvýšeném bubnu. [7]

Za předpokladu, že si Ottonové byli vědomi toho, že portrét je portrétem Augusta, sloužil k propojení ottonské dynastie s původními římskými císaři a k ​​jejich prosazení jako Božích zástupců na zemi. [8] Na druhé straně rytý drahokamový portrét Augustovy dcery Julie (nebo Julie Flavie, dcery císaře Tita) na vrcholu „Escrain de Charlemagne“, propracovaný poklad, který opatství Saint-Denis věnoval Charles plešatý, byl považován za obraz Panny Marie. Další drahokamový portrét římského císaře Caracally měl kříž a jméno svatého Petra k němu bylo přidáno před použitím v zámečnictví pro Sainte-Chapelle v Paříži. Nyní není možné znát stupně povědomí o této ikonografické recyklaci mezi různými kategoriemi lidí, kteří tyto objekty vytvářejí a vidí. [9]

Druhým největším drahokamem, pod Augustem, byla pravděpodobně Lothairova pečeť a má jeho portrét s nápisem „+XPE ADIVVA HLOTARIVM REG“ („Ó Kriste, pomoz králi Lotharovi“). [10] To sloužilo podobnou funkci, spojující Ottony s karolínskou dynastií, která vytvořila pozici císaře Svaté říše římské. Ostatní drahokamy na kříži jsou opatřeny klasickými rytinami, včetně ametystu se třemi grácemi a lva v onyxu, oba jsou připevněny s obrazy umístěnými bokem. [11]

Zadní strana kříže je prostá zlatá deska s vyrytým „Ukřižováním Ježíše“, nad nímž Boží ruka držící vítězný věnec obsahující holubici Ducha Svatého, zde představuje přijetí Otce Boha Otcem Kristovou obětí. Toto je nejstarší známý výskyt holubice v tomto motivu, který uvádí celou Trojici do ukřižování, ikonografie, která měla mít dlouhou budoucnost. [12] Had, představující Satana, je spřažen kolem spodní části kříže. V medailonech na koncích ramen jsou personifikace slunce a měsíce se skloněnými hlavami a převyšujícími jejich symboly. [13] Ruka s věncem byla běžným motivem mozaik v Římě a také se používala v umění spojeném s ranými císaři Svaté říše římské, včetně iluminovaných rukopisných portrétů sebe samých, aby zdůraznila jejich autoritu od Boha.

Toto je vynikající a dojemný příklad „Ukřižování“, které úzce souvisí s o něco dřívějším dřevěným křížem Gero v životní velikosti v Kolíně nad Rýnem, což byla zásadní práce při vývoji západního obrazu mrtvého ukřižovaného Krista, jehož hlava je skloněna k jeho rameno a jehož ochablé tělo má tvar písmene S a ukazuje známky jeho utrpení, zde s krví tryskající z kopí navinutého v boku. [14] Ryté hřbety se nacházejí v mnoha dobových drahokamových křížích. [15] Kříž je nyní upevněn na gotickém stojanu ze 14. století, který sám zdobí dvě malá ukřižování a další postavy.

Tento styl zlatých dekorací posetých drahokamy, využívající znovu materiál ze starověku, byl v té době obvyklý pro nejbohatší předměty. [16] Zejména motiv oslavovaného drahokamového kříže, „transformace hrubého blábolení, na který zemřel Kristus“, sahá až do pozdní antiky, kdy se pohanští odpůrci křesťanství často vysmívali průměrné povaze primárního křesťanského symbolu. [17] Asi do 6. století kříže jen zřídka ukazovaly Kristovu postavu, ale o 1000 dalších velkých drahokamů kříže již přesunuly ukřižování, obvykle ze zlaceného litého bronzu, na přední stranu kříže, aby se staly krucifixy. zůstane nejběžnější katolickou formou kříže. Mezi příklady patří kříže Bernwarda z Hildesheimu (asi 1000, katedrála v Hildesheimu), Gisela Maďarska (Regensburg, 1006, nyní Mnichov Residenz [18]) a Mathilda z Essenu (973, katedrála v Essenu, viz vlevo), [19 ], který používá prakticky identický design pro koncovky ramen k Lothairskému kříži. [20]

Lothairský kříž je v tomto ohledu poněkud konzervativním předmětem, ponechává přední stranu imperiální symbolice a také snad jako záměrné oživení karolínského stylu, například většina bohatých křížů podobného data více využívala smalt. Obě strany mohou být reprezentovány církví a státem, vhodně pro císařský dar, který byl nesen před císaři Svaté říše římské, když se zpracovávali do kostela. [21] Široká forma designu odpovídá tvaru malého kříže v přední části císařské koruny Svaté říše římské (c. 973/83?), Který má také drahokamovou přední stranu a vyryté ukřižování na zadní straně . [22]


Umění Cameos

Technicky jsou součástí glyptického umění a představují určitý design, který vyniká reliéfem (opak intaglií), ale jsou více než jen rytím: mohou nám vyprávět příběh umění a módních změn v průběhu staletí.

Portréty, které se objevovaly před staletími, vždy nesly nějaké poselství, které chtěl nositel veřejnosti odhalit: „chrání mě v boji“ jako amulet ve starověkém Řecku „Jsem bohatý a uznávaný“ jako drahý sběratelský kousek v renesanci nebo „já jsem vzdělaný a dobře cestovaný “jako suvenýr z Grand Tour ve viktoriánské Anglii.

V celé historii se několikrát objevila závislost na portrétech: kvetla v helénistické a římské době, vzkvétala během renesance a rozšířila se v 19. století. V posledních letech poptávka po vzhledu portrétu na červených kobercích a v módních časopisech ukazuje, že obdiv portrétu přichází na nový vrchol.


Zde krátce rozeberu historii portrétů od jejich počátku do konce 19. století, jakož i materiály a charakteristické rysy pro každé období.

Gravírování a debut portrétu.

Lidé začali rytí drahokamů pro komunikaci asi před 40 000 lety - říká se jim petroglyfy. Později, kolem 3500 př. N. L., Se na Blízkém východě objevilo těsnění válce, jehož hlavní funkcí byla ochrana majetku (fyzického nebo napsaného na papíře). Často byly vyrobeny z hlíny nebo měkkého kamene, později byly provrtány a noseny jako přívěsek kolem krku.

Válce byly přeměněny na scaraby, scaraboidy a první hlubotisky se objevily kolem 5. století před naším letopočtem v helénistickém období: hlubotisk je plochý drahokam vyrytý s nízkým reliéfem, kde je design vybroušen do kamene. Byly přednostně vyrobeny z tvrdých kamenů, které jsou odolnější, obtížně se kopírují (drahokamy mohli rytí pouze kvalifikovaní řemeslníci) a byly malé a snadno se přenášely. V té době nesly pouze funkci tuleňů, ale také amuletů. Všechna klasická božstva, která dnes vidíme na portrétech a intagliích, se poprvé objevila ve starověkém Řecku kolem 6.-5. století před naším letopočtem. Velmi brzy místo toho, aby nosili intaglio jako přívěsek, byly namontovány do prstenců s obratlíkem - rané signetové prsteny (kolem 4. století př. N. L.) [Duffield Osborne, 1912]. V té době se rytiny staly složitějšími a vzory se staly variabilnějšími - mezi bohy se objevily astrologické znaky a přírodní formy, jako jsou zvířata a ptáci [Duffield Osborne, 1912].

Expanze řecké říše směrem na východ vedla k tomu, že se do helénistického světa dostaly nové drahokamy a techniky, a první portréty se objevily kolem poloviny 4. století před naším letopočtem v Alexandrii. Glyfické umění vstoupilo do nové fáze a design se objevil ve vysokém reliéfu. Nové tvrdé kameny s různými barevnými vrstvami (vrstvami), jako achát a onyx, pocházející z Indie a arabských zemí, pomohly udělat design krásně viditelným - pozadí zůstalo obvykle tmavé a horní reliéf byl vyřezán pomocí světlejší vrstvy. Ve srovnání s intagliemi nešly portréty ve skutečnosti žádnou jinou praktickou funkcí než být pouze sběratelským, miniaturním uměleckým dílem a v některých případech i amuletem. Většina tehdejších portrétů byla vyřezána ve dvou barevných vrstvách, měla oválný tvar, nebyla příliš silná, poměrně malá a řezba obvykle pokrývala celý povrch. Mezi subjekty byla božstva stále velmi oblíbená, kromě mytologických hrdinů také portréty a obrázky z každodenního života (obr. 1).

Obrázek 1. Amor a biga. 200 př. N. L. - 100 n. L. Materiál - achát. Victoria and Albert Museum.

Vášeň pro římský portrét.

Římané přišli na řecký poloostrov po bitvě u Korintu (146 př. N. L.) A získali mnoho řeckých umění včetně portrétů. První známá sbírka rytých drahokamů (zahrnovala jak hlubotisky, tak portréty) patřila králi Pontovi, Mithridatovi Velikému (120–63 př. N. L.), Byl zajat Pompeiem po třetí mithradatické válce a vysvěcen v Kapitolu [Duffield Osborne, 1912 ].

Nošení portrétů, těchto miniaturních plastik složitě vytesaných na tvrdém kameni, vzkvétalo v římských dobách. Portréty používali různými způsoby - k propagaci svého vkusu a bohatství a k prokázání oddanosti bohům nebo politickým silám. Portréty se nosily jako prsteny, obřadní odznaky oblečení (podle Plinia staršího), phaléry (vojenské vyznamenání, nošené na náprsníku), na přilbách, držadlech mečů atd. [Anna M. Miller, 2013].

Mezi poddanými vidíme všechna předchozí božstva, nyní upravená v římském mytologickém stylu. Hrdinové a obrázky z trojské války byli velmi populární (podle jedné legendy Římané věřili, že pocházejí z trojského válečného hrdiny Aenaes). Další populární legendou, kterou vidíme na portrétech té doby, je vlk krmící Romulus a Remus. Oblíbené byly také obrázky z každodenního života a samozřejmě mnoho portrétů. Římští císaři byli široce vytesaní na drahokamy. Velmi často nesli záštitu jako důležitý atribut (obr.2), tj. Funkce amuletu pokračovala v tradici, ale ne tak silně jako v předchozích obdobích. V římských dobách našly portréty své místo v umění a jako součást umění byly pravděpodobně použity jako druh propagandy ukazující římský národ s velkou historií.

Obrázek 2. Blacas Cameo. 1. století n. L. Diadém se čtyřmi připojenými portréty byl připevněn pravděpodobně ve středověku a pravděpodobně obnoven v 18. století. Vyřezáno ze čtyřvrstvého sardonyxu. britské muzeum

Portréty byly shromážděny ve skříních a darovány chrámům. Byly také široce používány k dekoraci nábytku a jako ozdoba domu. Nejslavnějšími ozdobnými portréty té doby jsou Gemma Augustea (obr. 3), Gemma Claudia vyrobená pro císaře Claudia a největší plochý rytý drahokam známý ze starověku, Velký francouzský kaméo.

Obrázek 3. The Great Cameo of France. Vyřezáno v pětivrstvém sardonyxu. Asi 23 n. L.
Má rozměry 31 cm x 26,5 cm. Bibliothèque Nationale v Paříži.

Materiály použité pro rytiny drahokamů byly téměř stejné jako v předchozích stoletích. Je sporné, když se sklo začalo používat pro portréty, ale nejstarší, které se dochovaly do naší doby, jsou z římského období. Použité techniky stále nejsou jasně srozumitelné, ale umožňují fúzi až 7 vrstev různě barevného skla [Anna M. Miller, 2013], které byly následně ručně vyřezány. Dobrým příkladem je portlandská váza, která je nyní v Britském muzeu. Kromě vytváření několika vrstev mělo sklo další výhody - umožňovalo použití mnoha různých barev, které v té době v drahokamech nebyly k dispozici.

Krize středověku.

Na konci 2. století n. L. Klasické římské portréty začaly mizet. Dnes nemáme mnoho příkladů z pozdní doby římské a středověké, některé informace pocházejí z textů. V umění a kultuře dominovaly gnostické myšlenky. Okrasná funkce portrétů byla většinou jako amulety. Mnoho portrétů, které přežily do dnešních dnů, nesou pouze nápisy, někdy doprovázené sepjatýma rukama (obr. 4).

