Starověký obdiv ptáků: Plameňáci jako mistrovská díla umění a jídla

Starověký obdiv ptáků: Plameňáci jako mistrovská díla umění a jídla


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

V dávné minulosti byly vztahy mezi lidmi a zvířaty přísnější než dnes a zahrnovaly sféru imaginárního a posvátného. Vyšetřování toho, jak starověcí přistupovali k různým druhům, nám může umožnit osvětlit některá přesvědčení a některé skryté aspekty každodenního života, které nebyly odhaleny v „oficiální“ historii.

Kromě čistě vědeckého zájmu, zaměřeného na ověření možnosti využití historických pramenů k získání informací o biogeografii určitých druhů, nám výsledky tohoto druhu zkoumání umožňují stále více důkazů potvrzovat, jak postupem času lidé mění svůj postoj vůči přírodě obecně a zvláště vůči zvířatům.

Teze plameňáka

Zde předkládám tezi o vyšetřování plameňáka ( Phoenicopterus roseus ), barevný a nápadný vodní pták, který žije ve Středozemním moři a jehož popularita pokračuje až do dnešních dnů.

Na základě názorů a pocitů starých klasických autorů jsem se pokusil prozkoumat zájem, který plameňáci vzbudili ve starověku, a identifikovat jeho přítomnost, symboliku a obeznámenost s lidmi.

Plameňáci mají na lidi a jejich meditace velmi silný vliv již od nejstarších dob. Jejich název pochází z řeckého φοινικόπτερος a znamená „ (pták) s červenými křídly “. Římané přijali řecké jméno a, jak je uvedeno (například v Martialu), je zřejmé, že existuje neustálý vztah k pojmu vzácnosti, exotiky a luxusu.

Stejně jako ostatní společenští ptáci plameňáci vždy létají v hejnech a jejich let, kterému předchází dlouhá jízda po vodě, je velmi charakteristický. Formace na obloze se liší od typických V po dlouhé kymácející se řady a ve starověkých pramenech jsou popisovány jako purpuroví ptáci, létající v tak velkých hejnech vypadají jako mraky. Pohled na skupinové létání je nezapomenutelný, ale ve starověku musel vzbuzovat úzkost a strach, například psychologické srovnání přicházejících armád nebo flotil nepřátel.

Podobných formací za letu (i když konkrétní kontext se týká jeřábů) Lucan napsal: „ A dopis umírá, rozrušený roztroušeným peřím "Písmeno" jasně odkazovalo na V nebo Y formace.

Pět dospělých plameňáků v letu. Jejich tendence těchto a dalších společenských ptáků shromažďovat se v kompaktních hejnech, někdy tvořených tisíci jednotlivci, často připomínala starověku armády nasazené v bitvě. Autor dodává / Alessandro Andreotti .

Flamingo v umění

Silueta plameňáka se objevuje v nejstarších ikonografických zobrazeních historie a pro Egypťany předdynastického období byla jeho barva tak důležitá, že byla upevněna v systému základních grafických znaků, i když byla používána jen výjimečně.

Po staletí se zastoupení ptáka často nachází v mnoha starověkých civilizacích, s neočekávaným nedostatkem pompejských fresek a byzantských mozaik z Ravenny. V mozaikové výzdobě mnoha raně křesťanských staveb se však objevují plameňáci a zdá se, že jsou prostě svědky krásy raného křesťanství paradeisos (ráje) , bohatá na bujnou vegetaci a osídlená nejrůznějšími zvířaty. Mezi nejzachovalejší z nich patří: mozaikové podlahy baziliky Sabratha (Libye), synagógy Gazy Maiumas (Izrael), pohřební kaple Polieyctos v Konstantinopoli a bazilika Qasr Elbia (Libye), všechny datované do r. 5. /6. století n. L.

  • Medusa, jezero, které mění maso v kámen
  • Sufetula, kdysi bohaté římské město vhodné pro bohy
  • Mozaiky poskytují stopy pro život ve starověké galilejské židovské vesnici

Moderní obraz „Vstup do palácových zahrad“ ukazuje plameňáka, jak si užívá zahradu. (Rlbberlin)

V pohanské minulosti nebyli připisováni žádnému konkrétnímu božstvu, ale jako ostatní ptáci jako pávi, tetřevi, kuřata Numidia, slepice faraonů a bažanti; plameňáci byli obětováni na počest různých bohů jako Jupiter nebo Isis a v egyptském panteonu. Blížící se smrt císaře Caliguly, který se rád ztotožňoval s Jupiterem, byla zřejmě vyobrazena mnoha zázraky a náhodnými událostmi, včetně krve obětního plameňáka, který se podle Suetonia vylil na jeho tóga.

Další důkaz přísného vztahu k lidem pochází ze Sardinie, kde podle tradice, i když bez jakéhokoli archeologického nálezu, byly duté stehenní kosti plameňáků považovány za nejvhodnější materiál pro stavbu „launcheddas“, trojtrubky dechový nástroj používaný od prehistorických dob a dnes vyráběný s bažinatými rákosími.

Použití launchedas, jednoho z nejstarších a nejneobyčejnějších hudebních nástrojů ve Středomoří, je doloženo po dobu od prehistorie po současnost. Jedná se o exemplář Laeddas vyrobených v roce 1981 mistrem Orlandem Maxiem s kostmi nalezeného mrtvého plameňáka. (Autor dodává / Paolo Lussu © Museo Sardo di Antropologia ed Etnografia dell'Università degli Studi di Cagliari)

Flamingo jako gurmánské jídlo

Navzdory obrovské popularitě ptáka není ve starověkých písemných pramenech mnoho naturalistických popisů, možná proto, že se předpokládalo, že procházejí pouze Řeckem a Itálií, a proto je lze jen stěží pozorovat: Aristoteles podle všeho nemluví o ptákovi, ale Plinius Starší, i když mimochodem, jen potvrzuje kulinářské ocenění, které Apicius dělá z ptačího jazyka a mozku.

Bohatí aristokrati, milovníci přemíry a extravagance, císaři jako Vitellius nebo Elegabalus ocenili plameňák jako gurmánské jídlo v 15. století. Pokud to vezmeme v úvahu, Lorenzo de ‘Medici ve Florencii nechal plameňáky přivést naživo ze Sicílie, lze snadno odvodit, že ve starověkém Římě byl pták téměř jistě dovezen, a proto velmi drahý.

Luxusní luxus těchto drahých a bizarních jídel však kritizovali i ti, kdo mezi 1. rokem doporučovali střízlivější životní styl, jako Seneca, Philostratus starší a Juvenal. Svatý a 2 nd století n. l.

Zdobená nádoba s nilskými scénami (D-ware). Pečená hlína. Předdynastické období, Naqada II, 3700-3300 př. N. L. (Autor dodán /Nicola dell’Aquila a Federico © Taverni /Museo Egizio di Torino)

Dokonce i v novější době byl jazyk plameňáků stále oceňován. Ve svých cestovních denících William Dampier, anglický pirát, průzkumník a vědecký pozorovatel (17 th - 18. století), vyprávěný o své choulostivosti. V 18 th století italský zoolog Francesco Cetti poznamenal, že tato jídla ochutnal, ale nesdílel pozitivní názor, který měli Římané.

V Edictum de Pretiis z Diokleciána (301 n. l.) mezi bažanty, husami, kuřaty, koroptvemi, želvími hrdličkami, drozdi, holuby, frankolinami, kachnami, stehlíky, pěnice zahradní, vrabci, pávi, křepelky a špačci (všichni ptáci, jejichž maso bylo dobré) nutriční hodnota), plameňák není uveden. A kupodivu se neobjevuje ani pod nadpisem „Peří“, pokud nebyly zahrnuty do „ divoké peří různých ptáků „což stálo 50 denierů za libru.

Navzdory tomu už básníkovi Martialovi stačilo mluvit o barvě peří plameňáka, aby vyvolalo obraz ptáka, který „ za své jméno vděčí ohnivě červenému peří ".

The Ultimate Feathery Show of Roman Láskavost

Kromě toho, že byli plameňáci vyhledáváni jako jídlo, byli také ceněnými dary pro milovníky a vystavováni v bohatých římských vesnicích, a to jak jako živá zvířata, tak jako ozdobné prvky v mozaikových reprezentacích. V mnoha dekoracích ptačí mozaiky z oblasti jižního Středomoří, pocházejících z období od 1. do 6./7. století n. L., Ukazuje opakování drobných chyb (ne plovací blány, nevhodné jídlo atd.) Již zmíněnou špatnou vědeckou znalost ptáka od starověku, navzdory jeho velké popularitě v kolektivní představivosti.

  • Archeologové ve Španělsku objevují vzácné paleolitické umění s interakcí ptáků a lidí
  • Starověká X-ohodnocená kniha zvrácenosti jde do prodeje. Nějaký uchazeč?
  • Magie a pověry ve starověkém Egyptě

Plameňák, detail ze 6. století našeho letopočtu Ptačí mozaika, která zdobila atrium velkého palácového komplexu mimo městské hradby byzantské Caesarea, Caesarea Maritima, Izrael. (Butko / )

Je důležité zdůraznit, že na rozdíl od toho, co se objevilo v případě jiných druhů, konkrétně purpurového swamphena ( Porphyrio porphyrio ), další barevný objekt vodního ptáka z předchozí studie, plameňák nikdy nebyl spojován s vírou nebo etickými koncepcemi, ani nebyl tak známý a domácí, aby žil v každodenním životě v těsném kontaktu s člověkem. Tento druh si však po staletí udržel svou popularitu neporušený a dokonce i v naší době je stále jedním z nejobdivovanějších ptáků, dobře známých odborníky i neodborníky.


Starověké řecké sochařství

Socha starověkého Řecka z let 800 až 300 př. N. L. Čerpala inspiraci z egyptského a blízkovýchodního monumentálního umění a vyvinula se v jedinečně řeckou vizi umělecké formy. Řeckí umělci zachytili lidskou podobu způsobem, který se dosud neviděl, kde sochařům šlo zejména o proporce, vyrovnanost a idealizovanou dokonalost lidského těla.

Řecké sochařské figury z kamene a bronzu se staly jedněmi z nejznámějších uměleckých děl, která kdy byla vytvořena jakoukoli civilizací, a řecká umělecká vize lidské podoby byla ve starověku hodně kopírována a od té doby je.

Reklama

Vlivy a evoluce

Od 8. století př. N. L. Zaznamenal archaický Řecko vzestup produkce malých pevných figurek z hlíny, slonoviny a bronzu. Není pochyb o tom, že dřevo bylo také běžně používaným médiem, ale jeho náchylnost k erozi znamená, že přežilo několik příkladů. Bronzové figury, lidské hlavy a zejména grify byly použity jako přílohy k bronzovým nádobám, jako jsou kotle. Ve stylu se lidské postavy podobají postavám v současných geometrických designech keramiky, mají prodloužené končetiny a trojúhelníkový trup. Postavy zvířat byly také produkovány ve velkém množství, zejména koně, a mnoho z nich bylo nalezeno po celém Řecku na útočištěch, jako jsou Olympia a Delphi, což naznačuje jejich společnou funkci jako votivní oběti.