Obrázek 4. Nicolo portrét s vyrytým obřadem spojování rukou, v řečtině napsané slovem „shoda“. Materiál - sardonyx. Britské muzeum

Ve středověku byly římské portréty podle některých zdrojů velmi ceněné [Klenoty po 7 000 let, Britské muzeum, 1976], ale s větší pravděpodobností měly talismanickou funkci [Duffield Osborne, 1912]. Na rytinách drahokamů můžeme najít texty tehdejších filozofů a lékařů s různým významem. Například lékař 6. století Alexandr z Tralles předepsal jako ochranu před bolestí břicha obrázek Herkula dobývajícího Nemejského lva (obr. 5) [Duffield Osborne, 1912].

Obrázek 5. Cameo s Herkulesem a Nemejským lvem v girlandě. 11. století. Materiál - sardonyx. Metropolitní muzeum umění.

Cameos pozdějšího období středověku často nechal vyrýt křesťanské motivy. Pohanskou kulturu stále více nahrazovala náboženská (obr. 6). Hlavní drahokamy používané pro řezbářství v tomto období jsou podobné předchozím obdobím: různé odrůdy křemene, jako je karneol, onyx, chalcedon a jaspis.

Obrázek 6. Brož s přívěskem s Cameo z trůnní Panny a Dítě a Pantokrator Krista. 11.-12. Století n. L. Materiál - chalcedon. Metropolitní muzeum umění.

Oživení portrétu v renesance .

Umění portrétu vzrostlo v římských dobách a ve středověku ustoupilo, ale během renesance opět vzkvétalo. Začalo to ve 14. století ve Florencii a v následujících třech stoletích se rozšířilo do zbytku Evropy. Byla to doba intelektuální zvědavosti a vývoje, který ovlivnil všechno: politiku, náboženství, umění, kulturu, hudbu a vědu. Hlavní myšlenkou a základem té doby byl humanismus (odvozený z konceptu Roman Humanitas). Proběhla obnova klasické antiky - studium latiny a řečtiny a shromažďování všeho, co bylo spojeno s dřívějšími řeckými a římskými civilizacemi. Je zajímavé, že tato nová životní filozofie byla dokonale spjata s křesťanstvím. Navíc se to všechno dělo pod patronací církve.

Sbírání rytých drahokamů se stalo velmi módním a portréty přitahovaly sběratele více než hloubky. Papež Pavel II. (Pietro Barbo) měl velkou sbírku starožitností, která patřila k největším v Evropě. Rukopisný inventář zahájený v roce 1457 zahrnoval více než 800 starožitných kamenů zařazených do skupin - „portréty, drahokamy vytesané portréty císařů a dalších slavných mužů, intaglia s hlavami císařoven a dalších slavných žen a drahokamy s vyrytými celovečerními postavami“ [ James Draper, 2008]. Většina z nich byla krásně vystavena ve stříbrných krabičkách s kardinálským erbem. Po papežově smrti většinu jeho sbírky koupil Lorenzo de Medici, zbytek se rozptýlil mezi jiné sběratele, jako například Gonzagasova rodina z Mantovy a Grimani z Benátek [James Draper, 2008].

Lorenzo Velkolepý byl velkým patronem umění. Rozšířil sbírku starožitných rytých drahokamů zděděných po otci a získaných od Pavla II o nově vyrobené. Mnoho z jeho drahokamů, starožitných i nových, bylo opatřeno iniciálami - „LAVR.MED“ (obr. 7). Po jeho smrti v roce 1492 byly jeho nejlepší portréty oceněny několikrát více než jeho obrazy Botticelliho.

Obrázek 7. Noe, vstup do archy. Konec 15. století. Nápis „LAVR.MED“. je na dveřích archy. Materiál - onyx. Britské muzeum.

Vášeň pro portréty rostla. Byly nejen shromažďovány a vystavovány ve skříních, ale také namontovány do všech typů šperků - prsteny, přívěsky (obr. 8), brože, kloboukový odznak enseigne (často zdobený portrétem nositele, monogramem, patronem) (obr. 9) . Poptávka byla vysoká a množství starožitných portrétů nebylo dostatečné. Cameos byly široce vyřezány moderními umělci. Někteří z nich svá díla podepsali v latině nebo řečtině.

Obrázek 8. Portrét mladé ženy. Sandro Botticelli. 1480-1485. Žena, údajně Simonetta Vespucci, má na sobě přívěsek s portrétem.Je to kopie v rubu „Neronovy pečeti“, slavného starožitného karneolského hlubotisku, které patřilo Lorenzovi de Medici. Städel Museum of Frankfurt, Německo. Obrázek 9. Portrét renesančního muže. Asi v polovině 19. století. Ten muž má na sobě klobouk s enseigne, kloboukový odznak. Materiál - skořepina. Soukromá sbírka autora.

Móda pro portréty se rychle rozšířila do dalších zemí. Italští rytci byli pozváni do Francie, Anglie, Španělska, Německa atd. Charles IX Francie, syn Catherine de Medici, vytvořil v Louvru speciální galerii pro ryté drahokamy, které přinesla jeho matka z Itálie, Henry IV podporoval umění vyřezávání drahokamů a nechal vypracovat několik jeho portrétů na portréty a intaglia (obr. 10).

Obrázek 10. Henry IV Francie jako okřídlený kentaur. 16. století. Materiál - skořepina. Britské muzeum.

V Anglii to bylo podporováno Tudory. Elizabeth I pověřila několik jejích portrétů vyřezáním na drahokamy, které byly poté připevněny jako přívěsky a brože a použity „jako platba jejím věrným poddaným za přízeň nebo za konkrétní službu“ [Anna M. Miller, 2013] (obr. 11).

Obrázek 11. Divoký klenot. Zepředu zobrazte portrét Alžběty I. Na zádech je hlubotisk s vyrytou vázou. Konec 16. století. Materiál portrétu - Tyrkys. Victoria and Albert Museum

V 16. století byl představen nový typ portrétu - habille cameo neboli komesso - klenot, kde se kovové a kamejové prvky spojují (obr. 12).

Obrázek 12. Přívěsek Commesso s ženským poprsím kolem roku 1550-60. Drahokamy portrétu - ametyst a karneol. Královská sbírka

16. a 17. století se vyznačují vysoce kvalitními portréty drahokamů, některé s vysokým reliéfem. Byly představeny nové materiály. Vzhledem k tomu, že poptávka po portrétech byla velmi vysoká a nabídka drahokamů nebyla dostatečně vysoká (navíc to bylo časově náročné), začaly se skořápky používat od 16. století. Tyto typy portrétů 16. a 17. století se vyznačují šedým a šedavě modrým pozadím (obr. 13). Některé portréty z tohoto období vypadají, že jsou vyřezány ze skořápky cowrie (mořští plži patřící do třídy měkkýšů Gastropoda) (obr. 10, 14). Tyto skořepinové portréty se vyznačují poměrně nízkým reliéfem.

Obrázek 13. Letnice. 16. století (c. 1570). Materiál - skořepina. Victoria and Albert Museum Obrázek 14. Bitevní scéna. 17. století. Materiál - skořepina. Victoria and Albert Museum

Pokud jde o kameny používané k řezbářství v průběhu 15. - 17. století, začaly se hojně používat nové druhy, jako rubín, safír, smaragd, lapis lazuli a tyrkys. Hlavními drahokamy pro řezbářství byly stále různé druhy křemene - většinou achát a onyx - ale také ametyst, skalní krystal a citrín. Bloodstone byl často používán pro náboženské portréty zobrazující Ježíše Krista (obr. 15). Zásoba drahokamů nebyla vždy dostatečně vysoká, takže umělci často používali intaglia k řezání portrétu na zadní straně (obr. 11) [Duffield Osborne, 1912]. Později nová ložiska drahokamů v Brazílii poskytla zdroj tvrdých kamenů vhodných pro řezbářství.

Obrázek 15. Kristus na sobě trnovou korunu. 16. století. Materiál - heliotrop (krevní kámen). britské muzeum

Mezi hlavní předměty období renesance stále můžeme vidět klasické mytologické a hrdinské obrazy z antických drahokamů, soch a rukopisů. V tomto období byly některé starožitné portréty dokonale zkopírovány. Náboženské motivy byly často používány jako ozdobné (obr. 13) i ve šperkařství (obr. 15). Široce byly vytesány portréty všech možných typů - starořečtí a římští filozofové, římští císaři, novodobí králové a královny (obr. 10–11) atd. Oblíbené byly také obrázky z běžného života nebo slavných událostí (obr. 14). Řezbáři drahokamů renesance tedy zcela nekopírovali předchozí starožitné drahokamy, ale představili mnoho nových nápadů a použili nové materiály.

Romantismus baroka a zamilovanost století Dilettanti.

Konec 17. a většinu 18. století lze nazvat romantickým obdobím ve vyřezávání portrétu. V té době bylo založeno mnoho škol v Itálii v Evropě [Anna M. Miller, 2013]. Francie a Německo se staly dvěma důležitými centry vyřezávání drahokamů, přičemž Itálie byla stále epicentrem tohoto umění [Duffield Osborne, 1912].

Náboženské motivy jsou pro portréty baroka velmi typické, ale v 18. století byly stále více doháněny klasickým řeckým a římským stylem. Vykopávky Pompeje a Herculaneum tvořily a řídily neoklasicistní módu evropské společnosti z konce 18. století.

V té době vznikly některé slavné sbírky, jako například sbírka drahokamů vévody z Marlborough a ruské císařovny Kateřiny Veliké [Anna M. Miller, 2013 Multum in Parvo, Wartski, 2019].

Další slavná sbírka 18. století patřila baronu Philippovi von Stoschovi, pruskému antikvariátu, který špehoval Jacobity v Římě pro britskou vládu (jeho důchod vypláceli Britové až do baronovy smrti). Pomohlo mu to financovat jeho docela drahý koníček. Jeho sbírka obsahovala více než 10 000 portrétů, intaglií a starožitných skleněných past. Obsahovalo mnoho moderních kopií starožitných drahokamů, které byly vytesány některými slavnými rytci drahokamů tohoto období, jako jsou Flavio Serletti a Jean Lorenz Natter. Po baronově smrti jej koupil pruský král Fridrich Veliký za asi 30 000 dukátů a nyní je součástí sbírky berlínských muzeí [Duffield Osborne, 1912].

Císař Napoleon založil školu a zahájil speciální cenu na podporu rytí drahokamů. Nařídil také odebrat některé portréty ze sbírky Biblioth èque Nationale a zasadit je do šperků [Henry Vever, 2001]. Dvorní klenotnice Marie-Étienne Nitot vytvořila pro císařovnu Josefínu krásnou sadu s mušlemi, která obsahovala diadém, náhrdelník, náramek a náušnice. Tato sada je ve sbírce švédské královské rodiny a tradičně se používá jako svatební hostina.

Slavnými a velmi sběratelskými umělci této doby jsou Giovanni a Luigi Pichlerovi (synové Antona Pichlera, který se usadil v Neapoli v roce 1730 a proslavil se dokonalou imitací starožitných řezbářských prací), Edward Burch RA, Nathaniel Marchant RA, Benedetto Pistrucci (v Londýně byl hlavní rytec Královské mincovny a jeho návrh „St. George Slaying the Dragon“ byl vyryt na panovníky v 19.-počátku 20. století) (obr. 16), Christian Hecker a další. Dobrý seznam umělců najdete v knize Anny M. Millera „Cameos. Old & amp New “a„ Multum in Parvo “, Wartski [Anna M. Miller, 2013 Multum in Parvo, Wartski, 2019]. Jedna důležitá věc je, že všichni tito rytci podepsali svá díla. Sbírka Britského muzea a Královské sbírky se doporučuje pro srovnání podpisů (stejně jako ostatní muzejní sbírky). Cenné informace o podpisech lze nalézt také v knize z roku 1912 „Ryté drahokamy, signety, talismany a okrasné intaglia, starověké a moderní“ od Osborna Duffielda.

Obrázek 16. Princ Albert. Rytý Benedetto Pistrucci. Asi 1840. Materiál - onyx. Královská sbírka

Na konci 18. století se na trhu objevily masově vyráběné ryté drahokamy. Nejdříve byly vyrobeny ze skelného skla skotským výrobcem Jamesem Tassiem (1735-1799), který vyrobil přes 15 000 portrétů a intaglií. Ve srovnání se starými římskými portréty, které byly často řezány, byly tyto tvarovány. Vyvinul recepty a dokázal napodobit dokonale neprůhledné a průhledné drahokamy a portréty různých vrstev (obr. 17). Stal se velmi populární, a když se usadil v Londýně, často vystavoval na Královské akademii [The Oxford Dictionary of Art, 2004]. Kateřina Veliká objednala kopie všech známých rytých drahokamů od Tassie [Anna M. Miller, 2013]. Tassieho položky katalogizoval a vytiskl Erich Raspe (je známý svými příběhy o baronu Munchausenovi) v roce 1791. Verze fotokopie je k dispozici online z Beazleyova archivu v Oxfordu. Po Jamesově smrti pokračoval v podnikání jeho synovec William Tassie.

Obrázek 17. A. Amor s lyrou. Tyrkysové sklovité sklo Tassie, c.1800. Ranní brož s medailonem, vyrytá v roce 1849 na zadní straně. Soukromá sbírka autora.
B. Kresba hlubotisku skleněné pasty, c. 1768-1805. Britské muzeum.

Tassie produkoval odlitky pro Wedgwood, jehož portréty byly široce dostupné od konce 18. století. Byly tak populární, že další evropské keramické továrny, jako Sevres, Berlín, Lisabon a další, začaly vyrábět „portréty“.

A konečně dalším oblíbeným typem simulace rytého drahokamu v té době byly „portréty“ lité železem (obr. 18).

Obrázek 18. Náhrdelník z litiny s devíti „portréty“ v nastavení zlaté kleštiny, c. 1805. Britské muzeum

Vášeň pro ryté drahokamy starověkého stylu se na konci 18. století změnila v mánii. Poptávka byla vysoká, nové materiály (odrůdy křemene z Brazílie, mušle z Karibiku, láva z Vesuvu) se staly široce dostupné a dostupné a umění bylo nahrazeno masovou výrobou. Ne neočekávaně to vedlo k nedostatku kvality a výroby mnoha padělků [Anna M. Miller, 2013]. Každé dostupné staré dílo bylo zkopírováno a ve velkém množství uvolněno na trh. Někdy byly starožitné pasty po kopírování dokonce zničeny, aby se zabránilo jejich případné identifikaci. "... staré drahokamy byly retušovány a dokonce přeřezávány a jména skutečných a dokonce imaginárních umělců starověku byla interpolována na mnoha kamenech ... v druhé polovině 18. století byla starožitná metoda psaní tak dobře reprodukována, že je často obtížné a někdy nemožné soudit podle samotného podpisu “[Duffield Osborne, 1912].

Se sbírkou prince Stanislase Poniatowského se stal slavný skandál kolem falešných starožitných rytých drahokamů. Prince Poniatowski byl polský šlechtic a člen bohaté rodiny Poniatowski. Od svého strýce, polského krále Stanislava aw II. Augusta, zdědil sbírku asi 150 starověkých řeckých a římských rytých drahokamů, včetně některých opravdu vzácných a velmi žádaných, jako je busta Io od Dioscurides [Duffield Osborne, 1912]. Během několika příštích let zvýšil sbírku na téměř 3000 a založil ji jako starožitnou s „starodávnými“ podpisy! 2 601 jeho drahokamů bylo později katalogizováno a vydáno jím ve třicátých letech 19. století [Golyzniak, 2016]. Tyto publikace iniciovaly zvěsti o možných padělcích: příliš mnoho drahokamů, které prostě nemohou existovat, v mnoha případech styl, který byl pro neoklasická díla typický velikostí drahokamů, jejich povrchovou úpravou a leštěním atd. [Anna M. Miller, 2013 Golyzniak, 2016]. Po jeho smrti byla sbírka vydražena v Christie’s v roce 1839 a zcela selhala. Mnoho drahokamů se neprodalo vůbec a cena za některé vzácné byla pod jakoukoli možnou hranicí. Například nejvzácnější Io, které bylo dříve oceněno za 5 000 dolarů, bylo prodáno za pouhých 17 liber. Pistrucciho portrét Augusta a Livie, za který dostal zaplaceno 800 liber, byl prodán za 30 liber! Husa, která v minulých letech snášela tolik zlatých vajec, byla nakonec zabita [Duffield Osborne, 1912]. Po tomto skandálu ryté drahokamy nikdy nedosáhly vysokých cen, které měli před aférou Poniatowski.

Většinu drahokamů Poniatowski získal John Tyrrell a později 1200 z nich bylo publikováno v letech 1857 a 1859 se 471 fotografiemi sádrových kopií - toto bylo jedno z prvních použití fotografie v uměleckohistorické publikaci [University of Oxford]. Strávil majlant, když se pokoušel drahokamy znovu prodat. Také mnoho kusů kolekce Poniatowski šlo do New Yorku a bylo tam prodáno se společností Tiffany jako agentem [Duffield Osborne, 1912 Anna M. Miller, 2013]. Šíří se tedy po celém světě a čas od času se mohou objevit na aukcích.

Hlavními rysy rytých drahokamů Poniatowski, kromě velikosti a neoklasických detailů uvedených výše, je úžasná řada starožitných scén z klasické alhistorie a mytologie - většina z nich byla inspirována Virgilinou Aeneid a Homerovou Ilias a Odyssey. V jeho službách pracovali tak slavní umělci jako Giuseppe a Pietro Girometti, Nicolo Cerbara, Tomaso Cades, Giovanni Calandrelli [Shirley Bury, 1991 Anna M. Miller, 2013 Golyzniak, 2016]. Mnoho drahokamů mělo výjimečnou kvalitu! Pokud by byly prezentovány jako moderní, účinek na umění rytí drahokamů by byl úplně jiný. Pozdější řezbáři portrétu 19. století a rytci drahokamů se touto kolekcí často „inspirovali“ a široce kopírovali tyto scény na mušle, tvrdé kameny, lávu a pastu.

Na kolekci Poniatowski je mimořádné, že byla vyrobena z orientálních drahokamů, které byly skutečně dostupné ve starověku, nikoli z nových dodávek z Brazílie nebo Německa. Jejich identifikace je velmi obtížná. Fotografie a popisy, které zveřejnil John Tyrrell s cílem podpořit prodej a jsou dnes k dispozici v archivu Beazley v Oxfordu, mohou naštěstí poskytnout vodítko k jejich identifikaci.

19. století bylo dobou broží, portréty zůstaly v módě jako šperk a jako cestovní suvenýr z Grand Tour. Bylo to období, kdy mnoho slavných muzeí otevřelo své sbírky veřejnosti. Nosit brož zobrazující nějakou slavnou evropskou atrakci, kus z muzejní sbírky nebo portrét populárních spisovatelů a básníků byl perfektní způsob, jak ukázat společnosti, že jste vzdělaný a cestovatelský člověk.

Enormní dovoz mušlí z karibského a afrického pobřeží po třicátých letech 19. století, láva (ve skutečnosti vápenec) z oblasti Vesuv a rostoucí dovoz slonoviny pomohly splnit poptávku po levných a dostupných portrétech [Shirley Bury, 1991]. Keramika Wedgwood byla stále oblíbená a v druhé polovině 19. století se v masové výrobě objevovaly sulfidové „portréty“.

Ačkoli portréty zlevnily a nebyly tak ceněné jako před 30. lety 19. století, stále zde byli umělci vytvářející opravdu krásné sochařské kousky. Mezi slavné a velmi sběratelské patří Tommaso a Luigi Saulini (obr. 19-20).

Obrázek 19. Phaeton pohánějící sluneční vůz. Rytina Tommasi Saulini. Asi 1850. Materiál - skořápka. britské muzeum Obrázek 20. Busta „Clytie“ (nyní identifikovaná jako Antonia). Rytina Luigi Saulini. Asi 1855. Materiál - sardonyx. britské muzeum

Mezi subjekty 19. století patří mnoho řeckých a římských mytologických výjevů, božstev, nymf a hrdinů (obr. 21). Mezi nejoblíbenější patří Medusa (obr. 22), Amor a Psyche, Bacchantes nebo Bacchus, Hebe s orlem (Zeus), Flora (obr. 23), Heracles (obr. 24), všechny možné tmely atd. „Devatenáctý“ Knihu Century Cameos ”od Michele Rowan (2004) lze doporučit pro identifikaci i pro všechny výše uvedené zdroje.

Obrázek 21. Cameos s různými římskými bohy, bohyněmi a hrdiny. Asi 1860. Materiál - láva. Osobní sbírka autora Obrázek 22. Medúza. Asi 1810. Materiál - skořápka. Foto s laskavým svolením autora Obrázek 23. Cameos s Florou, římská bohyně květin. Asi 1860. Materiál - skořápka. Osobní sbírka autora Obrázek 24. Herakles s kožichem z lví kůže Nemean. Asi 1890. Materiál - skořápka. Osobní sbírka autora

Na portrétech 19. století je také k vidění mnoho různých kopií a interpretací uměleckých děl 15. až 19. století, například Rafael (mezi nejpopulárnější patří jeho „Madona židle“), Michelangelo, Botticelli, Guido Reni („Anděl Zvěstování “a„ Aurora “byly velmi dobře reprodukovány na portrétech) (obr. 25), Bertel Thorvaldsen („ den “a„ noc “lze často vidět) (obr. 26), Antonio Canova (všechny jeho sochy z byla reprodukována Britská muzea), John Gibson („Venuše a Amor“, „Amor a Psyche“ a další), John Flaxman a mnoho dalších.

Obrázek 25. Anděl Zvěstování. Po Guidovi Reni. Asi 1860. Materiál - skořápka. Foto s laskavým svolením autora Obrázek 26. Noc. Po Bertelovi Thorlavdsenovi. Asi 1850. Materiál - skořápka. Foto s laskavým svolením autora

Portréty byly také populární jako ve všech předchozích obdobích: římští císaři, Mary Stuart, Elizabeth I, Dante Alighieri, Byron a Shakespeare, Michelangelo, Leonardo da Vinci a mnoho dalších.

Nové obrazy tohoto období jsou možná všechny druhy pastorale s pastýři, byly interpretací obrazů 18. a 19. století.

Mezi biblickými scénami je „Rebecca u studny“ pravděpodobně nejběžnější (obr. 27). Většina z nich je velmi špatné kvality a obvykle obsahuje ženskou postavu u studny nebo na silnici (údajně na cestě ke studni). To vše je typické pro polovinu - konec 19. století a obvykle je to vidět na mušlích.

Obrázek 27. Rebecca u studny. Polovina 19. století. Materiál - skořepina. Osobní sbírka autora

Mezi oblíbené materiály tohoto období patří lastury měkkýšů - Cassis madagascariensis (sardonyx nebo královská helma, někdy také nazývaná černá helma) (obr. 27), Cassis cornuta (helma s rohy), Cypraecassis rufa (karneol nebo skořápka býka) ( 9, 26), Strombus gigas (lastura královská nebo růžová mušle) obr. 23). Používala se také skořápka Cowrie, ale méně často (obr. 24). Láva mnoha různých barev (obr. 21), korály, slonovina a želvovinová skořápka byly široce používány po 1840 tryskových portrétech - po roce 1860. Mezi napodobeninami je často k vidění skelné sklo (velmi často dublety), sulfidové „portréty“ a keramika Wedgwood. Po roce 1870 se objevily plasty a různé tryskové imitace (jako vulkanit).

Kameny 19. století byly obvykle vytesány ve vysokém reliéfu, jejich velikost je ve srovnání s předchozími stoletími větší. Po roce 1850 jsou také často vyřezávány velkoformátové portréty.