Nejstarší řecké kamenné sochy (z vápence) pocházejí z poloviny 7. století př. N. L. A byly nalezeny v Théře. V tomto období se stále častěji objevovaly bronzové volně stojící postavy s vlastní základnou a pokoušeli se o ambicióznější subjekty, jako byli válečníci, vozataji a hudebníci. Mramorová socha pochází z počátku 6. století př. N. L. A začaly se vyrábět první monumentální sochy v životní velikosti. Ty měly pamětní funkci, buď nabízené ve svatyních v symbolické službě bohům, nebo používané jako náhrobní značky.

Reklama

Nejdříve velké kamenné figury (kouroi - nahí mladí muži a kore - oblečené ženské postavy) byly tuhé jako v egyptských monumentálních sochách s pažemi drženými rovně po stranách, chodidla jsou téměř u sebe a oči tupě hledí vpřed bez zvláštního výrazu obličeje. Tyto poměrně statické postavy se pomalu vyvíjely a se stále většími detaily přidanými do vlasů a svalů začaly postavy ožívat.

Paže se pomalu mírně pokrčí, což jim dodá svalové napětí a jedna noha (obvykle pravá) je umístěna o něco více dopředu, což soše dává pocit dynamického pohybu. Vynikající příklady tohoto stylu postavy jsou kouroi z Argosu, zasvěcené v Delphi (c. 580 BCE). Kolem 480 př. N. L., Poslední kouroi stává se stále živějším, váha je nesena na levé noze, pravý bok je nižší, hýždě a ramena jsou uvolněnější, hlava není tak tuhá a je tu náznak úsměvu. ženský kore následoval podobný vývoj, zejména při vyřezávání jejich oděvů, které byly vykreslovány stále realističtějším a složitějším způsobem. Přirozenější podíl postavy byl také stanoven tam, kde se hlava stala 1: 7 s tělem, bez ohledu na skutečnou velikost sochy. V roce 500 př. N. L. Se řečtí sochaři konečně vymanili z přísných pravidel archaického konceptuálního umění a začali reprodukovat to, co ve skutečnosti pozorovali v reálném životě.

Přihlaste se k odběru našeho bezplatného týdenního e -mailového zpravodaje!

V klasickém období řečtí sochaři prolomili pouta úmluvy a dosáhli toho, o co se dosud nikdo jiný nepokusil. Vytvořili sochu v životní velikosti a podobnou životu, která oslavovala lidskou a zejména nahou mužskou podobu. Přesto bylo dosaženo ještě více než toto. Mramor se ukázal být nádherným prostředkem pro vykreslení toho, o co všichni sochaři usilují: to znamená, aby se dílo zdálo vyřezávané zevnitř, spíše než vytesané zvenčí. Postavy se stávají smyslnými a vypadají jako zamrzlé v akci, zdá se, že teprve před vteřinou skutečně žili. Tváře dostanou více výrazu a celé postavy zaujmou určitou náladu. Oblečení se také stává jemnějším v podání a přilne k obrysům těla v tom, co bylo popsáno jako „foukané větrem“ nebo „mokrým vzhledem“. Jednoduše řečeno, sochy už nevypadaly jako sochy, ale byly to postavy vštěpované životem a vervou.

Materiály a metody

Abychom viděli, jak bylo takového realismu dosaženo, musíme se vrátit znovu na začátek a blíže prozkoumat materiály a nástroje, které má umělec k dispozici, a techniky používané k přeměně surovin na umění.

Reklama

Raná řecká socha byla nejčastěji z bronzu a porézního vápence, ale zatímco bronz jako by nikdy nevyšel z módy, z kamene volby by se stal mramor. Nejlepší byl z Naxosu - jemnozrnný a jiskřivý, Parian (od Parosu) - s hrubším zrnem a průsvitnější a Pentelic (poblíž Athén) - více neprůhledný a který s věkem (kvůli obsahu železa) změnil jemnou medovou barvu ). Kámen byl však vybrán spíše pro jeho zpracovatelnost než pro jeho výzdobu, protože většina řecké plastiky nebyla leštěná, ale malovaná, často spíše křiklavě pro moderní vkus.

Mramor byl těžen pomocí příďových vrtáků a dřevěných klínků namočených ve vodě, aby se odlomily funkční bloky. Větší postavy obvykle nebyly vyrobeny z jednoho kusu mramoru, ale důležité doplňky, jako jsou paže, byly vytvarovány samostatně a připevněny k hlavnímu tělu hmoždinkami. Pomocí železných nástrojů by sochař opracoval blok ze všech směrů (možná s okem na malém měřítku, který by vedl proporce), nejprve pomocí špičatého nástroje odstranil podstatnější kusy mramoru. Dále byla k vyřezávání jemných detailů použita kombinace pětičlenného dláta, plochých dlát různých velikostí a malých ručních vrtáků. Povrch kamene byl poté zakončen brusným práškem (obvykle smirkovým z Naxosu), ale jen zřídka leštěn. Socha byla poté připevněna k podstavci pomocí olověného přípravku nebo někdy umístěna na jeden sloupec (např. Naxianská sfinga v Delphi, c. 560 BCE). Dokončení soch bylo přidáno pomocí barvy. Kůže, vlasy, obočí, rty a vzory na oblečení byly přidány v jasných barvách. Oči byly často vykládány kostmi, krystaly nebo sklem. Nakonec mohou být přidány doplňky z bronzu, jako jsou kopí, meče, helmy, šperky a diadémy a některé sochy měly dokonce malý bronzový kotouč (meniskoi) zavěšené nad hlavou, aby se zabránilo ptákům poškodit postavu.

Dalším oblíbeným materiálem v řecké sochařství byl bronz. Bohužel tento materiál byl vždy poptáván po opětovném použití v pozdějších obdobích, zatímco rozbitý mramor není pro nikoho moc užitečný, a tak mramorová socha lépe přežila pro další generace. V důsledku toho množství dochovaných příkladů bronzové plastiky (ne více než dvanáct) možná nenaznačuje skutečnost, že bylo pravděpodobně vyrobeno více bronzových soch než v mramoru a kvalita několika dochovaných bronzů ukazuje dokonalost, o kterou jsme přišli. Na archeologických nalezištích můžeme velmi často vidět řady holých kamenných soklů, tichých svědků ztráty umění.

Reklama

Rané masivní bronzové sochy ustoupily větším kusům s ne-bronzovým jádrem, které bylo někdy odstraněno, aby zůstala dutá postava. Nejběžnější výroba bronzových soch používala techniku ​​ztraceného vosku. To zahrnovalo vytvoření jádra téměř velikosti požadované postavy (nebo části těla, pokud nevytvořila celou postavu), která byla poté potažena voskem a vyřezány detaily. Celek byl poté zasypán hlínou připevněnou k jádru v určitých bodech pomocí tyčí. Poté byl vosk roztaven a roztavený bronz byl nalit do prostoru, jakmile byl voskem obsazen. Po zatuhnutí byla hlína odstraněna a povrch byl dokončen škrábáním, jemným gravírováním a leštěním. Někdy se na rty, bradavky a zuby používaly přísady mědi nebo stříbra. Oči byly vykládané jako v mramorové plastice.

Sochaři

Mnoho soch je podepsáno, abychom znali jména nejúspěšnějších umělců, kteří se proslavili ve svém životě. Když vyjmenujeme několik, můžeme začít tím nejslavnějším ze všech, Phidiasem, umělcem, který vytvořil gigantické chryselefantinové sochy Athény (asi 438 př. N. L.) A Dia (asi 456 př. N. L.), Které sídlily v Athénském Parthenonu a chrám Dia v Olympii. Druhá socha byla považována za jeden ze sedmi divů starověkého světa. Polykleitos, který kromě vytváření velkých soch, jako je Doryphoros (Spearbearer), také napsal pojednání, Kanono sochařských technikách, kde zdůraznil důležitost správné proporce. Dalšími významnými sochaři byli Kresilas, který vytvořil hodně okopírovaný portrét Pericles (asi 425 př. N. L.), Praxiteles, jehož Afrodita (asi 340 př. N. L.) Byla první úplnou ženskou nahou, a Kallimachos, který se zasloužil o vytvoření korintského hlavního města a jehož výrazné taneční postavy byly v římských dobách hodně kopírovány.

Reklama

Sochaři často našli trvalé uplatnění ve velkých svatyních a archeologie odhalila dílnu Phidiase v Olympii. V dílně byly nalezeny různé formy rozbité hlíny a také mistrův osobní hliněný hrnek s nápisem „Patřím Phidiasovi“. Dalším rysem svatyně byly čističe a leštičky, které udržovaly lesklou červeno-mosaznou barvu bronzových postav, protože Řekové neocenili tmavozelenou patinu, která vzniká vlivem zvětrávání (a které dochované sochy získaly).

Mistrovská díla

Řecká socha se však neomezuje pouze na stojící postavy. Portrétní poprsí, reliéfní panely, hrobové pomníky a kamenné objekty jako např perirrhanteria (pánve podporované třemi nebo čtyřmi stojícími ženskými postavami) také prověřily dovednosti řeckého sochaře. Dalším důležitým odvětvím umělecké formy byla architektonická socha, převládající od konce 6. století před naším letopočtem na štíty, vlysy a metopy chrámů a pokladničních budov. Právě v figurální plastice však lze najít některá z velkých mistrovských děl klasické antiky a svědectvím o jejich třídě a popularitě je, že kopie byly vytvářeny velmi často, zejména v římské době. Skutečně je štěstí, že Římané milovali řecké sochařství a kopírovali ho tak široce, protože často tyto kopie přežívají spíše než řecké originály. Kopie však představují své vlastní problémy, protože zjevně postrádají originální mistrovský dotek, mohou prohodit médium z bronzu na mramor a dokonce míchat části těla, zejména hlavy.

Ačkoli slova jen zřídka kdy spravedlivě zaslouží vizuální umění, můžeme zde uvést několik příkladů některých z nejslavnějších kousků řecké sochařství. V bronzu vynikají tři kusy, všechny zachráněné před mořem (lepší strážce jemných bronzů, než byli lidé): Zeus nebo Poseidon z Artemesia a dva válečníci z Riace (všechny tři: 460–450 př. N. L.). Prvním z nich může být Zeus (držení těla je pro toto božstvo běžnější) nebo Poseidon a je přechodným dílem mezi archaickým a klasickým uměním, protože postava je extrémně živá, ale ve skutečnosti nejsou proporce přesné (např. Končetiny jsou prodloužena). Jak však Boardman výmluvně popisuje, „(dokáže) být ve své dokonalé rovnováze energicky ohrožující a statický“, divák nenechá vůbec na pochybách, že se jedná o velkého boha. Válečníci Riace jsou také velkolepí s přidanými detaily jemně tvarovaných vlasů a vousů. Klasičtější ve stylu, jsou perfektně proporcionální a jejich postoj je vykreslen tak, že to naznačuje, že mohou kdykoli dobře vystoupit ze soklu.