Souhrn

Umění kamenářského řezbářství upadlo do konce 19. století. Z umělců 20. století je Giovanni Noto pravděpodobně nejslavnějším a sběratelským. Poté, co dominance hardstone přes historii se shell stal hlavním materiálem z konce 19. století a 20. století se stalo érou plastových napodobenin. Dalo by se myslet, že portrét jako součást umění je navždy ztracen, ale je velmi dobré vidět, že v posledních 10 letech roste poptávka po ručně vyřezávaných portrétech, a to nejen těch starožitných, ale i moderních. Umělce pracující v tomto druhu umění lze každoročně vidět na různých drahokamových veletrzích a výstavách (Tucson, USA IJL, Londýn atd.).

Současně existuje poptávka po antických portrétech. Většina rytých drahokamů, které lze dnes na trhu nalézt, pochází z 19. a konce 18. století, ačkoli čas od času se objevují drahokamy renesanční a římské.

Jak jste mohli vidět celou historii, vždy existovaly kopie, reprodukce a záměrné padělky. Když analyzujete portrét jako jakýkoli jiný starožitný kus, musíte vzít v úvahu všechny detaily.

Materiál portrétu - ať už je to měkký nebo tvrdý kámen, jeho původ, typ skořápky, korálu, slonoviny nebo lávy, vyřezávané nebo tvarované sklo.Římské portréty byly většinou vytesány z tvrdých kamenů orientálního původu. Německé acháty byly dominantní přibližně od 11. do 18. století. V renesanci bylo použito mnoho nových drahokamů, jako je tyrkys, smaragd a korund. Mušle jako materiál se objevily v 16. století. Zhruba do poloviny 18. století jsou skořepinové portréty velmi ploché s nízkým reliéfem, většinou se šedým nebo modrošedým pozadím, je vidět nějaká krunýřová skořápka (jejich charakteristickým rysem je, že mají sedm barevných vrstev, žádný jiný typ shell je stejný). Od poloviny 18. století se používají různé druhy skořápek čeledi Cassidae a Strombidae. Mají hnědou, oranžovou a růžovou barvu a jsou obvykle vytesány ve vysokém reliéfu. Korálové, želvovinové a slonovinové portréty jsou na trhu stále běžnější od roku 1840. Skleněné (pastové) portréty před koncem 18. století byly vyřezávány a po 19. století byly všechny skleněné portréty vyráběny z tvarovaného skla.

Ačkoli se techniky a nástroje používané pro řezbářství od starověku téměř nezměnily, je důležité najít podřezané funkce, aby bylo možné odlišit ručně vyřezávané portréty od moderních strojově vyráběných. Leštění tvrdých kamenných portrétů někdy může poskytnout určité stopy při identifikaci a datování.

Styl portrétu je velmi důležitý. Jak jste mohli vidět v příběhu o drahokamech Poniatowski, byla to jedna z hlavních indicií. Móda se neustále mění a umění se mění souběžně. Všechny portréty 20. století mají lidi s mírně zavalitým nosem ve srovnání s rovnými římskými nosy typickými v předchozích stoletích. Celá tvář se ve 20. století stává kudrnatější a lehčí než dříve. Vodítka mohou poskytnout také detaily oblečení nebo šperků vyobrazené na portrétu: musí odpovídat období.

V případě portrétů záleží na velikosti. Římské portréty nošené jako šperky byly malých velikostí. U renesančních drahokamů to platí také proto, že zásoba drahých kamenů ještě nestačila a mnoho kamenů bylo vysoce ceněno. Shell portréty až do přibližně 1840 byly buď malé nebo střední velikosti. Velkoformátové brožové brože se objevují po roce 1840 a staly se obzvláště módními po roce 1860. Předtím byly skořepinové portréty o velikosti 2,5-3 palce většinou vidět na pásech nebo ozdobách do vlasů.

Ačkoli byly drahokamy v historii znovu připojeny, pokud dokážete identifikovat a datovat mount, může vám také pomoci identifikovat a datovat portrét - přinejmenším vám poskytne nejnovější možný čas. Někdy je to také užitečné.

Cílem tohoto přehledu je pomoci porozumět hlavním indiciím povahy a identifikace portrétu. Sběratel závislých na portrétu říká, že k tomu musíte mít cit. Pokud pracujete s portréty roky, můžete to říct a randit se zavřenýma očima, mluví to s vámi. To je pravda, ale neustále zlepšovat své znalosti, sledovat všechny nové techniky a metody, spolu s logikou mohou být dobrými přáteli na této cestě, bez ohledu na to, zda jste odhadcem, obchodníkem nebo sběratelem.

  1. Beazley Archive, University of Oxford. https://www.beazley.ox.ac.uk/gems/poniatowski/default.htm]
  2. Bury, S. (1991). Šperky. 1789-1910. Mezinárodní éra. Svazek I. 1789-1861. Klub sběratelů starožitností Ltd.
  3. Draper, J.D. (2008) Cameo vystoupení. Metropolitní muzeum umění.
  4. Duffield, O (1912) Ryté drahokamy, signety, talismany a okrasné intaglia, starodávné i moderní. New York, H. Holt a společnost.
  5. Golyzniak, P. (2016) Dopad drahokamů Poniatowski na pozdější rytí drahokamů. Studie starověkého umění a civilizace. Jagellonská univerzita, s. 173-192.
  6. Šperky po dobu 7 000 let. 1976. Trusties of the British Museum
  7. Miller, A.M. (2013) Cameos. Staré a nové. GemStone Press, 4. vydání.
  8. Multum v Parvo. Wartski. 2019.
  9. Oxfordský slovník umění. https://books.google.co.uk/books?id=WYaRX58a0_IC&dq=tassie+reproduction+of+gems+ancient+and+modern&source=gbs_navlinks_s
  10. Rowan, M. (2004). Devatenácté století Cameos. Klub sběratelů starožitností Ltd.
  11. Vever, H. (2001) Francouzské šperky devatenáctého století. Temže a zesilovač Hudson.

o autorovi

Lola Rafieva PhD, FGA, DGA, člen JVA a odhadce a gemolog ve společnosti Bentley & amp Skinner. Lola podniká v oboru starožitných šperků od roku 2014. Je vzdělanou vědkyní a má silné analytické schopnosti a dobrý cit pro detail.


Starozákonní scény

Některé starozákonní postavy, zejména Jonáš a Daniel, se těšily zvláštní oblibě u křesťanů, kteří je považovali za symboly spásy, které předznamenávaly nebo narážely na Ježíše. Na řadě drahokamů je Dobrý pastýř spárován s Danielem, který je obvykle reprezentován jako stojící v póze orant (v modlitbě) mezi dvěma lvy. Další drahokamy ukazují cyklus zkrácených obrázků ilustrujících příběh Jonáše: Jonáš vrhaný z lodi, spolknutý velkou rybou (vždy zobrazován jako klasický ketos(nebo mořská příšera), zvracený ven ketos, a spát pod tykví. Méně často jsou na drahokamech zastoupeny a možná o něco později (4. století n. L.) Další postavy Starého zákona, včetně Adama a Evy, Noaha a Abrahamovy oběti jeho syna Izáka. Další skupina drahokamů kombinuje různé obrazy, například Dobrý pastýř, Jonáš, Daniel a Noe.

Londýn, Britské muzeum. Nicolo, 14,5 x 12 mm.

Soukromá sbírka. Cornelian, 20 x 14 mm.

Jonáš, Dobrý ovčák, Daniel a lvi, holubice s olivovou ratolestí a křesťanské monogramy.

Londýn, Britské muzeum. Cornelian, 17,5 x 11 mm.


Metody gravírování a vyřezávání drahokamů

Rané metody

Nejčasnějším lapidárním nástrojem byl jakýkoli ostrý tvrdý kámen, jako je křemen, korund nebo později bílý safír a diamant. Nejčastěji používaným principem bylo použití brusné pasty ze smirkového nebo korundového prachu v oleji nebo ve vodě a mědi nebo dokonce dřeva k obroušení kamene. Plinius uvádí, že většina tohoto brusiva pocházela z ostrova Naxos. Indiánské kmeny stále používají bambusové hroty k vrtání ručně otáčených vrtáků a přídě poháněné hroty z měkkého kovu, jako je měď impregnovaná brusivem, se používaly i v prehistorických dobách. Do roku 4000 př. N. L. Se zařízení na řezání drahokamů velmi podobalo dnešním nástrojům. Příďový vrták se brzy začal používat nejen u bodových vrtáků, ale také u trubek a kol různých velikostí. Později byl vyvinut luk poháněný soustruh. Ještě později bylo safírové nebo diamantové stříbro namontováno do železné nebo bronzové rukojeti a používáno jako jemný vápenný finišer a gravír. Ophrastus a Plinius podávají zprávy o metodách, které byly překvapivě moderní. Pečlivá studie archeologů o mnoha drahokamech nacházejících se v různých fázích dokončení poskytuje jasný obraz o krocích používaných při výrobě módy. Hrubé tvarování bylo provedeno měděným drátem a smirkovou pastou, Whetstones z černé Lydie). k vyhlazení povrchů byl použit jaspis a částice smirku roztavené v pryskyřici. Blokování bylo provedeno vrtáky a trubkami různých velikostí. Často se používala rotula neboli bronzové kolo, často byla operace hrubování dílem učně nebo asistenta, mistr umělec převzal místo hrobu, kde byly vyžadovány dovednosti, osobnost a zkušenosti. Leštění bylo provedeno jako dnes, s oxidy kovů a měkkým dřevem nebo, pro rovné povrchy, s hadrem poprášeným okrovou zeminou nebo hematitem. Práce se skleněnými portréty ve dvou barvách byla provedena ponořením kobaltově modrého skla do roztaveného bílého skla, na které byl nataven tenký bílý povlak. Toto bylo zpracováno, aby se vytvořily postavy, takže zůstalo modré pozadí.

Současné metody

Rytina

Dnes je soustruh nejdůležitějším nástrojem pro gravírování drahokamů. Skládá se z pevného motoru, jehož hřídel drží malé sklíčidlo, nebo sbírá. Vrtáky a frézy používané pro řezbářství jsou namontovány ve sběrné nádobě. Nejnověji představené frézy jsou vyrobeny ze slinutého kovu impregnovaného diamantovým prachem. Dříve se používaly ocelové špičky, které se nabíjely použitím olivového oleje a diamantového prášku. Mezi různé tvary patří kuličkové, kruhové, oválné, kuželové, ostré hrany a válcové. Materiál, který má být zpracován, je držen buď v ruce, nebo je stmelen krátkou dopovou tyčinkou a gravírování je provedeno manipulací s kamenem proti rychle se otáčejícímu noži. Aby byla zajištěna přesnost hotového výrobku, je obvykle obvyklé načrtnout obrys navrhovaného designu nebo obrázku na povrch drahokamu pomocí diamantového doteku nebo jiného vhodného nástroje. Práce vykonaná vrtákem, na rozdíl od řezačky, se vyznačuje zaoblenými drážkami nebo čarami a zejména otvory, kde byl vrták na okamžik zastaven.

Zřídka se některé materiály, zejména měkčí látky, jako je skořápka, gravírují ručně pomocí ocelových gravírů nebo nástrojů na řezání dřeva. Metoda je samozřejmě mnohem pomalejší než vrtačka nebo řezačka. Dokonce i ve starověku, kdy čas nebyl na tvrdších kamenech praktický.

Řezba

Vzhledem k široké škále velikostí a tvarů vyráběných z vyřezávaných kamenů se často používá kombinace technik řezání a gravírování kabošonu.

Například na velké váze by řemeslník shledal nezbytným použít pro první práci velké elektricky poháněné okruhy a diamantové pily, následované opatrnějším používáním malých vrtáků a dalších gravírovacích nástrojů pro aplikaci únavných vzorů a dalších jemná ruční práce. Jinak se obecně používá kabošonská metoda použití různých zrnitostí brusných prášků a lešticích prostředků na různé typy kol.