V mramoru jsou dva výjimečné kusy Diskobolos nebo vrhač disků připisovaný Myronovi (c. 450 BCE) a Nike of Paionios at Olympia (c. 420 BCE). Házeč disků je jednou z nejkopírovanějších soch ze starověku a naznačuje silný svalový pohyb zachycený na zlomek sekundy, jako na fotografii. Dílo je také zajímavé, protože je vytesáno takovým způsobem (v jedné rovině), aby bylo vidět z jednoho hlediska (jako reliéfní řezba s odstraněným pozadím). Nike je vynikajícím příkladem „mokrého vzhledu“, kdy je lehký materiál oděvu přitlačen na obrysy těla a postava se zdá polozávěsná ve vzduchu a jen proto, aby dopadla prsty na podstavci .

Závěr

Řecké sochařství se tehdy vymanilo z uměleckých konvencí, které se po staletí ovládaly v mnoha civilizacích, a místo aby reprodukovaly postavy podle předepsaného vzorce, mohly se svobodně věnovat idealizované podobě lidského těla. Tvrdý, nezáživný materiál byl nějakým způsobem magicky přeměněn na takové nehmotné vlastnosti, jako je vyrovnanost, nálada a milost, aby vytvořil některá z velkých mistrovských děl světového umění a inspiroval a ovlivnil umělce, kteří měli následovat v helénistické a římské době a kteří by dále vyráběli více mistrovských děl, jako je Venuše de Milo. Kromě toho dokonalost v proporcích lidského těla dosažená řeckými sochaři stále inspiruje umělce i dnes. Skvělá řecká díla jsou dokonce konzultována 3D umělci, aby vytvořili přesné virtuální obrázky, a sportovními řídícími orgány, kteří porovnali těla sportovců s řeckou plastikou, aby zkontrolovali abnormální vývoj svalů dosažený použitím zakázaných látek, jako jsou steroidy.


Starověký obdiv ptáků: plameňáci jako mistrovská díla umění a jídla - historie

  • Přidal: Lakshmi Nanda Madhusoodhanan
  • Stav: student
  • Třída 10
  • Věk: 14
  • Režim: Střední
  • Typ článku: Esej
  • Cílová věková skupina: 11–15 let

Hodnocení editorů

Všude vidíme barvy, jako jsou okouzlující barvy květin, modrá barva moře, poutavá zelená barva listů, 7 barev v duze. Kdykoli maluji, měl jsem v mysli tuto otázku: „Jaká věda stojí za tímto barevným mistrovským dílem přírody?“ Tyto pozoruhodné a rozsáhlé odstíny, které vidíme v obvyklých věcech kolem nás, jsou způsobeny pigmenty. Co jsou tedy pigmenty?

Pigmenty jsou biochemické sloučeniny zodpovědné za barvu v řadě stávajících věcí. Živé věci získávají svou barvu z přírodních pigmentů. Nacházejí se v rostlinách, květinách, zvířatech a samozřejmě jsou i v našem těle.

Existují hlavně 2 druhy pigmentů-

Organické pigmenty: Organický pigment je přirozeně vyrobený pigment. Přirozeně se vyskytující pigmenty, jako jsou okrové a oxidy železa, se používají jako barvy již od starověku. Archeologové objevili důkazy, že raní lidé používali barvu z uměleckých důvodů, jako je například zdobení těla. V jeskyni nacházející se v Twin Rivers v Lusace v Zambii byly nalezeny pigmenty a nástroje na broušení barev, jejichž stáří se odhaduje na 350 000 až 400 000 let. Objev 100 000 let staré „malířské dílny“ v jeskyni Blombos v Jižní Africe-doplněný nesčetnými odstíny okru, kostí, dřevěného uhlí, brusných kamenů a kladivových kamenů, nádob z mušlí a míchacích nádob, ale s žádné svědectví o té dobové jeskynní malbě - naznačuje, že pigmenty byly používány pro malování na tělo a malování na obličej, spíše než jeskynní umění.

Všechno, co se děje v přírodě, včetně barev, má svůj účel. Například v přírodě mají chameleoni schopnost měnit barvu svého těla, ne kvůli pozornosti, ale místo toho se skrývat před svým predátorem. Zde stvoření pomocí barvy zvyšuje své šance na život.

Odstíny zeleně, jako je olivová zeleň, citronová zeleň atd. Se v přírodě nacházejí hlavně kvůli rostlinám. Pigment zvaný chlorofyl dodává listům a flóře zelenou barvu. Ale jak se jaro vyvíjí k podzimu, chlorofyl v listech se zhoršuje. Zelená barva pomalu mizí a je nahrazena pomeranči a červenými jiným pigmentem zvaným karotenoidy.

Karotenoidy také tetraterpenoidy, jedna z nejběžnějších skupin pigmentů, jsou také zodpovědné za nádherné růžově růžové plameňáky a lososy.

Anorganické pigmenty: Pigmenty lze také syntetizovat. Dnes se většinou používají anorganické pigmenty, protože jsou silnější a vydrží déle než přírodní. Syntetické organické pigmenty pocházejí z uhelných dehtů a jiných petrochemických produktů. Anorganické pigmenty se vyrábějí poměrně jednoduchými chemickými reakcemi nebo se přirozeně nacházejí jako zeminy.

Na základě jejich elementárního složení existují 2 typy anorganických pigmentů:-

Tyto pigmenty jsou vyrobeny z kovů, jako je kadmium, chrom, kobalt, měď, oxid železa, olovo, mangan, rtuť, titan, zinek a hliník.

Tyto typy pigmentů jsou anorganické pigmenty přírodního a syntetického původu

Uhlík, jíl, ultramarín.

Můžeme vytvořit různé sekundární barvy smícháním primárních barev, kterými jsou červená, žlutá a modrá.

Jakou barvu získáte, když smícháte 2 základní barvy, červenou a modrou stejně? Ano, dostanete fialovou, jednu z barev, kterou lidské pouhé oko těžko rozlišuje. Slovo „purpurový“ pochází ze slova „purpura“, které popisuje mořského šneka, ze kterého bylo odvozeno původní barvivo purpurové barvy (Tyrianův purpur).

Jaký odstín získáte, když smícháte žlutou a modrou? Získáte zářivou barvu, která je také barvou listů, zelená !! Zelená je barva jednoho z nejvzácnějších drahokamů, smaragdu. Slovo zelená pochází ze středoanglického a staroanglického slova „grene“, které má stejně jako německé slovo „grün“ stejný původ jako slova tráva a růst.

Když smícháte žlutou a červenou, získáte sekundární barvu nazývanou oranžová. Tato temperamentní barva je vidět, když se jaro rozvíjí na podzim. Barvy, od okrajově oranžově žluté až po intenzivně oranžovou červenou, v zásadě nazývané šafrán, jsou úzce spjaty s hinduismem a buddhismem a obvykle je nosí mniši a svatí muži v celé Asii.


Kos/Syros/

Monemvasia

Tento malý řecký ostrov má svůj podíl na invazích. To bylo zajato Normany, odrazilo Araby a stalo se byzantskou pevností. Kvůli své strategické poloze byl ostrov posedlý a zabaven různými říšemi. Opevněné zdi starověké pevnosti Monemvasia byly vytvořeny ze silného šedého kamene. Všechny ulice neměří víc než šířku malého osla táhnoucího svůj vozík. Z velké části jsou osli pryč a zbývají dlážděné kamenné ulice, které vedou byzantským městem až k rezidencím, obchodům, kostelům a mešitám.

Každý den můžete vidět muže, kteří vypadají, jako by přišli z centrálního castingu Řek Zorba, tahání zboží malými uličkami svými trakaři. Ve skutečnosti, protože na povrchu Země není žádné auto, které by bylo dost malé na to, aby se dostalo starobylými dlážděnými ulicemi, jsou muži s trakaři jedinými dostupnými ambulantními silničními vozidly. Pokud navštívíte Monemvasii, očekávejte, že dělníci budou vozit lidem, jako jsou pohovky a jídelní stoly, velké kusy masa a krabice balené vody, do domů a#8217 domácností.

Ach ano, lidé stále žijí v Monemvasii a jejich domovy jsou útulné, jejich kostely krásně zdobené a jejich malé turistické obchody plné chytrých předmětů. Určitě se však zastavte a věnujte si chvilku respektu a obdivu ke způsobu dopravy, který vše zavedl.

Kréta

Kréta je největší a nejlidnatější z řeckých ostrovů. Leží 99 mil jižně od řecké pevniny. Jeho hlavním a největším městem je Heraklion. Lidé obývali ostrov Kréta 120 000 let. Není divu, že Kréta byla v letech 2700 až 1420 před naším letopočtem centrem první vyspělé evropské civilizace, Minojců. Minojskou civilizaci ovládla mykénská civilizace z pevninského Řecka. Později se Kréta dostala pod římskou nadvládu a poté Krétu ovládlo mnoho dalších říší. Člověk dostane představu, že být malým ostrovem není dobré pro udržení nezávislosti. V roce 1913 se krétský lid stal součástí Řecka.

Moderní den je Heraklion největším městem na ostrově Kréta a naštěstí je přístavním městem, kde se vylodí návštěvníci, aby si mohli prohlédnout palác Knossos, starobylou minojskou osadu z doby bronzové, která leží v hranicích Heraklionu.

V nejvyšším bodě byla populace Kréty 100 000. Ve starověku dosáhli stavitelé ostrova mimořádné úrovně architektonické vyspělosti. Palác Knossos je plný malovaných sloupů a dramatických vlysů, všechny se nacházejí na místě a jsou otevřeny k prohlížení hledačům umění a architektury.

Chcete-li se hlouběji podívat na minojské umění a kulturu, navštivte archeologické muzeum Heraklion. Obsahuje reprezentativní artefakty ze všech období krétské prehistorie a historie, pokrývající chronologické rozpětí více než 5500 let od neolitu po římské časy.

Mimořádně důležitá minojská sbírka obsahuje jedinečné příklady minojského umění, z nichž mnohé jsou skutečnými mistrovskými díly. Muzeum Heraklion je po celém světě právem považováno za muzeum minojské kultury par excellence.

Rhodos

Slovo Rhodos pochází ze starořeckého slova růže. A vzhledem k tomu, že velkou část ostrova pokrývají krásné borovicové a cypřišové lesy, zdá se, že botanický název sedí. Kromě všudypřítomných olivovníků, které na ostrově rostou, existují také ibišek, popínavé rostliny, citrusové stromy všeho druhu a vinné révy pro ostrov Rhodos vlastní jedinečné víno.

Počátkem 13. století byzantská éra historie ostrova skončila, když ostrov obsadil rytířský špitál. Knights Hospitaller vytvořil mnoho opevněných budov, nejdůležitější pro Rhodos byla nemocnice věnovaná péči o nemocné, chudé nebo zraněné poutníky, kteří byli zraněni při křížových výpravách. Pod rytířským špitálem byl Rhodos přestavěn na modelové ideální evropské středověké město. Během tohoto období bylo postaveno mnoho slavných památek města, včetně paláce velmistra.

Naštěstí nikdo nepřijde na Rhodos, aby viděl Rhodský kolos, který byl jedním ze sedmi divů starověkého světa, ale byl zničen zemětřesením v roce 224 př. N. L. Po soše dnes nezůstala žádná stopa.

Středověké staré město města Rhodos bylo prohlášeno za místo světového dědictví. Dnes je to jedna z nejoblíbenějších turistických destinací v Evropě.

Kos

Starověké tržiště Kos bylo jedním z největších ve starověkém světě. Na jednom konci trhu byla kulatá budova s ​​římskou kopulí a dílnou, která vyráběla pigmenty včetně takových barev, jako je Egyptská modrá. Výkopy vedly k nálezům místností s mozaikovými podlahami, které ukazovaly souboje šelem, což je téma v Kosu docela populární.

Ostrov má pevnost ze 14. století. Vstup do jeho přístavu postavil v roce 1315 rytířský špitál.

Kos byl rodištěm Hippokrata, považovaného za otce moderní medicíny. Ve městě sídlí Mezinárodní hippokratův institut a jemu věnované Hippokratovo muzeum. Nedaleko ústavu jsou ruiny Asklepieon, kde Herodicus učil Hippokratovu medicínu. Asclepieons byly léčebné chrámy zasvěcené Asclepiovi, prvnímu doktorovi-polobohovi v řecké mytologii, který byl údajně natolik zkušený lékař, že dokázal dokonce vzkřísit lidi z mrtvých. Poutníci se hrnuli do chrámů postavených na jeho počest, aby hledali duchovní a fyzické uzdravení.

Syros

Tento řecký ostrov není znám starověkem, přestože byl obýván více než 5 000 let. Místo toho je jeho hlavní město plné neoklasicistních budov. Sídla, řecké kostely a kavárny v devatenáctém století stojí na hřebeni, který kaskáduje až k přístavu. Neoklasicistní styl, který v Syrosu převládá, má eleganci.

Řecké kostely jsou obzvláště velkolepé a pravoslavné řecké kněze lze spatřit na mnoha místech při každodenních rutinách, které mohou zahrnovat i nakupování!

Santorini

Existuje více než jeden ostrov, který se nazývá Santorini. Santorini je opravdu skupina ostrovů obklopujících kalderu, která byla vytvořena násilnými sopečnými erupcemi, které probíhají tisíce let. V té době na ostrově žila prosperující minojská kultura a některá jejich okolní města byla pokryta sopečným popelem, čímž byla velká část jejich kultury zachována pro archeology.

Mohutná starověká erupce sopky dala vzniknout legendě o Atlantidě. Zatím neexistuje žádný důkaz na podporu této teorie.

Akrotiri je název minojské stránky na Santorini. Nebyl to minojský palácový komplex, jaký se nachází na Krétě. Ale civilizace doby bronzové v Akrotiri byla bohatá a možná byla prosperujícím místem pro tkaní textilu.

Byly odhaleny vynikající zděné struktury. Některé z domů byly vysoké tři patra. Byly objeveny keramické skladovací nádoby Hugh a krásné nástěnné malby s freskami.

Soudě podle výtvarného díla byli občané Akrotiri sofistikovaní a bohatí lidé.

Probíhající archeologické vykopávky nadále odkrývají pozůstatky tohoto města zničeného při výbuchu sopky v roce 1630 př. N. L.

Moderní Santorini je malebné s okouzlujícími domy, úzkými uličkami a kostely s modrou kupolí. Mnoho luxusních obchodů a restaurací dělá ze Santorini cíl pro dobře situované cestovatele.


Obsah

Rudyard Kipling se narodil 30. prosince 1865 v Bombaji, v Bombajském předsednictvu Britské Indie, Alice Kipling (rozená MacDonald) a John Lockwood Kipling. [14] Alice (jedna ze čtyř známých sester MacDonaldových) [15] byla temperamentní žena, [16] o které lord Dufferin řekl: „Tupost a paní Kiplingová nemohou existovat ve stejné místnosti.“ [3] [17] [18] John Lockwood Kipling, sochař a designér keramiky, byl ředitelem a profesorem architektonické sochařství na nově založené škole umění Jam Jamjeje Jeejebhoy v Bombaji. [16]

John Lockwood a Alice se setkali v roce 1863 a dvořili se u Rudyard Lake v Rudyardu, Staffordshire, Anglie. Vzali se a přestěhovali se do Indie v roce 1865. Krása oblasti Rudyard Lake je natolik dojala, že po ní pojmenovali své první dítě. Dvě Aliciny sestry byly provdány za umělce: Georgiana s malířem Edwardem Burne-Jonesem a její sestra Agnes s Edwardem Poynterem. Kiplingovým nejvýznamnějším příbuzným byl jeho bratranec Stanley Baldwin, který byl ve 20. a 30. letech třikrát konzervativním premiérem. [19]

Kiplingův rodný dům v areálu J.J. School of Art v Bombaji byla po mnoho let využívána jako rezidence děkana. [20] Ačkoli chata nese pamětní desku, na které je uvedeno jako místo jeho narození, ta původní mohla být stržena a nahrazena před desítkami let. [21] Někteří historici a ochránci přírody zastávají názor, že bungalov označuje místo, které se nachází pouze blízko domova Kiplingova narození, protože bylo postaveno v roce 1882 - asi 15 let po narození Kiplinga. Zdá se, že Kipling tolik řekl děkanovi při návštěvě J. J. School ve 30. letech 20. století. [22]

Matka měst pro mě,
Neboť jsem se narodil v její bráně,
Mezi palmami a mořem,
Kde čekají parníky na konci světa. [23]

Podle Bernice M. Murphyho „Kiplingovi rodiče se považovali za„ anglo-indiány “[termín používaný v 19. století pro lidi britského původu žijící v Indii] a stejně tak by to udělal i jejich syn, ačkoli většinu svého života strávil jinde "V jeho fikci by se prosadily složité otázky identity a národní věrnosti." [24]

Kipling na takové konflikty odkazoval. Například: „Odpoledne se zahřívá, než jsme se vyspali, ona (portugalština ahanebo chůva) nebo Meeta (Hind nosičnebo mužský ošetřovatel) by nám vyprávěl příběhy a písně z indické školky, všechny nezapomenutelné, a poté, co jsme byli oblečeni, jsme byli posláni do jídelny s opatrností: „Mluvte nyní anglicky s Papou a Mammou.“ Jeden tedy mluvil „anglicky“, přerušovaně přeloženo z lidového fráze, o kterém si myslel a snil. “[25]

Vzdělávání v Británii Upravit

Kiplingovy dny „silného světla a tmy“ v Bombaji skončily, když mu bylo pět. [25] Jak bylo zvykem v Britské Indii, on a jeho tříletá sestra Alice („Trix“) byli odvezeni do Spojeného království-v jejich případě do Southsea, Portsmouthu-žít s párem, který nastoupil do dětí z Britští státní příslušníci žijící v zahraničí. [26] Dalších šest let (od října 1871 do dubna 1877) děti žily s párem - kapitánem Pryse Agarem Hollowayem, kdysi důstojníkem obchodního námořnictva, a Sarah Hollowayovou - v jejich domě, Lorne Lodge, 4 Campbell Road, Southsea. [27]

Ve své autobiografii publikované o 65 let později Kipling s hrůzou vzpomínal na pobyt a přemýšlel, jestli kombinace krutosti a zanedbávání, kterou tam zažil z rukou paní Hollowayové, možná nezrychlila nástup jeho literárního života: „Pokud přejdete- prozkoumejte dítě, kterému je sedm nebo osm let, co dělá (zvláště když chce jít spát), bude si velmi spokojeně odporovat. Pokud každý rozpor stanoví jako lež a prodává se při snídani, život není snadný. určité množství šikany, ale to bylo vypočítané mučení - náboženské i vědecké. Přesto mě to přimělo věnovat pozornost lžím, které jsem brzy zjistil jako nutné říci: a toto, předpokládám, je základem literárního úsilí. “ [25]

Trix si vedl lépe v Lorne Lodge Paní Hollowayová zjevně doufala, že se Trix nakonec provdá za syna Hollowayů. [28] Obě děti Kiplinga však neměly v Anglii žádné příbuzné, které by mohli navštívit, kromě toho, že každé Vánoce strávili měsíc s tetou matky Georgiany („Georgy“) a jejím manželem Edwardem Burne-Jonesem v jejich domě, Grange v londýnském Fulhamu, kterému Kipling říkal „ráj, o kterém věřím, že mě zachránil“. [25]

Na jaře roku 1877 se Alice vrátila z Indie a odstranila děti z Lorne Lodge. Kipling vzpomíná: „Milovaná teta se mě často a často poté zeptala, proč jsem nikdy nikomu neřekl, jak se ke mně chovají. Děti říkají víc než zvířata, protože to, co jim přijde, přijímají jako věčně založené. Také se špatně zachází děti mají jasnou představu o tom, co by pravděpodobně získaly, kdyby prozradily tajemství vězeňského domu, než se ho zbaví. " [25]

Alice vzala děti na jaře 1877 na farmu Goldings v Loughtonu, kde bezstarostné léto a podzim strávily na farmě a přilehlém Forestu, nějaký čas se Stanley Baldwinem. V lednu 1878 byl Kipling přijat na United Services College ve Westward Ho !, Devon, škole nedávno založené za účelem přípravy chlapců pro armádu. Zpočátku se ukázalo, že to pro něj bylo drsné, ale později to vedlo k pevnému přátelství a poskytlo prostředí pro jeho příběhy školáků Stalky & amp Co. (1899). [28] Zatímco tam, Kipling se setkal a zamiloval se do Florence Garrardové, která nastupovala do Trix v Southsea (kam se Trix vrátil). Florence se stala vzorem pro Maisie v Kiplingově prvním románu, Světlo, které selhalo (1891). [28]

Návrat do Indie Upravit

Blízko konce školní docházky bylo rozhodnuto, že Kipling nemá akademickou schopnost dostat se na Oxfordskou univerzitu na stipendium. [28] Jeho rodičům chyběly prostředky na financování, [16] a tak pro něj Kiplingův otec získal práci v Láhauru, kde otec sloužil jako ředitel Mayo College of Art a kurátor Lahore Museum. Kipling měl být asistentem redaktora místních novin Občanský a vojenský list.