Zdánlivě nekonečná paleta předmětů byla a je vyráběna vyřezáváním, z nichž častěji se vyskytují vázy, misky a lahvičky s parfémy, stav a početné postavy ptáků, zvířat a jiné divoké zvěře. Takové řezby mohou mít velikost od karátů nebo méně po mnoho liber a jsou velmi jednoduché nebo extrémně komplikované v designu, jadeit a nefrit jsou pravděpodobně oblíbenými drahokamy pro řezbářství, zejména u Číňanů. Oblíbený je také růžový křemen, skalní krystal, ametyst a lapis-lazuli.


Sardonyx Cameo ukazuje nesmyslný řecký nápis - historie


I když jsou malé drahokamy, věřím, že dobývají věky.
S. Reinach

Starožitný portrét se stal symbolem elegance a krásy. Často je považována za umělecká díla, která zdůrazňují dokonalost formy a oslavují lidskou krásu a graficky zobrazují vytříbenou ladnost a miniaturizaci. Starožitné portréty lze právem považovat za model tohoto druhu umění. Narodili se z klasického umění starověku, umění, které poetizovalo a prohlašovalo za esteticky příjemné vše, co bylo nejlepší a nejcennější v ideálu harmonického a dokonalého člověka.

Slovo cameo se obecně používá k popisu vyřezávaných kamenů s obrazem provedeným v reliéfu (na rozdíl od intaglií, kameny s vyřezaným obrazem, používané jako pečeti od nepaměti). Původ termínu cameo není jasný. S největší pravděpodobností to slovo camaheu nebo camaieul, objevující se ve francouzštině ve třináctém století a odpovídající řecké κ ε ι μ ή λ ι ο ν, byl přivezen z východu křižáky.

Ve čtvrtém století před naším letopočtem mistři starověkých glyptiků, umění tesat do kamene, vyráběli nejen pečetě a hloubky, ale také skarabei, lvy a sfingy vytesané v reliéfu z jednobarevných minerálů. Samotné portréty-vícebarevné drahokamy řezané v reliéfu, nejčastěji ze sardonyxu, zvláštního druhu vícevrstvého achátu,-se začaly objevovat až na konci čtvrtého a na začátku třetího století před naším letopočtem Zavedení polychromie odlišovalo novou metodu řezbářství od starých tradičních forem. Využitím různých barevných vrstev sardonyxu mohli tito mistři dosáhnout takových barevných efektů, jaké se vyskytují v malbě. Reliéf portrétů byl zdůrazněn hrou jasných tónů a jejich nuancí, od černé, přes různé odstíny hnědé, až po modrošedou a bílou. Mistr změnil tloušťku bílé vrstvy achátu tak, aby přes ni byla vidět tmavá spodní vrstva, a tak mistr dokázal vytvořit iluzi modelování ve světle a ve stínu. Řemeslníci si vybrali buď indický sardonyx, který kombinoval bílou a žlutou s teplými červenohnědými barvami, nebo arabský sardonyx, ve kterém převládala zpravidla studená modrá a černá.

Rodištěm portrétu je považována Alexandrie, město založené Alexandrem Velikým na ústí Nilu v roce 332 př. N. L. Odtud pocházejí nejstarší známé a nejslavnější drahokamy: velké portréty s portréty Ptolemaia II a Arsina ë, nyní v Leningradu a Vídni, slavný „Farnese Cup“ v Neapoli, „Ptolemaiový pohár“ v r. Paříž. Všechny tyto byly vyrobeny řeckými mistry na alexandrijském dvoře Ptolemaiovců.

V návaznosti na tažení Alexandra Velikého proudil z Orientu proud nových, nečekaně jasných různobarevných minerálů, což vedlo k vytvoření nového druhu drahokamu. Zatímco pro tuleně byly použity pokorné intaglie, portrét se nejčastěji stal předmětem luxusu. Vícebarevné drahokamy ze vzácných východních minerálů byly upevněny v prstenech, korunách a diadémech. Zdobily oděvy králů, kněží a šlechticů. Vyřezávané kameny se začaly používat k dekoraci cenných jídel, rakví, nábytku, hudebních nástrojů. Zvláště slavné se staly nádoby z krystalu, chalcedonu a onyxu s dovedně provedenými reliéfy na těle.

Vytříbená umělecká citlivost patrná z článků řeckých řemeslníků pro mocné panovníky a šlechtice je skutečně pozoruhodná. Kombinují barevnost exotických orientálních minerálů s vysokou genialitou Hellasu.

Hellenističtí králové sponzorovali mistry glyptiků. Alexandr Veliký měl svého vlastního dvorního řemeslníka Pyrgotelese. Pouze jemu bylo dovoleno vyrábět portréty krále na drahokamech. Sbírka vyřezávaných kamenů, daktylotheke, krále Mithridata VI Eupatora z Pontu, se těšila velké slávě.

Umění řezbářské portréty vyžadovalo od řemeslníka mimořádnou míru dovednosti a vytrvalosti. Téměř každé starověké portrétové dílo je příkladem nezištné a fanatické lásky ke kráse. Stejné jednoduché nástroje, které byly použity pro hlubotiskové pečetě, byly použity také pro portréty. Příďová vrtačka a později kolo s hnacím řemenem otáčejí různé konfigurace fréz. Achát, stejně jako většina minerálů využívaných v glyptikách, je tvrdší než kov, a proto nebyl kámen řezán přímo kovovým okrajem, ale pomocí brusných materiálů, „kamene Naxos“, práškového korundu nebo diamantového prachu. Obraz rostl pomalu. Mistr byl nucen pracovat téměř slepě, protože prášek brusiva smíchaný s olejem nebo vodou zcela zakryl design. Řemeslník by mohl strávit měsíce a dokonce roky vytvářením jediného portrétu. E. Babelon, francouzský učenec z počátku dvacátého století a jeden z nejvýznamnějších znalců glyptik, poznamenal, že výroba velkého portrétu zabrala tolik času, jako celá katedrála.

Tvrdost kamene nebyla jediným technickým problémem. Bylo také nezbytné předem určit posloupnost vrstev v achátu, které ne vždy probíhaly rovnoběžně, často měnily tloušťku a vrtošivě se ohýbaly. Nepřesný odhad znamenal, že skvrna barvy, která byla v rozporu s designem, může místo zdůraznění kazit siluetu obrázku. U nejlepších portrétů jsou tyto obtíže překonány s takovou virtuozitou, že se kámen zdá být tvárný a okamžitě reaguje na umělcovu řezačku. Zdá se, že vrstvy achátu byly od přírody uspořádány tak, že bílá barva profilu je zvýrazněna tmavým pozadím a čelo ze slonovinové kosti korunované kaštanovými kadeřemi.

Zvláštní postavení portrétu mezi ostatními žánry užitého umění určovala jeho polychromie. Řemeslníci mohli v kameni reprodukovat mnoho obrazů starožitných umělců. Ve sběratelských daktylotheke portrétech tvořila jakousi galerii miniaturních reprodukcí. Spolu s freskami v Pompejích jsou tyto kopie obrazů dochovaných v kameni nenahraditelné při rekonstrukci malby na stojanu klasických umělců, nyní navždy ztracené. Neobvyklá trvanlivost materiálu zajišťovala dlouhou životnost portrétu. Starověké chrámy dlouho ležely v troskách, mnoho mistrovských děl plastického umění přežívá jen ve fragmentech a obrázky řeckých malířů beze stopy zmizely. Starověké portréty však zůstávají v tak úžasném stavu zachování, že možná právě opustily mistrovy ruce.

Sbírka starožitných portrétů v Hermitage je srovnatelná se světově proslulými sbírkami, s možnými výjimkami ve Vídni a Paříži. První drahokamy Hermitage získala Kateřina II. Ze sbírky L. Nattera v roce 1764. Ale její nadšení dosáhlo nejvyššího rozkvětu v osmdesátých a devadesátých letech. Sbírky de Breteuil, Byres, Slade, Mengs (1780-1782), Lord Beverley (1786), Louis-Philippe, Duke of Orleans (1787), The Duke of Saint Morys a of J.-B. Casanova, ředitel Akademie výtvarných umění v Drážďanech (1792), byli všichni přivezeni na břeh Něvy. „Cameo horečka“ bylo jméno, které Catherine dala sběratelské vášni a která ji v těchto letech zachvátila.

V dopise známému představiteli osvícení Fredericu-Melchiora Grimma napsala: „Moje malá sbírka vyřezávaných kamenů je taková, že včera měli čtyři muži potíže s nošením dvou košů pouzder na šperky, které obsahovaly sotva polovinu sbírky. . Abych předešel nedorozumění, měl bych zdůraznit, že to byly stejné koše, jaké používáme k přepravě kulatiny v zimě “. Přístup ke sbírce „starožitností“, jak se tehdy drahokamům říkalo, byl považován za velmi zvláštní výsadu. "Nevidělo to více než pět nebo šest lidí," řekla Catherine baronovi Grimmovi.

Na konci vlády Kateřiny II. Vlastnila Hermitage více než 10 000 drahokamů. Rok před smrtí napsala s hrdostí svému důvěryhodnému zpravodaji „Všechny evropské sbírky, ve srovnání s našimi, jsou pouhou dětinskou zábavou“.

Sbírka vyřezávaných kamenů byla v devatenáctém století výrazně rozšířena. V roce 1814 dala Josephine, manželka Napoleona, Alexandrovi I. slavný „Gonzaga Cameo“. Ve stejném období byla ze sbírky barona AL Nicolaie získána miniaturní váza na sardonyx, spolu s portréty generála ME Khitrova a sbírkami viceprezidenta Akademie výtvarných umění GG Gagarina, ruského velvyslance ve Vídni , DP Tatishchev, princezna E I. Golitsyna a hrabě LA Perovsky. Několik položek bylo získáno také ze sbírek petrohradských znalců A. I. Lebeděva a V. I. Miatleva a odessského sběratele Y. K. Lemma é.

Na počátku dvacátého století zakoupila Hermitage část sbírky ruského velvyslance v Berlíně PA Saburova a po roce 1917 muzeum pohltilo znárodněné sbírky petrohradské šlechty, šuvalovců, yusupovů, strroganovů a Nelidovs. Do poloviny tohoto století se sbírka muzea téměř zdvojnásobila a stále se přidávají. Archeologické expedice z Ermitáže často nacházejí starožitné drahokamy na jihu Sovětského svazu. Sbírku rozšířily také nové akvizice muzea. V roce 1964 slavný sovětský mineralog G. G. Lemlein představil do Hermitage více než 260 starověkých intaglií a portrétů.

V muzeu jsou kousky patřící do všech období vývoje umění. Mezi největší poklady patří jedno z prvních portrétů, slavné „Gonzaga Cameo“, někdy známé také jako „Cameo of Malmaison“, po pobytu jeho posledního majitele. Historii portrétu lze vysledovat od roku 1542, kdy byl poprvé zmíněn v inventářích Gonzagas, vévodů z Mantovy. Za čtyři sta let sedmkrát změnil majitele. V roce 1630, po pytli Mantovy rakouskými silami, byl portrét přivezen do pražského Kremlu, pokladnice Habsburků. Poté byl převezen do Stockholmu jako trofej švédských vojsk, která obsadila Prahu. Když královna Christina abdikovala a odešla do italského kláštera, vzala si portrét s sebou. Po její smrti se portrét dostal do sbírky vévodů z Odescalchi, ale v roce 1794 jej pro Vatikán získal papež Pius VI. Když se Napoleon zmocnil Říma, vzal portrét ještě jednou na sever, tentokrát do Francie, kde zůstal až do léta 1814, kdy jej manželka svrženého Napoleona předložila císaři Alexandru I.

„Gonzaga Cameo“ vyrobil v Alexandrii neznámý mistr ve třetím století před naším letopočtem Vládci helénistického Egypta Ptolemaios II a jeho manželka Arsino ë jsou zde zastoupeni jako bohové řeckého Pantheonu - θ ε ο ί ἄ δ ε λ φ ο ι. Při zobrazování svých patronů je dvorní umělec idealizoval a připisoval Ptolemaiovi II mládí, krásu a energii Alexandra Velikého. Portrét jeho manželky působí hieraticky přísně, měkké rysy tváře vyzařují klid. Na Ptolemaiově rameni je záštita Dia, nejvyššího božstva Hellenů. Vavřínové věnce obepínají hlavy krále a královny na znamení jejich zbožštění.