20. září 1882 odplul do Indie a 18. října dorazil do Bombaje. Ten okamžik popsal o několik let později: „Takže v šestnácti letech a devíti měsících, ale vypadal jsem o čtyři nebo pět let starší a ozdobený skutečnými vousy, které skandalizovaná Matka zrušila do jedné hodiny od pohledu, jsem se ocitl v Bombaji, kde jsem se narodil "pohybující se mezi památkami a vůněmi, které mě donutily dodávat lidové věty, jejichž význam jsem neznal. Ostatní chlapci narození v Indii mi řekli, jak se jim to samé stalo." [25] Tento příchod změnil Kiplinga, jak vysvětluje: „Do Láhauru, kde žili moji lidé, byly ještě tři nebo čtyři dny železnice. Poté moje anglická léta odpadla, ani se nikdy nevrátila v plné síle . " [25]

Od roku 1883 do roku 1889 pracoval Kipling v Britské Indii pro místní noviny, jako např Občanský a vojenský list v Láhauru a Pionýr v Allahabadu. [25]

Ty první, což byly noviny, které měl Kipling říkat „milenka a nejpravdivější láska“ [25], se objevovalo šest dní v týdnu po celý rok, s výjimkou jednodenních přestávek na Vánoce a Velikonoce. Stephen Wheeler, redaktor, tvrdě pracoval na Kiplingovi, ale Kiplingova potřeba psát byla nezastavitelná. V roce 1886 vydal svou první sbírku veršů, Útvary ministerstva. Ten rok také přinesl změnu redaktorů v novinách Kay Robinson, nový redaktor, umožnil větší tvůrčí svobodu a Kipling byl požádán, aby do novin přispěl povídkami. [4]

V článku vytištěném v Kamarádi chlapecký ročník, bývalý Kiplingův kolega prohlásil, že „takového chlapa pro inkoust nikdy neznal-jednoduše si v něm liboval, zlověstně plnil pero a pak házel obsah po celé kanceláři, takže to bylo téměř nebezpečné přistoupit k němu. " [29] Anekdota pokračuje: „V horkém počasí, kdy měl (Kipling) na sobě jen bílé kalhoty a tenkou vestu, se prý více podobal dalmatinskému psovi než člověku, protože byl celý spatřen inkoustem v každým směrem. "

V létě roku 1883 navštívil Kipling Shimlu, poté Simlu, známou horskou stanici a letní hlavní město Britské Indie. V té době bylo zvykem, že se místokrál Indie a vláda přestěhovali na šest měsíců do Simly a město se stalo „centrem moci i potěšení“. [4] Kiplingova rodina se stala každoročními návštěvníky Simly a Lockwood Kipling byl požádán, aby sloužil v tamní Kristově církvi. Rudyard Kipling se každoročně v letech 1885 až 1888 vracel do Simly na roční dovolenou a město se v mnoha příbězích, které napsal pro Úřední list. [4] „Moje měsíční dovolená na Simle, nebo na jakoukoli Hill Station, kam míjeli moji lidé, byla čistá radost - každá zlatá hodina se počítala. Začínalo to v horku a nepohodě, po železnici a silnici. Skončilo to chladným večerem u dřeva oheň v něčí ložnici a další ráno - dalších třicet před sebou! - raný šálek čaje, matka, která ho přinesla, a dlouhé rozhovory o nás všech znovu dohromady. Člověk měl také volno pracovat při jakékoli hře "Práce byla v hlavě, a ta byla obvykle plná." [25]

Zpět v Láhauru se objevilo 39 jeho příběhů Úřední list od listopadu 1886 do června 1887. Kipling zahrnoval většinu z nich v Plain Tales from the Hills, jeho první sbírka próz, vydaná v Kalkatě v lednu 1888, měsíc po jeho 22. narozeninách. Kiplingův čas v Láhauru však skončil. V listopadu 1887 byl přesunut do Úřední list větší sesterské noviny, Pionýr, v Allahabadu ve Spojených provinciích, kde pracoval jako asistent redaktora a žil v Belvedere House v letech 1888 až 1889. [30] [31]

Kiplingovo psaní pokračovalo ve frenetickém tempu. V roce 1888 vydal šest sbírek povídek: Vojáci tři, Příběh Gadsbys, V černé a bílé, Pod Deodary, Fantomový rikša, a Wee Willie Winkie. Ty obsahují celkem 41 příběhů, některé docela dlouhé. Navíc jako Pionýr Zvláštní korespondent v západní oblasti Rádžputany napsal mnoho náčrtků, které byly později shromážděny Písmena Marque a publikováno v Od moře k moři a další náčrty, cestovní dopisy. [4]

Kipling byl propuštěn z Pionýr počátkem roku 1889 po sporu. Do této doby stále více přemýšlel o své budoucnosti. Prodal práva na svých šest svazků příběhů za 200 liber a malou autorskou odměnu a Prosté příběhy za 50 liber navíc dostal od šestiměsíční plat Pionýr, místo oznámení. [25]

Návrat do Londýna Upravit

Kipling se rozhodl použít peníze na přesun do Londýna, jako literárního centra britského impéria. Dne 9. března 1889 opustil Indii a nejprve cestoval do San Franciska přes Rangún, Singapur, Hongkong a Japonsko. Japonsko na Kipling příznivě zapůsobilo a nazývalo jeho lidi a způsoby „milostivým lidovým a spravedlivým způsobem“. [32] Výbor pro Nobelovu cenu citoval Kiplingovo psaní o způsobech a zvycích Japonců, když v roce 1907 udělili jeho Nobelovu cenu za literaturu. [33]

Kipling později napsal, že „ztratil své srdce“ kvůli gejši, které říkal O-Toyo, když během stejné cesty napříč Pacifikem ve Spojených státech napsal: „Nechal jsem nevinný východ daleko za sebou. Toyo. O-Toyo byl miláček. " [32] Kipling poté cestoval po USA a psal články pro Pionýr které byly později publikovány v Od moře k moři a další náčrty, cestovní dopisy. [34]

Začal své severoamerické cesty v San Francisku, Kipling šel na sever do Portlandu, Oregonu, poté do Seattlu, Washingtonu, až do Victoria a Vancouveru, Britské Kolumbie, přes Medicine Hat, Alberta, zpět do USA do Yellowstonského národního parku, dolů do Salt Lake City, poté na východ do Omahy, Nebrasky a dále do Chicaga, Illinois, poté do Beaveru, Pennsylvania na řece Ohio, aby navštívili rodinu Hill. Odtud odešel do Chautauqua s profesorem Hillem a později do Niagarských vodopádů, Toronta, Washingtonu, DC, New Yorku a Bostonu. [34]

V průběhu této cesty se setkal s Markem Twainem v Elmiře v New Yorku a byl na něj hluboce zapůsoben. Kipling dorazil neohlášeně do Twainova domu a později napsal, že když zazvonil u dveří: „Poprvé mě napadlo, že by Mark Twain mohl mít možná i jiné angažmá než zábavu uprchlých šílenců z Indie, ať už jsou někdy tak plné obdiv." [35]

Jak to bylo, Twain Kiplinga rád přivítal a vedl s ním dvouhodinový rozhovor o trendech v angloamerické literatuře a o tom, co Twain napíše v pokračování Tom Sawyer, přičemž Twain ujišťoval Kiplinga, že se chystá pokračování, i když se nerozhodl o konci: buď bude Sawyer zvolen do Kongresu, nebo bude oběšen. [35] Twain také předal literární radu, že autor by měl „nejprve získat vaše fakta a pak je můžete zkreslovat, jak chcete“. [35] Twain, který měl Kiplinga spíše rád, o jejich setkání později napsal: „Mezi námi pokrýváme veškeré znalosti, on pokrývá vše, co lze poznat, a já pokrývám zbytek.“ [35] Kipling pak přešel Atlantik do Liverpoolu v říjnu 1889. Brzy debutoval v londýnském literárním světě, a to s velkým ohlasem. [3]

Londýn Upravit

V Londýně měl Kipling několik příběhů přijatých časopisy. Na další dva roky našel místo k životu na ulici Villiers poblíž Charing Cross (v budově později pojmenované Kipling House):

Mezitím jsem našel své pokoje ve Villiers Street, Strand, která byla před čtyřiceti šesti lety primitivní a vášnivá ve svých zvycích a počtu obyvatel. Moje pokoje byly malé, ne příliš čisté nebo udržované, ale z pracovního stolu jsem se mohl dívat z okna skrz světlomet vchodu do Gattiho hudebního sálu přes ulici, téměř na jeho pódium. Vlaky Charing Cross rachotily mými sny na jedné straně, boom Strandu na straně druhé, zatímco před mými okny otec Temže pod věží Shot kráčel nahoru a dolů svým provozem. [36]

V příštích dvou letech vydal román, Světlo, které selhalo, měl nervové zhroucení a setkal se s americkým spisovatelem a vydavatelem, Wolcottem Balestierem, se kterým spolupracoval na románu, Naulahka (název, který necharakteristicky chybně uvádí níže). [16] V roce 1891 se Kipling podle doporučení svých lékařů vydal na další námořní plavbu do Jižní Afriky, Austrálie, na Nový Zéland a znovu do Indie. [16] Zkrátil své plány strávit Vánoce se svou rodinou v Indii, když slyšel o Balestierově náhlé smrti na břišní tyfus a rozhodl se okamžitě vrátit do Londýna. Před svým návratem použil telegram, aby navrhl a byl přijat Wolcottovou sestrou Caroline Starr Balestierovou (1862–1939), zvanou „Carrie“, kterou potkal o rok dříve a se kterou byl zjevně s přerušovanou romantikou. [16] Mezitím, koncem roku 1891, sbírka jeho povídek o Britech v Indii, Životní handicap, byla vydána v Londýně. [37]

Dne 18. . " [25] Svatba se konala v All Souls Church, Langham Place. Henry James rozdal nevěstu.

Spojené státy americké Upravit

Kipling a jeho manželka se usadili na líbánkách, které je zavedly nejprve do USA (včetně zastávky v rodinném sídle Balestier poblíž Brattleboro ve Vermontu) a poté do Japonska. [16] Po příjezdu do Jokohamy zjistili, že jejich banka The New Oriental Banking Corporation selhala. Když tuto ztrátu zvládli, vrátili se do USA, zpět do Vermontu - Carrie do té doby byla těhotná se svým prvním dítětem - a pronajali si malou chalupu na farmě poblíž Brattleboro za 10 dolarů měsíčně. [25] Podle Kiplinga: „Zařídili jsme to s jednoduchostí, která předběhla systém nákupu na splátky. Z druhé nebo třetí ruky jsme koupili obrovská horkovzdušná kamna, která jsme nainstalovali do sklepa. Vyřízli jsme velkorysé otvory v našich tenkých podlahách pro jeho dvacetipalcové cínové trubky (proč nás každý týden v zimě nespálili na postelích, to nikdy nedokážu pochopit) a byli jsme mimořádně a sebestředně spokojení. “ [25]

V tomto domě, kterému říkali Bliss Cottage, jejich první dítě, Josephine, se narodilo „ve třech stopách sněhu v noci 29. prosince 1892. Její matka měla narozeniny 31. a já 30. téhož měsíce, blahopřáli jsme jí k pocitu způsobilosti věci. “[25]

Bylo to také v této chatě, z níž první úsvit Knihy džunglí přišel do Kiplingu: „Pracovna v Bliss Cottage měla sedm stop osm a od prosince do dubna ležel sníh na úrovni okenního parapetu. Z toho vyplývá, že jsem napsal příběh o indické lesnické práci, který zahrnoval chlapce, který byli vychováni vlky. V tichosti a napětí zimy '92 nějaká vzpomínka na zednářské lvy z časopisu mého dětství a fráze v Haggardově Naďa Lily, v kombinaci s ozvěnou tohoto příběhu. Poté, co mi v hlavě zablokovala hlavní myšlenku, se toho ujalo pero a já jsem sledoval, jak začíná psát příběhy o Mauglích a zvířatech, která později přerostla v ty dva. Knihy džunglí." [25]

S příchodem Josephine, Bliss Cottage bylo cítit, že je přetížený, a tak nakonec pár koupil pozemek - 10 akrů (4,0 ha) na skalnatém svahu s výhledem na řeku Connecticut - od Carrieina bratra Beatty Balestiera a postavil si vlastní dům. Kipling to pojmenoval Naulakha, na počest Wolcotta a jejich spolupráce, a tentokrát bylo jméno napsáno správně. [16] Od svých raných let v Láhauru (1882–87) si Kipling zamiloval architekturu Mughal, [38] zejména pavilon Naulakha nacházející se ve pevnosti Lahore, který nakonec inspiroval název jeho románu i domu. [39] Dům stále stojí na Kipling Road, tři míle (5 km) severně od Brattleboro v Dummerstonu ve Vermontu: velký, izolovaný, tmavě zelený dům se šindelovou střechou a boky, kterému Kipling říkal „loď“, a což mu přineslo „sluníčko a mysl v klidu“. [16] Jeho ústraní ve Vermontu, kombinované se zdravým „rozumně čistým životem“, učinilo Kiplinga vynalézavým i plodným.

Za pouhé čtyři roky produkoval spolu s Knihy džunglí, kniha povídek (Práce dne), novela (Kapitáni odvážní) a hojnost poezie, včetně svazku Sedm moří. Sbírka Balady v kasárnách byl vydán v březnu 1892, poprvé publikován z velké části samostatně v roce 1890 a obsahoval jeho básně „Mandalay“ a „Gunga Din“. Obzvláště rád psal Knihy džunglí a také korespondující s mnoha dětmi, které mu o nich psaly. [16]

Život v Nové Anglii Upravit

Život psaní v Naulakha byl občas přerušen návštěvníky, včetně jeho otce, který ho navštívil krátce po jeho odchodu do důchodu v roce 1893 [16], a britského spisovatele Arthura Conana Doyla, který přinesl své golfové hole, zůstal dva dny a poskytl Kiplingovi prodlouženou lekci golfu. [40] [41] Zdálo se, že Kipling chodil na golf, občas cvičil s místním ministrem kongregace a dokonce si hrál s červeně namalovanými míčky, když byla země pokrytá sněhem. [14] [41] Zimní golf však „nebyl úplně úspěšný, protože při jízdě nebyly žádné limity, které by míč mohl smykat po dlouhém svahu k řece Connecticut dvě míle (3 km)“. [14]

Kipling miloval přírodu, [16] v neposlední řadě jejím zázrakem ve Vermontu bylo otáčení listí každý pád. Tento okamžik popsal v dopise: „Začal to malý javor, který náhle zapálil krvavě rudý tam, kde stál proti tmavě zelené borovicovému pásu. Druhý den ráno se ozval odpovědný signál z bažiny, kde rostly sumachy. O tři dny později byly kopce tak rychlé, jak jen oko dosahovalo, v plamenech a silnice dlážděné karmínovou a zlatou barvou. Pak zafoukal mokrý vítr a zničil všechny uniformy té nádherné armády a dubů, kteří drželi sami v záloze, připnuli si své matné a bronzové kyrysy a strnule to vyčnívali do posledního foukaného listu, dokud nezůstalo nic než stínování holých větví tužkou a bylo vidět do nejsoukromějšího srdce lesa. “ [42]

V únoru 1896 se narodila Elsie Kipling, druhá dcera páru. Do této doby, podle několika životopisů, jejich manželský vztah již nebyl veselý a spontánní. [43] Přestože by si vždy navzájem zůstali loajální, vypadalo to, že nyní upadli do stanovených rolí. [16] V dopise příteli, který se v této době zasnoubil, třicetiletý Kipling nabídl tuto pochmurnou radu: manželství v zásadě učilo „tvrdší ctnosti - jako pokora, zdrženlivost, pořádek a předvídavost“. [44] Později téhož roku dočasně učil na Bishop's College School v kanadském Quebecu. [45]

Kiplingovi milovali život ve Vermontu a možná by tam svůj život prožili, nebýt dvou incidentů - jednoho z globální politiky a druhého z rodinných rozporů. Na počátku 90. let 19. století byla Velká Británie a Venezuela v hraničním sporu zahrnujícím Britskou Guyanu. USA učinily několik nabídek k arbitráži, ale v roce 1895 nový americký ministr zahraničí Richard Olney zvýšil ante argumentováním za americké „právo“ rozhodovat na základě svrchovanosti na kontinentu (viz výklad Olney jako rozšíření Monroeova doktrína). [16] V Británii to vyvolalo chaos a situace přerostla v velkou angloamerickou krizi, kde se hovořilo o válce na obou stranách.

Ačkoli krize ustoupila do větší spolupráce mezi Spojenými státy a Britem, Kipling byl zmaten tím, co považoval za trvalé protibritské nálady v USA, zejména v tisku. [16] Napsal v dopise, že to vypadá, jako by na něj „mířilo karafa přes přátelský jídelní stůl“. [44] V lednu 1896 se rozhodl [14] ukončit „dobrý zdravý život“ své rodiny v USA a hledat štěstí jinde.

Poslední kapkou se stal rodinný spor.Vztahy mezi Carrie a jejím bratrem Beatty Balestierovou byly nějakou dobu napjaté kvůli jeho pití a platební neschopnosti. V květnu 1896 se opilá Beatty setkala s Kiplingem na ulici a vyhrožovala mu fyzickou újmou. [16] Incident vedl k případnému zatčení Beatty, ale při následném slyšení a následné publicitě bylo Kiplingovo soukromí zničeno a on se cítil mizerně a vyčerpán. V červenci 1896, týden před pokračováním slyšení, si Kiplingové zabalili své věci, opustili Spojené státy a vrátili se do Anglie. [14]

Upravit Devon

V září 1896 byli Kiplingové v Torquay, Devon, na jihozápadním pobřeží Anglie, ve svahu s výhledem na kanál La Manche. Ačkoli se Kipling příliš nestaral o svůj nový dům, jehož design, jak tvrdil, nechal jeho obyvatele cítit deprimovaný a ponurý, dokázal zůstat produktivní a společensky aktivní. [16]

Kipling byl nyní slavný muž a v předchozích dvou nebo třech letech ve svých spisech stále častěji činil politická prohlášení. Kiplingovi přivítali svého prvního syna Johna v srpnu 1897. Kipling zahájil práci na dvou básních „Recessional“ (1897) a „The White Man's Burden“ (1899), které měly po zveřejnění vyvolat kontroverze. Někteří je považovali za hymny pro osvícené a budování impéria vázané na povinnosti (zachycující náladu viktoriánské éry), jiní je považovali za propagandu bezostyšného imperialismu a jeho doprovodných rasových postojů, zatímco jiní v básních viděli ironii a varování před nebezpečím impéria. [16]

Převezměte bílou zátěž -
Pošlete nejlepší plemeno -
Jděte, svažte své syny do vyhnanství
Sloužit potřebám vašich zajatců
Čekat v těžkém postroji,
Na vlnitém folku a divočině -
Vaše nově chycené mrzuté lidi,
Napůl ďábel a napůl dítě.
Břemeno bílého muže [46]

V básních byla také předtucha, pocit, že všechno ještě mohlo přijít vniveč. [47]

Naše námořnictvo se vzdáleně rozplývá
Na dunách a ostrohu klesá oheň:
Hle, všechna naše včerejší okázalost
Je jedno s Ninive a Tyre!
Soudce národů, zatím nás ušetřte.
Abychom nezapomněli - abychom nezapomněli!
Závěrečný [48]

Plodný spisovatel během svého působení v Torquay také psal Stalky & amp Co., sbírka školních příběhů (zrozená z jeho zkušeností na United Services College ve Westward Ho!), jejíž mladiství protagonisté projevují cynický pohled na vlastenectví a autoritu. Podle jeho rodiny si Kipling rád četl nahlas příběhy od Stalky & amp Co. jim často procházel křečemi smíchu kvůli vlastním vtipům. [16]

Návštěvy Jižní Afriky Upravit

Na začátku roku 1898 Kiplingové odcestovali na zimní dovolenou do Jižní Afriky, takže začala každoroční tradice, která (kromě následujícího roku) trvala až do roku 1908. Zůstali v „The Woolsack“, domě na panství Cecila Rhodese v Groote Schuur (nyní studentská rezidence Univerzity Kapského Města), v docházkové vzdálenosti od Rhodosova sídla. [49]

S jeho novou pověstí as Básník Říše„Kiplinga vřele přijali někteří vlivní politici kapské kolonie, včetně Rhodosu, sira Alfreda Milnera a Leandera Starra Jamesona. Kipling pěstoval jejich přátelství a začal obdivovat muže a jejich politiku. Období 1898–1910 bylo v historii Jihoafrické republiky klíčové a zahrnovalo druhou búrskou válku (1899–1902), následnou mírovou smlouvu a vytvoření Svazu Jihoafrické republiky v roce 1910. Po návratu do Anglie psal Kipling poezii na podporu britské věci v búrské válce a při své další návštěvě Jižní Afriky počátkem roku 1900 se stal dopisovatelem Přítel noviny v Bloemfonteinu, které lord Roberts zabavil pro britské jednotky. [50]

Ačkoli jeho novinářské působení mělo trvat jen dva týdny, byla to Kiplingova první práce na štábu novin od jeho odchodu. Pionýr v Allahabadu před více než deseti lety. [16] v Přítel, navázal celoživotní přátelství s Percevalem Landonem, H. A. Gwynne a dalšími. [51] Napsal také články publikované v širším měřítku vyjadřující jeho názory na konflikt. [52] Kipling napsal nápis na Památník ctěných mrtvých (památník obležení) v Kimberley.

Upravit Sussex

V roce 1897 se Kipling přestěhoval z Torquay do Rottingdean, poblíž Brightonu, East Sussex - nejprve do North End House a poté do Elms. [53] V roce 1902 koupil Kipling Batemanův dům, dům postavený v roce 1634 a umístěný na venkově v Burwash.

Batemanův dům byl Kiplingovým domovem od roku 1902 až do své smrti v roce 1936. [54] Dům a jeho okolní budovy, mlýn a 33 ha (13 ha), byly zakoupeny za 9 300 liber. Nemělo to žádnou koupelnu, tekoucí vodu nahoře a žádnou elektřinu, ale Kipling to miloval: „Hle, nás, zákonní majitelé domu z lichenovaného šedého kamene - rok 1634 n. L. - trámový, obložený, se starým dubovým schodištěm a vše nedotčené a nepečené. Je to dobré a mírumilovné místo. Milovali jsme ho od prvního pohledu na něj “(z dopisu z listopadu 1902). [55] [56]

V oblasti literatury faktu se zapojil do debaty o britské reakci na vzestup německé námořní síly známé jako Tirpitzův plán na vybudování flotily, která by zpochybnila královské námořnictvo, a v roce 1898 publikoval sérii článků shromážděných jako Fleet in Being. Při návštěvě USA v roce 1899 se u Kiplinga a jeho dcery Josephine vyvinul zápal plic, na který nakonec zemřela.