Mistrova odvážná technická virtuozita je okamžitě pozoruhodná. Energie formy, jemné a jemné tvarování spolu s citlivou volbou barevných efektů činí z tohoto portrétu model umění „malování na kámen“. Na popelně šedém pozadí jasně vynikají profily krále a jeho manželky. Umělec využil jemné gradace tří základních vrstev kamene. Za oslnivým bílým profilem Ptolemaia, který byl vybrán jakoby jasným světlem, se zdá, že namodralý profil Arsina ë ustupuje do stínu. Přilba, vlasy a záštita krále jsou vyřezány z horní, hnědé vrstvy, zatímco jasnější žíly jsou použity pro rozetu na přilbě a pro hlavy Medúzy a Phobos, které zdobí záštitu. To ještě více posiluje obrazovou kvalitu portrétu. Změnou povrchové úpravy dal mistr tělesné teplo střední, poněkud průhledné vrstvě a téměř kovový lesk helmy.

Na rozdíl od studené barevné škály jasanově šedých, modrých a fialovohnědých arabských sardonyxů, z nichž je vytesáno „Gonzaga Cameo“, je busta Zeuse na portrétu indického sardonyxu provedena v teplých tónech. V tomto případě mohl helénský umělec pracovat jako malíř vyzbrojený bohatou paletou. Hlava Zeuse, korunovaná věncem dubových listů, je hrdě vztyčena. Profil, jehož bílá je zdůrazněna červenohnědými kadeřemi vlasů a vousů, se zdá, že se roztaví do medově zlatého pozadí, zatímco lila odstíny zdůrazňují tvarování tváře boha.

Mezi menšími portréty jsou zajímavé portréty Ptolemaia III a Antiocha I. Každý z těchto králů se jeví jako nový Alexandr na aureole slávy jejich proslulého předchůdce. Královny Ptolemaiovců jsou zastoupeny jako bohyně Isis a Afrodita nebo jako strážci měst Alexandrie a Antiochie. Portrét Kleopatry VII patří ke konci helénistické éry. Odvážná, šťavnatá řezba mistrů třetího a druhého století př. N. L., Tak bohatá na barevné efekty, byla nahrazena chladným, racionalistickým způsobem nezbytným pro glyptiky v prvním století př. N. L.

Helénistické portréty na mytologická témata se vyznačují zdokonalením a jemností. Hedonismus dvora určoval charakteristiku některých uměleckých žánrů v tomto období, které je někdy přirovnáváno k evropskému rokoku. Postavy Horus-Harpokrates nebo Ganymedes a orel jsou elegantní a elegantní. Samotný výběr témat poukazuje na synkretickou povahu alexandrijského umění, v němž tradiční, egyptské, mírumilovně koexistovalo s novým, řeckým. Znázornění Ganymeda na fragmentu velkého krásného portrétu je zřejmě převzato z nějakého ztraceného obrazu helénského období.

Je pravděpodobné, že toto stejné dílo inspirovalo básníka Stratona:

Spěchejte do síní bohů do nebe, chlapec ve vašich drápech,
Zvedněte se na širokém křídle orla, hrdě rozšířeném za letu.
Rychlost, aby mohl být spravedlivý Ganymed rychle zvednut do nebe,
Na nebeskou hostinu, tam podávat víno před Zeusem.
Ostré jsou drápy orla: bojte se, abyste nezranili dítě
Nevyvolávejte smutek u Zeuse, který pro něj rozzlobeně borí.

Řezba tohoto portrétu upoutává pozornost mimořádnou měkkostí a sotva znatelnými gradacemi reliéfu na bílé vrstvě sardonyxu, do níž je vytesáno tělo chlapce. Mohutná, neleštěná křídla orla zdůrazňují tělesnou křehkost Ganymedovy malé postavy. Dovedně leštěná frýgická čepice, provedená v tmavé horní vrstvě, poskytuje jediný vzrušující prvek v tomto nápadně jemném a rafinovaném portrétu.

Reprezentace Dionýsa na voze, satyrů a maenád a tanců sileni vedou do atmosféry dionýsského veselí převládajícího v ptolemaiovském Egyptě. Ve scénách obětí Kybele, Dionysos, Pan a Priapos se probouzí k životu duch helénistické Alexandrie s extravagantními divadelními průvody, okázalostí Ptolemaiových dvorních svátků, veselými zástupy měšťanů, jimž byl celý tento lesk určené k oslepnutí. Zručnost umělců je nenapodobitelná. Mohli vepsat víceobrazové kompozice do oválu s oslnivou virtuozitou, vnést do těchto miniaturních scén neobvyklou dynamiku a odhalit přirozený rytmus designu, příjemný při pohledu z dálky, jako vzor krajky, ale který při bližším zkoumání odhalil překvapivé množství detailů.

Umělecký vkus „starožitného rokoka“ vysvětluje lásku umělců k zobrazování hravých amorů, psychik, nymf a satyrů. Drobné alegorie, jako jsou muky Psyche rozervané vášní, se často nacházejí. Cameo v Ermitáži ukazující amorky pálící ​​křídla Psyche pochodněmi se zdají být ilustracemi pro Meleagerův verš:

Pokud bys svým ohněm bez ustání opálil, Erosi, její duši,
Pak si dejte pozor, aby neutekla - má také křídla, aby mohla létat.

Tito zlomyslní malí bohové lásky jsou často prezentováni v podobě řemeslníků nebo oráčů. S komickou vlastní důležitostí se zabývali prací, divadelními představeními, koňskými dostihy a atletikou. Spolu s těmito sentimentálními alegoriemi a ironickými a fasetárními úpravami starověkých mytologických témat vytvořili mistři helénistického portrétu také otevřeně erotická díla zobrazující spícího Hermafrodita, Ledu v objetí Dia, proměněného v labutě a různé více figurální bacchanalianské scény .

Excesy městského života vzbudily zájem o idylické a pastorační předměty. Cameo dítěte Telephose, syna Hérakla, kojeného zadkem, bylo pravděpodobně převzato ze slavného obrazu od Apella. Pomocí pouze fragmentu malované kompozice se umělci podaří proměnit ji v miniaturní mistrovské dílo glyptiků. Jak přirozený a dojemný je pohyb zvířete, které olizuje nalezené dítě, a jak obratně dotváří kompozici této malé poetické scény! Cameo „Heracles and Omphal ë“ ukazuje zamilovaného zajatce Lydian Queen, který se koupal, než si oblékl ženské oblečení, zatímco malý Amor pomáhá Omphal ë. Nyní zřejmě ztracený obrázek „Heracles a Omphal ë“ poskytl námět jak pro portréty Hermitage, tak pro epigram helénistického básníka Philipposa:

Kde máš lví kůži, kde máš luk, zpívající šípy
Kde je klub, který jsi vlastnil, hrůza z divokých zvířat?
Všechny - dány Erosovi. Není ani důvod se divit:
Ten, kdo ze Zeuse udělal labuť, Herakles, nyní vlastní tvé paže!

Cameo Perseus a Andromeda podobně proměňuje starověký mýtus v idylickou, poněkud divadelní scénu. Mladý hrdina, jako správný galant, ukazuje svému rozmarnému milenci hrůznou hlavu Medúzy, odrážející se ve vodě. Cameo, jemně provedené ve dvou tónech, se vyznačuje rytmem linie a přesností designu.

Cameos z tohoto období vykazují další rysy helénistického umění, například nadšení pro hrdinská témata a vášnivé obrazy. Bohyně vítězství, zosobnění éry odvážných a bezprecedentních kampaní, grandiózních bitev a náhlého kolapsu států, se stala oblíbenou postavou glyptiků. Někdy okřídlená Niké, stojící na svém voze, řídí tým koní a pohybuje se, jako by se chystala na vážnou hudbu. Ale častěji se ukazuje, jak letí dopředu a drží věnec a palmovou ratolest.

Cameo „The Trial of Orestes“ se vyznačuje neklidnou dynamikou připomínající umění Pergamu. Orestes se prudce vrhne na Athénu, která hodí do urny oblázek, který rozhodne o jeho osudu. Rukama přitisknutou na prsa stojí Elektra nehybně v očekávání. Tato miniaturní scéna dokáže zprostředkovat emoce bílé intenzity. Nervózní, expresivní styl řezby s ostrými kontrasty a neklidným rytmem tento dojem posiluje.

Portréty helénistické doby jsou díky své rozmanitosti a rozsahu, neobvykle širokému spektru umělců, individuálním stylům a bezkonkurenční drzosti jejich technických zařízení jednou z nejzajímavějších kapitol v historii glyptiky antického světa.

Řím přijal velkou část helénistické kultury. Po příkladu panovníků, kteří byli patrony glyptiků, následovali magnáti Římské republiky. Pompeius se stal vlastníkem daktylotheke Mithridata. Z římských sbírek se těšily zvláštní slávě Scaurus, Julius Caesar a Marcellus. Pád poslední helénistické moci, království Ptolemaiovců (30 př. N. L.), Způsobil, že se mnoho řeckých mistrů stěhovalo do Říma, nového hlavního města světa. Tam dali svůj talent k dispozici juliánsko-klaudiánské dynastii. Cameo podepsané Rufosem, mistrem s latinským názvem, demonstruje přijetí helénistických tradic římskými glyptiky. Tato práce se vyznačuje vynikající krásou, elegancí designu a neobvyklou úplností modelování a reprodukuje obraz helénistického malíře Nikomachose „Vítězství stoupající k nebi s týmem koní“, jak jej popisuje římský encyklopedista Plinius.

Poněkud hrubý expresivní způsob kurzívních portrétových umělců začal od tohoto bodu ustupovat velkolepějšímu zvládnutí zástupců helénských škol. Přinesli do Říma celý arzenál tradičních témat Jejich portréty se téměř nelišily od práce prováděné pro jejich bývalé patrony. Okřídlená Niké neboli Venuše a orel na portrétech raného římského císařského období jsou na helénistických kamenech a mincích k nerozeznání od těchto předmětů. Tady v Římě souvisely s úspěchy římských ozbrojených sil a s legendami o Venuši, strážkyni domu Julii a všech Římanů Někdy se tradiční poddaní objevili v novém, římském hávu. Na jednom z těchto portrétů jsou postavy starověkých helénských legend o Demeterovi a Triptolemosovi oblečeny do římských kostýmů. Blízcí příbuzní císaře Augusta, Germanicus a Agrippina, jsou zobrazeni jako bohové sklizně.

Ačkoli římská glyptika dlouho zůstávala v rukou řeckých mistrů, v těchto nových sociálních a kulturních podmínkách a pod vlivem tradic místního kurzíva se postupně vyvinul nový styl. Portréty z období Augustan (konec prvního století před naším letopočtem až začátek prvního století n. L.) Ukazují charakteristické odmítnutí neklidného rytmu, čistě expresivního designu a také polychromie. Umělci dávali přednost dvoubarevným reliéfům, ve kterých na tmavé zemi jasně vynikly bílé siluety. Řezbářství bylo stále přísnější, grafické a téměř jednorozměrné. Glyptici, stejně jako ostatní formy umění v rané říši, se vyvíjeli po cestě chladného racionálního augustanského klasicismu.

Při hledání témat se římští mistři stále častěji obraceli k řeckému klasickému umění 5. století př. N. L. Inspiraci čerpali z ideálně vznešeného umění Phidias a Polycletos. Jako střízliví racionalisté analyzovali klidnou, harmonickou krásu starověkých řeckých památek a neustále je kopírovali, často se neřídili duchem, ale literou toho vysokého, ideálního stylu. Tímto způsobem byla vytvořena řada brilantních, ale bezduchých děl, jako například portrét mládeže s koněm, připomínající postavy jezdců na Phidiasových vlysech z Parthenonu nebo portrét „Priam a Achilles“.