Po smrti své dcery se Kipling soustředil na shromažďování materiálu pro to, co se stalo Jen tak příběhy pro malé děti, publikoval v roce 1902, rok poté Kim. [57] Tvrdil to americký literární vědec David Scott Kim vyvrací tvrzení Edwarda Saida o Kiplingovi jako propagátorovi orientalismu jako Kiplingovi - který se hluboce zajímal o buddhismus -, když představil tibetský buddhismus v docela sympatickém světle a aspekty románu se zdály odrážet buddhistické chápání vesmíru. [58] [59] Kiplinga urazil německý císař Wilhelm II Hunská řeč (Hunnenrede) v roce 1900 naléhal na německá vojska vyslaná do Číny, aby rozdrtila boxerské povstání, aby se chovali jako „Hunové“ a nebrali žádné vězně. [60]

V básni z roku 1902 Veslaři„Kipling zaútočil na Kaisera jako hrozbu pro Británii a poprvé použil termín„ Hun “jako protiněmeckou urážku, přičemž použil Wilhelmova vlastní slova a činy německých vojsk v Číně k vykreslení Němců jako v zásadě barbarských. [60] V rozhovoru pro francouzské noviny Le Figaro„Francophile Kipling označil Německo za hrozbu a vyzval k jeho zastavení anglo-francouzskou alianci. [60] V jiném dopise současně Kipling popsal „neuvolnit národy střední Evropy “jako žijící ve„ středověku s kulomety “. [60]

Spekulativní beletrie Upravit

Kipling napsal řadu spekulativních beletristických povídek, včetně „Armády snu“, ve které se snažil ukázat efektivnější a zodpovědnější armádu než tehdejší dědičná byrokracie Anglie, a dva sci -fi příběhy: „S Noční pošta “(1905) a„ Tak snadné jako ABC “ (1912). Oba byly zasazeny do 21. století ve vesmíru Kiplinga Aerial Board of Control. Četli jako moderní tvrdá sci -fi [61] a představili literární techniku ​​známou jako nepřímá expozice, která se později stala jedním z charakteristických znaků spisovatele sci -fi Roberta Heinleina. Tato technika je metoda, kterou si Kipling osvojil v Indii, a používal ji k řešení problému, kdy jeho anglickí čtenáři při psaní příliš nerozuměli indické společnosti. Kniha Džunglí. [62]

Laureát Nobelovy ceny a mimo ni

V roce 1907 mu byla udělena Nobelova cena za literaturu, kterou v tomto roce nominoval Charles Oman, profesor na univerzitě v Oxfordu. [63] Citace ceny uváděla, že „vzhledem k síle pozorování, originalitě představivosti, mužnosti nápadů a pozoruhodnému talentu pro vyprávění jsou charakteristické výtvory tohoto světově proslulého autora“. Nobelovy ceny byly stanoveny v roce 1901 a Kipling byl prvním příjemcem v anglickém jazyce. Při předávání cen ve Stockholmu dne 10. prosince 1907 ocenil stálý tajemník Švédské akademie Carl David af Wirsén Kiplinga a tři století anglické literatury:

Švédská akademie při udělování Nobelovy ceny za literaturu letos Rudyardu Kiplingovi touží vzdát poctu anglické literatuře, bohaté na mnohonásobnou slávu, a největšímu géniovi v oblasti vyprávění, kterou tato země má. vyráběné v naší době. [64]

K „konci knihy“ tohoto úspěchu došlo vydáním dvou propojených básnických a příběhových sbírek: Puk z Pook's Hill (1906) a Odměny a víly (1910). Ten obsahoval báseň „Pokud -.“ V průzkumu veřejného mínění BBC z roku 1995 byl zvolen oblíbenou britskou básní. [65] Toto nabádání k sebeovládání a stoicismu je pravděpodobně Kiplingovou nejslavnější básní. [65]

Kiplingova popularita byla taková, že ho jeho přítel Max Aitken požádal, aby jménem konzervativců zasáhl do kanadských voleb v roce 1911. [66] V roce 1911 byla v Kanadě hlavním problémem reciproční smlouva se Spojenými státy podepsaná liberálním premiérem Sirem Wilfridem Laurierem a důrazně proti konzervativcům pod vedením sira Roberta Bordena. Dne 7. září 1911, Montreal Daily Star noviny zveřejnily odvolání na úvodní straně proti dohodě Kiplingové, která napsala: „Je to její vlastní duše, kterou Kanada dnes riskuje. Jakmile bude tato duše zastavena pro jakoukoli úvahu, Kanada se musí nevyhnutelně přizpůsobit obchodním, právním, finančním, sociálním, a etické standardy, které na ni budou vnucovat pouhá přiznaná váha Spojených států. “ [66] V té době Montreal Daily Star byly nejčtenějšími kanadskými novinami. Během příštího týdne byla Kiplingova výzva přetištěna v každých anglických novinách v Kanadě a připisuje se jí pomoc při obracení kanadského veřejného mínění proti liberální vládě. [66]

Kipling sympatizoval s postojem irské unionisty proti pravidlům domácí vlády, kteří se stavěli proti irské autonomii. Přátelil se s Edwardem Carsonem, vůdcem Ulsterského unionismu narozeným v Dublinu, který vychoval Ulsterské dobrovolníky, aby zabránili domácí vládě v Irsku. Kipling v dopise příteli napsal, že Irsko není národ a že než Angličané dorazili v roce 1169, byli Irové banda zlodějů dobytka, kteří žili divoce a navzájem se zabíjeli, zatímco o tom všem „psali bezútěšné básně“. Podle jeho názoru to bylo pouze britské pravidlo, které umožnilo Irsku postupovat. [67] Návštěva Irska v roce 1911 potvrdila Kiplingovy předsudky. Napsal, že irský venkov je nádherný, ale zkažený tím, co nazýval ošklivými domovy irských farmářů, a Kipling dodal, že Bůh z Irů udělal básníky, kteří je „zbavili lásky k linii nebo znalosti barvy“. [68] Naproti tomu Kipling neměl nic jiného než chválu na „slušný lid“ protestantské menšiny a unionistické Ulster, prostý hrozby „neustálého davového násilí“. [68]

Kipling napsal báseň „Ulster"v roce 1912, což odráží jeho unionistickou politiku. Kipling často označoval irské unionisty jako" naši stranu. " Ministr HH Asquith, který by uvrhl Irsko do temného středověku a umožnil irské katolické většině utlačit protestantskou menšinu. [70] Učenec David Gilmour napsal, že Kiplingovo nepochopení Irska bylo vidět na jeho útoku na Johna Redmonda - anglofila vůdce irské parlamentní strany, který chtěl domácí vládu, protože se domníval, že je to nejlepší způsob, jak udržet Spojené království pohromadě - jako zrádce pracující na rozbití Spojeného království. [71] Ulster byl poprvé veřejně přečten na unionistickém shromáždění v Belfastu, kde byl odhalen dosud největší Union Jack. [71] Kipling připustil, že to mělo za cíl „tvrdou ránu“ proti zákonu o vládě Asquithské vlády: „Vzpoura, rapine, nenávist, útlak, křivda a chamtivost, jsou uvolněni k ovládání našeho osudu, podle anglického činu a činu“. [68] Ulster vyvolalo mnoho kontroverzí s konzervativním poslancem Sirem Markem Sykesem - který jako unionista byl proti návrhu zákona o domácím pravidle - odsouzení Ulster v Ranní příspěvek jako „přímý apel na nevědomost a záměrný pokus o podporu náboženské nenávisti“. [71]

Kipling byl zapřisáhlým odpůrcem bolševismu, který sdílel se svým přítelem Henrym Riderem Haggardem. Ti dva se spojili při příjezdu Kiplinga do Londýna v roce 1889 do značné míry kvůli jejich společným názorům a zůstali celoživotními přáteli.

Zednářství Upravit

Podle anglického časopisu Zednářský Ilustrovaný, Kipling se stal zednářem asi v roce 1885, před obvyklým minimálním věkem 21 let [72], který byl zasvěcen do Lóže naděje a vytrvalosti č. 782 v Láhauru. Později napsal Časy„Několik let jsem byl tajemníkem lóže. Což zahrnovalo Bratří nejméně čtyř vyznání víry. Byl jsem přihlášen [jako učeň] členem z Brahmo Somaj, hinduisty, který byl [do stupně Fellow Craft] předán Mohammedan, a vychován [do míry mistra zednáře] Angličanem. Náš Tyler byl indický Žid. " Kipling získal nejen tři stupně řemeslného zednářství, ale také vedlejší tituly Marka Mistra Masona a Royal Ark Marinera. [73]

Kipling tak miloval svou zednářskou zkušenost, že si zapamatoval její ideály ve své básni „Lóže matky“ [72], a bratrství a jeho symboly použil jako zásadní dějová zařízení ve své novele. Muž, který by byl králem. [74]

Na začátku první světové války, stejně jako mnoho dalších spisovatelů, Kipling psal brožury a básně nadšeně podporující britské válečné cíle obnovit Belgii poté, co byla okupována Německem, spolu s generalizovanými prohlášeními, že Británie stojí za příčinou dobrý. V září 1914 byl Kipling vládou požádán, aby napsal propagandu, nabídku, kterou přijal. [75] Kiplingovy brožury a příběhy byly během války oblíbené u britského lidu, přičemž jeho hlavní témata spočívala v oslavě britské armády jako the místo pro hrdinské muže, přičemž cituje německá zvěrstva vůči belgickým civilistům a příběhy žen brutalizovaných strašlivou válkou rozpoutanou Německem, které přesto přežily a triumfovaly navzdory svému utrpení. [75]

Kiplinga rozzuřily zprávy o znásilnění Belgie spolu s potopením RMS Lusitania v roce 1915, což považoval za hluboce nelidský čin, který jej přivedl k tomu, aby viděl válku jako křížovou výpravu civilizace proti barbarství. [76] V projevu z roku 1915 Kipling prohlásil: „Nebyl žádný zločin, žádná krutost, žádná ohavnost, které by si lidská mysl nedokázala představit, čehož se Němec nedopustil, neprovádí a nebude páchat, pokud mu to bude dovoleno. pokračuj. Dnes jsou na světě jen dvě divize: lidské bytosti a Němci. “ [76]

Vedle své vášnivé antipatie vůči Německu byl Kipling soukromě hluboce kritický vůči tomu, jak válku vedla britská armáda, a už v říjnu 1914 si stěžoval, že Německo mělo být již poraženo, a s britskou armádou musí být něco v nepořádku. [77] Kipling, který byl šokován těžkými ztrátami, které britské expediční síly utrpěly na podzim roku 1914, obviňoval celou předválečnou generaci britských politiků, kteří se podle něj nedokázali poučit z búrské války. . Tisíce britských vojáků tak nyní platily životem za neúspěch na polích Francie a Belgie. [77]

Kipling pohrdal muži, kteří se vyhýbali povinnosti v první světové válce. V „Nové armádě ve výcviku“ [78] (1915) Kipling uzavřel slovy:

Tolik si můžeme uvědomit, i když jsme tomu tak blízko, starý bezpečný instinkt nás zachraňuje před triumfem a jásáním. Jaká bude ale v příštích letech pozice mladého muže, který se záměrně rozhodl vyhnat z tohoto všeobjímajícího bratrstva? Co jeho rodina, a především co jeho potomci, když byly knihy zavřeny a v každé vesnici, vesnici, farnosti, předměstí, městě, hrabství, okresu, provincii a Dominionu došlo k oběti a smutku v celé říši?

V roce 1914 byl Kipling jedním z 53 předních britských autorů - mezi něž patřili H. G. Wells, Arthur Conan Doyle a Thomas Hardy - kteří podepsali svá jména do „Deklarace autorů“. Tento manifest prohlásil, že německá invaze do Belgie byla brutálním zločinem a Británie „nemohla bez hanby odmítnout účastnit se této války“. [79]


Objednávka francouzských tapisérií zámků

Chcete -li si objednat libovolné francouzské tapiserie, jednoduše klikněte na fotografii níže, kde získáte podrobné informace a větší obrázek. Poté klikněte na tlačítko Přidat do košíku a zadejte bezpečně zašifrovaný nákupní košík (stejně bezpečný jako online bankovnictví) a my vaši objednávku potvrdíme.