Stejně jako měl Alexandr Veliký svého vlastního dvorního umělce Pyrgotelese, zachoval si Augustus svého osobního portrétistu, řeckého Dioskourida. Dioskourides byl zakladatelem celé školy portrétových umělců, kteří téměř sto let vyráběli drahokamy v dílně Julian-Claudianského dvora. Římští glyptici vděčí této škole za svůj rozkvět v prvních letech říše. Mezi portrétovými portréty je možné najít tak čistě propagandistická díla, jako je portrét na počest vítězství v Actiu. Portrét mladého Octaviana je zde zaplaven mořem symbolů vítězství, které přineslo autokracii do republikánského Říma. Pro mistry klasicismu se stalo povinným idealizovat vzhled princepsa a jeho známých. I ve stáří byl Augustus zobrazen na aureole síly a krásy, jako by před ním byl čas bezmocný. Ovidius píše o svém věčném mládí:

Stejně jako vavřín roste zeleně, stále se drží jedna zeleň,
Stejně tak si také udrží svou krásu stále stejnou.

Synové a žáci Dioskouridů vyrobili mnoho portrétů s portréty Augusta a jeho družiny. Účastníci kruté dynastické války, která na téměř století rozdělila vládnoucí juliánsko-klaudiánský dům, jsou na svých portrétech zušlechtěni svými mladistvými, přísně aristokratickými tvářemi, které dýchají silou a vyrovnaností. Hledat na těchto portrétech Livie, Tiberia, Germanica a Agrippiny jakýkoli odraz jejich tragického osudu, tak dramaticky příbuzného Tacita a Suetonia, je marné hledání.

Přestože byli dvorní umělci omezeni na rámec oficiálních témat a jednoty stylu, dokázali si zachovat své vlastní individuální vlastnosti. Portréty Livie, vytesané mistrem Hyllasem, odhalují, že je přísným klasikem. Leštěné povrchy s minimem tvarování a portréty převážně v profilu ukazují, že jeho hlavní starostí je silueta. Eutychovy portréty Tiberia a Germanica lze rozpoznat podle určité vychované kvality. Jedním z jeho úspěšnějších děl je portrét mladého Germanica, kde jemná a pečlivá složitost řezby tohoto mistra-miniaturisty zdůrazňuje morbidně jemnou krásu mládeže. Cameo s portrétem Nera Caesara je pozoruhodné svým obrazovým efektem. Epitynchanosův portrét Drususe přitahuje oko svým výrazným, ale nečekaně akutním designem. Toto portrétové dílo objevené v Kerči je možná nejpřesnější podobou v široké sbírce portrétů poustevnického domu v Hermitage. Zdá se, že oživuje tradice kurzíva realismu republikánského období. Mistr nepřehlédl znetvořenou lebku syna císaře Tiberia, jeho krutý, dravý profil, zlý úsměv zkroucených rtů.

Kopie nejlepších portrétů, tvarované ze skla jako medailon-phaleras, byly rozšířeny po celé říši. Nejčastěji se jednalo o četné portréty Tiberia, Germanica a Druse, ale někdy se najdou i mytologické postavy jako bohyně Romů, Medúza a dnes již téměř legendární Alexandr Veliký.

Na rozdíl od díla augustanských klasicistů portréty z doby Flavia (konec prvního století) opět vykazovaly určité vlastnosti helénistického umění, jako je měkkost tvarování a hojnost barev. Portrét Vespasiana, vytesaný do průhledného fialového ametystu, je proveden v tomto živém obrazovém, takzvaném „Flavian“ stylu. Zdůrazňuje hrubé nafouklé rysy, které u tohoto vojáka-císaře vzbuzovaly výsměch. Na portrétovém portrétu Julie, vnučky Vespasiana, se umělec snaží rozptýlit monotónnost dvoubarevných augustanských drahokamů preferujících vícebarevné sklo.

Nová vlna klasicismu pohltila římské umění za vlády domu Antoniniho (druhé století). Portréty Faustiny, manželky císaře Marka Aurelia, jeho dcery Lucilly a syna Commoda, jsou chladně vychované a silně kreslené. Pouze láska ke skvělým účinkům polychromie odlišuje tyto portréty od díla klasické školy Dioskouridů. Polychromie v portrétech a upřednostňování zdůraznění koncentrovaných barevných skvrn před designem spolu s měkkou „malovanou“ kvalitou siluety se v tvorbě umělců pozdní říše více zvýraznily. Cameo portréty třetího století, dokonce i ty, které zobrazují jasný „barbarismus“ stylu, jsou nápadně expresivní. Jedním z příkladů je portrét Caracally, další miniaturní vyřezávaná hlava Severuse Alexandra. Dokonce i v době zničení starověké kultury umělci stále vytvářeli skutečná mistrovská díla.Busta Juliana vytesaná do chalcedonu navazuje na nejlepší tradice starověkých řemeslníků.

V době náboženského fanatismu, který viděl ničení starověkých chrámů a soch „pohanských idolů“, antické portréty našly nečekané útočiště ve středověkých klášterech a katedrálách. Nádherné vyřezávané kameny byly použity k ozdobení nádherných svatých předmětů nového kultu.

Mnoho pohanských témat bylo snadno spojeno s křesťanskými legendami: bohyně vítězství se stala andělem, Jupiter se stal Janem evangelistou, řecký Perseus se proměnil v biblického Davida atd. Opravdu, Hermitage portrét s portréty Antonia a Drusus starší byl považován za ozdobu snubního prstenu patřícího Marii a Josefu.

Když se pouhá reinterpretace subjektu stala nedostačující, došlo ke změně portrétů, často zásadně. Například na počátku devatenáctého století italský mistr Benedetto Pistrucci upravil řezbu portrétu zasvěceného založení Konstantinopole do takové míry, že se zdálo být současné.

Jeden z největších portrétů prvního století s portréty Livie, Augusta a Nerona byl několikrát přepracován. Zřídka se starověké drahokamy zachovaly pouze díky takové změně nebo reinterpretaci předmětu.

Cameos jsou bohatým zdrojem informací o duchovní a materiální kultuře starověkého světa. Jejich základní hodnota však spočívá v umělecké dokonalosti. Stálé srovnání s nejlepšími výtvory starověkého uměleckého génia, užité umění těchto mistrů je obrazovým chorálem na počest jasného a radostného pojetí světa, na počest člověka a jeho nejlepších vlastností - jeho harmonické krásy, jasnosti jeho mysl, srdnatost statečného ducha.

Většina děl glyptiků v pozdějším věku byla adaptací nebo jednoduše kopiemi starožitných drahokamů. Jen velmi málo mistrů se dokázalo osvobodit od zvláštního „hypnotismu“ starověkého umění. V této kreativní sféře, stejně jako v mnoha dalších, dosáhl starověký svět vrcholu umělecké dokonalosti, která dlouho zůstane žádaným, ale nedosažitelným ideálem.


Metropolitní muzeum umění v New Yorku pořádá svou první starověkou výstavu skla

15 lundi Dec 2014

Jednoruční džbán podepsaný Ennionem, Romanem, foukaný do čtyřdílné formy, 1. polovina 1. století n. L. Neznámý původ, ale údajně byl získán ze sbírky poblíž italské Neapole. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Ewer (detail), Ennion, pravděpodobně Sýrie, možná Palestina, 25-75. 59,1,76. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

NEW YORK, NY.- Sklářství vzniklo kolem roku 2500 př. N. L. v Mezopotámii a v polovině prvního tisíciletí před naším letopočtem rozšířilo se to po starověkém světě. Počet nádob vyrobených ze skla však zůstal omezený, dokud nebyly na konci prvního století před naším letopočtem zavedeny dva důležité technické pokroky - použití foukací trubice a uzavřených vícedílných forem. respektive na počátku prvního století našeho letopočtu. Tyto pokroky přinesly revoluci ve sklářském průmyslu za římské říše, zpřístupnily skleněné nádoby všem a umožnily výrobcům vytvářet širokou škálu tvarů, velikostí a použití. Některé z prvních nádob vyrobených foukáním forem nesou jména řemeslníků, kteří formy „podepsali“.

Cup, Ennion, Sýrie Palestina Severní Itálie, 25. – 75. 66.1,36. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Cup (detail), Ennion, Sýrie Palestina Severní Itálie, 25. – 75. 66.1,36. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Na počátku prvního století našeho letopočtu vyrobil nejvýraznější příklady římského foukaného skla řemeslník jménem Ennion a na výrobky jeho dílny se zaměřuje výstava Ennion: Mistr římského skla v Metropolitním muzeu umění. Toto je první výstava starověkého skla pořádaná společností Metropolitan, která má jednu z nejlepších sbírek tohoto materiálu na světě.

Knobbed or Lotus-Bud Beaker, Roman Empire, 59.1.80. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Sklo - především džbány a poháry - podepsané Ennionem bylo obchodováno po celém středomořském světě a bylo nalezeno při archeologických vykopávkách na místech od Izraele po Španělsko. Z 37 kompletních nebo fragmentárních plavidel na výstavě je 24 od Enniona, včetně tří podepsaných kusů Metropolitního muzea. Prezentovány jsou i příklady jiných pojmenovaných sklářů z daného období - včetně jednoho z pouhých dvou neporušených děl Ennionova nejbližšího rivala Aristeasa, a také příklady kádinek podepsaných Jasonem, Neikaisem a Megesem. K vidění je také výběr nepodepsaného foukaného skla, který ilustruje Ennionův hluboký vliv na rodící se římský sklářský průmysl.

Dip Mold, pravděpodobně západní Asie, 86.7.15. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Expozice představuje díla z muzeí a soukromých sbírek v Evropě, Izraeli a USA. Zájemci o výstavu jsou The Corning Museum of Glass Israel Antiquities Authority a Izrael Museum, Jerusalem Eretz Israel Museum, Tel Aviv The British Museum the Louvre Museo di Antichità, Turin Musei Civici del Castello Visconteo, Pavia Museo Archeologico Nazionale di Adria Yale University Art Galerie Newark Museum Chrysler Museum of Art, Norfolk, Virginia the Yunwai Lou Collection, New York and the Strada Collection, Scaldasole, Italy. Šest děl zapůjčil také Dr. Shlomo Moussaieff, který měl původní koncept výstavy.

Pohár s gladiátory, Římská říše Severní Itálie Porýní Galie, 25-75. 54,1,84. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Starověké sklářské techniky jsou na výstavě předvedeny prostřednictvím videa, které bylo objednáno Corningovým muzeem skla a natočeno v římské peci na dřevo ve Villa Borg v Německu.

Kádinka s řeckým nápisem, Římská říše Sýrie Palestina, 1-99. 59,1,79. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Organizátorem výstavy byl Christopher S. Lightfoot, kurátor, Katedra řeckého a římského umění. Autorem návrhu výstavy je Daniel Kershaw, grafiku manažera designu Mortimer LeBigre a osvětlení Clint Ross Coller a Richard Lichte, vedoucí světelného designu, všichni z oddělení designu muzea.

Mísa podepsaná Ennionem, Romanem, foukaná do čtyřdílné formy, 1. polovina 1. století n. L. Prý ze Sidonu, Libanonské muzeum umění Chrysler, Norfolk, Virginie, Dárek Waltera P. Chryslera, ml.

Baňka na hlavu, Římská říše, pravděpodobně východní Středomoří, 59.1.150. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Po prezentaci v Metropolitním muzeu bude výstava k vidění v Corningově muzeu skla (15. května - 19. října 2015).

Kádinka, východní Středomoří, 68.1.9. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Pyxis s víkem, východní Středomoří, pravděpodobně Palestina, pravděpodobně Sýrie, 55.1.68. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Žebrovaná mísa, Římská říše, možná Itálie, možná východní Středomoří, 79.1.39. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Džbán (detail), Římská říše pravděpodobně Sýrie případně Palestina, 1-99. 65.1.2. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Láhev ve tvaru hroznu (detail), Římská říše, 1-99. 64.1.8. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Baňka s dvojitou hlavou, římská říše pravděpodobně východní Středomoří, 200-225. 50.1.15. Corning Museum of Glass, Corning, New York.

Kádinka (detail), Římská říše možná severní Itálie případně Galie, 50-100. 58.1,32. Corning Museum of Glass, Corning, New York.


Berthouvilleův poklad ve vile Getty

Merkur, 175 – 225. Roman. Střední: Stříbro a zlato. Objekt: V: 56,3 x průměr: 16 cm, hmotnost: 2772 g (22 3/16 x 6 5/16 palců, 6,1112 liber). H: 24 cm (9 7/16 palců). Přístupové číslo VEX.2014.1.1. Bibliothèque nationale de France, Département des monnaies, médailles et antiques, Paris.

Náhodně objevený francouzským farmářem v roce 1830 n. L., Velkolepý poklad pozlacených stříbrných sošek a nádob známý jako poklad Berthouville byl původně zasvěcen římskému bohu Merkuru. Po čtyřech letech pečlivé ochrany a výzkumu v Getty Villa v Los Angeles, Kalifornie, Starověký luxus a římský stříbrný poklad z Berthouville umožňuje návštěvníkům ocenit jejich plnou nádheru a nabízí nové poznatky o starověkém umění, technologii, náboženství a kulturní interakci v pozdně římské Galii. James Blake Wiener, ředitel komunikace ve společnosti Encyclopedia of Ancient History (AHE), se dozví více o této výstavě od pana Kennetha Lapatina, docenta starožitností na Muzeum J. Paula Gettyho, v tomto exkluzivním rozhovoru.

Cameo z Jupitera (The Cameo of Chartres), asi 50. Roman. Sardonyx zasazený do zlatého a smaltovaného držáku ze čtrnáctého století. Objekt: V: 15,2 x D: 6,5 cm (6 x 2 9/16 palců). Přírůstkové číslo VEX.2014.1.104. Bibliothèque nationale de France, Département des monnaies, médailles et antiques, Paris.

JW: Vítejte v encyklopedii starověké historie, pane Kennethe Lapatine! Je nesmírným potěšením znovu pracovat s Muzeem J. Paula Gettyho a Gettyho vilou.

Starověký luxus a římský stříbrný poklad z Berthouville pořádalo Muzeum J. Paula Gettyho ve spolupráci s Bibliothèque nationale de France, Département des Monnaies, médailles et antiques, Paris. Kolik let trvalo přivést celý poklad — skládající se z přibližně 90 starověkých stříbrných předmětů o hmotnosti přes 23 kg / 50 liber do vily Getty v Los Angeles?

KP: Ještě předtím, než Poklad dorazil do Malibu v prosinci 2010, se o projektu hodně diskutovalo a plánovalo. Úředníci z Kabinet des médailles z Bibliothèque nationale de France, kteří se starali o Poklad od doby, kdy byl objeven na venkově v Normandii v roce 1830, a kurátoři Getty, konzervátoři, registrátoři a další zaměstnanci se museli dohodnout na rozsahu a načasování projektu, stejně jako na výsledku, a pak vše mělo být připraven k odeslání, zabalen a odeslán přes Atlantický oceán.

JW: Předtím Starověký luxus a římský stříbrný poklad z Berthouville Muzeum J. Paula Gettyho zahájilo čtyřletý projekt obnovy artefaktů, úklidu odpadků a zakalení a zkoumání jejich historického a kulturního významu.

Parfémová baňka se sezónami, 25 př.n.l. – n. L. 50. Roman. Cameo sklo s moderním pryskyřičným krkem a smaltovanou kovovou patkou. Objekt: V: 15,5 x průměr (stopa): 3,2 cm (6 1/8 x 1 1/4 palce.) Přírůstkové číslo VEX.2014.1.172. Bibliothèque nationale de France, Département des monnaies, médailles et antiques, Paris.

Mohli byste se vyjádřit k tomuto zdlouhavému procesu restaurování a obnovy a jak připravil půdu pro výstavu? Rozumím tomu, že restaurování v devatenáctém století poškodilo předměty v tomto pokladu. Proč tomu tak bylo?

KP: Myslím, že je důležité rozlišovat mezi restaurováním, které často znamená nahrazení chybějících částí objektů, od konzervování, které zahrnuje čištění, stabilizaci a zajištění bezpečnosti předmětů. Když farmář, který je v roce 1830 náhodou objevil, stříbrné předměty ze země poprvé odstranil ze země, nejenže byly špinavé od inkrustací, které byly pohřbeny po více než jeden a půl tisíciletí, ale také mnoho složitých předmětů se rozpadlo . Starověké spoje spojující držadla a nožičky s miskami šálků se uvolnily a ozdobné medailonky byly odděleny od mnoha nádob.

Takže brzy restaurátoři nejenže otřeli velkou část tvrzených inkrustací, často hluboce poškrábaly stříbro, ale také znovu připevnili uvolněné rukojeti a nohy tvrdou pájkou. Dnes, když konzervátoři znovu připevňují volné nebo rozbité kusy, dělají to pomocí oboustranných lepidel, ale tehdy tomu tak nebylo. Takže stejně jako jsme nemohli vrátit škrábání a odstraňování starodávných povrchů, nesnažili jsme se odtrhnout samotné trvalé opětovné připevnění držadel nebo medailonů, dokonce ani v těch několika případech, kdy si myslíme, že byly provedeny omylem.

JW: Několik předmětů v Berthouville Treasure nese latinské nápisy, které uvádějí, že byly Merkuru zasvěceny římským občanem jménem Quintus Domitius Tutus. Čím jsou tyto artefakty tak zvláštní a působivé ve srovnání s ostatními? Kromě toho víme něco o Quintus Domitius Tutus kromě toho, že to byl muž se zjevným vkusem pro luxusní zboží?

KP: Quintus Domitius Tutus byl jedním z několika jedinců, jejichž jméno je zaznamenáno jako dárce Merkuru ve starověké svatyni, která kdysi stála v Berthouville. Ostatní dárci měli také latinská jména, ale někteří byli zjevně místní, jako Germanissa (“ německá žena ”), dcera Viscaria. Víme tedy, že zde byli Římané i místní obyvatelé, ženy i muži, dokonce osvobození otroci i svobodní lidé, kteří uctívali Merkur. Nemáme žádný jiný záznam o Tutusovi a opravdu nevíme nic o jeho vkusu. Víme, že se mu dostalo do rukou nějaké nádherné stříbro, a byl docela velkorysý, že ho dal Merkuru, ale o jeho motivaci nevíme mnoho, kromě toho, co nám říkají nápisy, které říkají, že se věnoval “ex voto ” — při splnění slibu.

Pokud je to tedy to, co měli ve vzdálené Galii, co jsme ztratili ze stolů senátorů a císařů v Římě !? Ve skutečnosti některé kousky nalezené v Berthouville představují to nejlepší, co přežilo římské stříbro —, lépe než cokoli, co máme z Pompejí, Herculaneum nebo kdekoli jinde.

Kádinka se snímky související s Isthmií a Korintem, 1 - 100. Roman. Stříbro a zlato. Objekt: V: 12,6 x Průměr: 10,3 cm, Hmotnost: 463 g (4 15/16 x 4 1/16 palce.,
1,0207 lb.). Průměr: 4,7 cm (1 7/8 palců). Přírůstkové číslo VEX.2014.1.10Bibliothèque nationale de France, Département des monnaies, médailles et antiques, Paris.

JW: V poslední části výstavy jsou čtyři missoria, což byly v pozdní antice luxusní předměty. Proč byli vybráni, aby pochválili výstavu o stříbrných předmětech a v čem jsou výjimeční?

KP: Čtyři velké stříbrné zobrazovací desky — zavolaly missoria v latině — nejsou součástí pokladu Berthouville. Každý má samostatnou historii, ale každý z nich skončil v Bibliothèque nationale. Proto měli podobné potřeby ochrany jako poklad Berthouville. I oni byli v průběhu let různě vyčištěni, ale ne nedávno, a proto byli silně pošpiněni. Bylo tedy rozhodnuto, že se také přijedou léčit do Getty. Pro Bibliothèque ’s jsou hlavními sbírkami a odbornými znalostmi knihy —, nikoli zachování archeologické konzervace. A missoria, stejně jako poklad Berthouville, jsou vzácnými pozůstatky starověkého stříbra, z nichž většina byla po staletí roztavena pro hodnotu svého drahého kovu.

JW: Jaké konkrétní poznatky tyto poklady odhalují o náboženství a životě galské a římské elity v pozdní antice? Překvapila by některá z těchto skutečností návštěvníky Getty Villa?

KP: Je jich mnoho. Jedním z nich, jak bylo uvedeno výše, je interkulturace na místě na vrcholu říše mezi Římany a místními, muži a ženami, otroky a svobodnými občany. Další je vysoká kvalita řemeslného zpracování i ve vzdálených koutech říše. Ve skutečnosti některé kousky nalezené v Berthouville představují to nejlepší, co přežilo římské stříbro —, lépe než cokoli, co máme z Pompejí, Herculaneum nebo kdekoli jinde. Pokud je to tedy to, co měli ve vzdálené Galii, co jsme ztratili ze stolů senátorů a císařů v Římě !?

JW: Moc vám děkuji za váš čas a ohleduplnost! Těšíme se na vzrušující plán Getty ’s nadcházejících výstav.

KP: Děkuji, Jamesi. Vždy si vážíme vašeho zájmu a jsem si jist, že vaši čtenáři budou chtít vědět o mimořádné výstavě o Hellenistic Bronze Statuary, která se brzy otevře v Getty Center, stejně jako o dalších projektech.

Starověký luxus a římský stříbrný poklad z Berthouvillebyl organizován Muzeum J. Paula Gettyho ve spolupráci s Bibliothèque nationale de France, Département des Monnaies, médailles et antiques, Paris. Výstava bude k vidění v Getty Villa v Los Angeles, CA do 17. srpna 2015. Výstava pokračuje v prohlídce Spojených států v Muzea výtvarného umění v San Francisku. Otevírá se v Čestná legie 19. září 2015 a bude k vidění do 10. ledna 2016. Přehlídka katalogu výstavy přichází z AHE.

Pan Kenneth Lapatin je docentem starožitností v Muzeu J. Paula Gettyho. Absolvent University of Oxford a University of California, Berkeley, byl profesorem na Bostonské univerzitě před nástupem do Getty v roce 2002. Lapatin je kurátorem několika výstav a také autorem a redaktorem řady knih, článků a recenzí , počítaje v to Chryselephantine Statuary in the Ancient Mediterranean World(Oxford, 2001) Tajemství bohyně hada: umění, touha a kování dějin (Houghton Mifflin, 2002) Starověké Řecko: Umění, architektura a historie (Getty, 2004) Průvodce po vile Getty (Getty, 2005) Příručka sbírky starožitností (Getty, 2010) Poslední dny Pompejí: Dekadence, Apokalypsa, Vzkříšení (Getty, 2012) Římský stříbrný poklad z Berthouville a Roman Luxury (Getty, 2014) Power and Pathos: Bronze Sculpture of the Hellenistic World (Getty, 2015) a Luxus: Luxusní umění Řecka a Říma (Getty, 2015).

Všechny obrázky uvedené v tomto rozhovoru byly připsány jejich příslušným majitelům. Obrázky zapůjčené do encyklopedie antické historie Muzeem J. Paula Gettyho a Gettyho vily byly pro účely tohoto rozhovoru pořízeny jako zdvořilost. Neoprávněná reprodukce je přísně zakázána. Upřímné poděkování patří paní Emmě Jacobson-Sive, paní Julie Jaskol a zejména paní Desiree Zenowich za pomoc při zprostředkování tohoto rozhovoru. Názory zde uvedené nemusí nutně představovat encyklopedii starověké historie. Všechna práva vyhrazena. © AHE 2015. Kontaktujte nás ohledně práv na opětovné zveřejnění.


Více příběhů

Velká rytci královské mincovny

Historie stříbrné mince Marie Terezie Thalerové

Tři grácie od Williama Wyona: národní jednota, neoklasicismus a Napoleon


Podívejte se na video: Steven Universe - Know your fusion Garnet without glasses


Komentáře:

  1. Fern

    Je to prostě nesrovnatelná fráze

  2. Ecgbeorht

    It is the amusing answer

  3. Vudotaur

    Není co říct - mlčte, abyste nezahazovali téma.

  4. Mihai

    Mýlíš se. Mohu obhájit svou pozici. Napište mi na PM, domluvíme se.



Napište zprávu