Držíme mnoho gobelínů na skladě pro rychlou přepravu, která je zdarma do Severní Ameriky nebo zaslána po celém světě za 19 nebo 29 dolarů. Dokud nedoručíme, na kreditní karty neúčtujeme žádné poplatky a pro zákazníky mimo Kanadu neexistují žádné daně z prodeje. Všechny jsou tkané ve Francii, Belgii nebo Itálii a jsou lemovány kapsou na tyč pro snadné zavěšení. Nástěnné tapiserie prodáváme více než 20 let.

Pokud vás zajímají elegantní gobelíny, můžete si také prohlédnout další elegantní vzory v těchto sekcích:


První sbírka pochází z počátku 19. století, po veřejné aukci, ve které rodina Torlonia získává sbírku sochaře Bartolomea Cavaceppiho (1717- 1799), nejslavnějšího restaurátora starověkého sochařství 18. století. Sbírka představovala širokou škálu starověkých kuliček, terakoty, bronzových sošek, modelů a odlitků, které dále tvořily ušlechtilou výzdobu hlavních rodinných sídel: vily na Via Nomentana, Palazzo Bolognetti a poté Torlonia na Piazza Venezia a později na (1820) Palazzo Giraud, v moderní době Via della Conciliazione. Nákupem Cavaceppi se rodina Torlonia stává nejen majitelem velké sbírky starověkých mistrovských děl (sochy, busty, reliéfy a sarkofágy), ale také mezi posledními svědectvími některých z nejstarších římských sbírek Cinquecento a Seicento, poté se postupně rozptýlí (jako například Pio da Carpi, Caetani a Cesarini atd.).

Na základě této rané sady byla sbírka Torlonia předurčena k dalšímu růstu v následujícím století: v roce 1816 bylo zakoupeno asi 270 děl, včetně posledních soch galerie patřící markýzi Vincenzo Giustiniani: nejprestižnější sbírka starověkých soch ze 17. století. Dědictví Torlonia tak přišlo získatHestia Giustiniani, ale také tzv Euthydemus z Baktrie, a především mimořádná série císařských bust a portrétů.Ve druhé polovině 19. století současně postupují a zintenzivňují se archeologické nálezy z mnoha předměstských majetků rodu, které se často shodují se starobylými sídly císařského věku (vykopávky Roma Vecchia na Via Latina, Villa Maxentius, Villa Quintilii, Villa di Porto, abychom jmenovali alespoň některé, ale nejznámější). V roce 1866 na Via Salaria získal princ Alessandro Torlonia (1800-1886) starobylou vilu kardinála Alessandra Albaniho, který vlastnil pozoruhodnou sbírku řeckých a římských soch nejvyšší kvality, jak je oslavováno ve spisech Johanna Joachima Winckelmanna.

Na konci 19. století představovala sbírka nyní mimořádný počet starověkých kuliček, & ldquoan nesmírný poklad erudice a umění, hromaděný dohromady v tichu, & rdquo jak by to definoval P. E. Visconti na začátku svého Katalog (1876), mnohem větší než to, co by mohlo být považováno za nezbytné pro potřeby vybavení mnoha sídel. Tím byl zahájen projekt, realizovaný princem Alessandrem, založit a Museum of Ancient Sculpture, opětovné využití starého skladu obilí na Via della Lungara, v jehož místnostech jsou díla objednána a katalogizována tak, aby byla vystavena k obdivu malých skupin návštěvníků. Přibližně 517 soch v době jeho konstituce (kolem roku 1875), které se rozrostly na 620 děl, jen o několik let později, když byly reprodukovány C.L. Visconti v jednom z raných příkladů fotografického katalogu sbírky antického umění (I Monumenti del Museo Torlonia riprodotti con la fototipia, Řím, 1884-85), přičemž poznamenal, že mezitím počet děl ještě vzrostl.

Torlonia, dobře zachovaná a přísně střežená, sahající až do dnešních dnů neporušená, se během celého procesu formování stala sbírkou sbírek, syntéz a součet tohoto složitého historicko-kulturního jevu označovaného jako znovuobjevení starověku a který od rané renesance položil v Římě základy pro vědu a vědy starověku, od sbírání starověkého umění až po tvorbu moderních muzejních sbírek a archeologické studie.


PIERRE HUIG

Pes jménem Man

Pierre Huig. Uncone, 2011-2012
Obrázek poskytl autor, Mariam Goodman Gallery, New York Esther Schipper, Berlín. Zvláště u dokumentu DOCUMENTA (13). © Pierre Huyghe

Pierre Huig vytvořil v upraveném barokním parku v německém Kasselu ostrůvky jiné reality, v jeho středu se nachází socha ženy s úlem místo hlavy a dva psi se kolem něj toulají na blátě a staví odpadky. Jeden z nich, jménem Man, je albín s jasně růžovou přední nohou.


Čínské umění (asi 1700 př. N. L. - 2000 n. L.) Charakteristika a historie


Dřevořezaná socha Guan Yina
Liao Dynasty (severní Čína)
Provincie Shanxi, Čína, (907-1125).

Odříznuta horami, poušti a oceány od jiných center lidské evoluce, Čína vyvinula vlastní samostatnou, ale vysoce vyspělou civilizaci, která představovala úžasnou kombinaci progresivní technologie, starověkého umění a kulturního povědomí. Nejstarší keramikou na světě je například jeskynní keramika Xianrendong z provincie Jiangxi a jeskynní keramika Yuchanyan z Hunanu. Tento vlivný keramický vývoj se rozšířil na Sibiř - viz keramika v povodí řeky Amur (14 300 př. N. L.) - a do Japonska ve formě keramiky Jomon (14 500 př. N. L.). Kupodivu se zatím objevilo jen málo důkazů o jakékoli významné tradici jeskynního umění na čínské pevnině.

Původní centrum čínské kultury bylo podél velké Žluté řeky, která protíná Severočínskou nížinu, kde se stabilní osady datují nejméně do roku 4000 př. N. L. Podrobnosti viz: Neolitické umění v Číně (7500-2000 př. N. L.). Archeologické objevy - zejména z pohřebních kup prosperujících jedinců - naznačují, že zhruba od roku 2500 př. N. L. Číňané pěstovali hedvábné červy, měli krásně hotové nástroje a produkovali širokou škálu kulturních artefaktů. Poté, v období 2500-100 př. N. L., Čínští umělci ovládali řadu forem výtvarného umění, včetně: čínské keramiky (která začala v Číně kolem 10 000 př. N. L. A zahrnuje čínský porcelán), nefritového řezbářství a dalších typů kovoobráběcích a šperkařských bronzů (hlavně obřadní nádoby) buddhistická socha a světská terakotová socha (příkladem je Čínská terakotová armáda) Čínská malba a kaligrafie a také řemesla, jako je lak. Kromě umění měla Čína vlastní historii vědeckých a technologických vynálezů, z nichž mnohé se do Evropy rozšířily z východu. Kromě toho do roku 1800 př. N. L. Vyspělá čínská kultura vyvinula také systém psaní, který je stále základem moderního čínského písma. Viz také: Časová osa prehistorického umění (2 500 000–500 př. N. L.). Umění indického subkontinentu viz: Indie, malířství a sochařství.

Čínské dynastie: Jednoduchá chronologie

Čínu datují její dynastie, slovo, které západní historici vymysleli z řeckého kořene pro „sílu, sílu nebo nadvládu“. „Postupné vlny útočníků vycházely ze středoasijské pevniny, ze stepí a řeky Turcu, dobyta , vládli a byli zase asimilováni Číňany. Různé druhy umění v Číně se vyvíjely podle zájmu a záštity každé dynastie, stejně jako podle rozmarů regionálních vládců. Obchodní vztahy se svými východoasijskými sousedy byly také důležitým stimulem ve vývoji čínského výtvarného umění, zejména keramiky a lakování.

- dynastie Xia (2100-1700 BCE)
- Shang Dynasty (1700-1050)
- Dynastie Zhou (1050-221) [vč. Období válčících států 475-221]
-Qin Emperor a tříletá dynastie (221-206)
- dynastie Han (206 př. N. L. - 220 n. L.)
- Období šesti dynastií (220-589)
- dynastie Sui (589-618)
- Dynastie Tang (618-906)
- Období pěti dynastií (907–60) [moc měli vojenští vládci]
- Song Dynasty (960-1279)
- dynastie Yuan (1271-1368)
- Dynastie Ming (1368-1644)
- Dynastie Čching (1644-1911)

Průvodce dynastií po dynastii naleznete níže: Historie čínského umění.

Charakteristika čínského umění

Metafyzický, taoistický aspekt
Již od dob prehistorického umění kladla čínská společnost - až do 20. století téměř výhradně zemědělské nebo venkovské - vždy velký důraz na porozumění vzoru přírody a soužití s ​​ní. Příroda byla vnímána jako viditelný projev Boží tvořivosti pomocí interakce jin (žena) a jang (mužské) životní síly. Hlavní cíl čínského umění - původně zaměřený na usmíření a obětování - se brzy obrátil k vyjádření lidského chápání těchto životních sil v různých uměleckých formách, včetně malby (zejména krajiny, bambusu, ptáků a květin), keramiky , reliéfní sochařství a podobně. Číňané také věřili, že energie a rytmus generovaný umělcem úzce rezonuje s konečným zdrojem této energie. Mysleli si, že umění - zejména kaligrafie a malba - má schopnost osvěžit umělce nebo ho duchovně zpomalit, podle harmonie jeho praxe a charakteru jednotlivce. Viz také: Tradiční čínské umění: Charakteristika.

Morální, konfuciánský aspekt
Čínské umění mělo také sociální a moralistické funkce. Nejstarší nástěnné malby například zobrazovaly dobrotivé císaře, moudré ministry, věrné generály a jejich zlé protiklady jako příklad a varování pro pozorovatele. Portrétní umění mělo podobnou morální funkci, jejímž cílem bylo zdůraznit nikoli obličejové nebo figurální rysy subjektu, jako spíše jeho charakter a postavení ve společnosti.

Inspirativní, ale ne v zásadě náboženské
Dvorní malíři byli často pověřeni líčit příznivé a nezapomenutelné události, ale vysoká náboženská malba je v čínském umění neznámá. Dokonce i buddhismus, který stimuloval výrobu mnoha mistrovských děl, byl ve skutečnosti zahraničním dovozem. Hlavní věc je, že témata používaná v tradičním čínském umění byla téměř vždy vznešená nebo inspirativní. Tím se vyhnuli příliš realistickým tématům, jako je válka, smrt, násilí, mučednictví nebo dokonce akt. Kromě toho čínská umělecká tradice neodděluje formu od obsahu: nestačí například, aby forma byla vynikající, pokud předmět nezbavuje.

Vnitřní esence není vnější vzhled
Na rozdíl od západních umělců neměli čínští malíři zájem replikovat přírodu nebo vytvářet věrné zobrazení (řekněme) krajiny. Místo toho se soustředili na vyjádření vnitřní podstaty předmětu. Pamatujte, že skály a potoky byly vnímány jako „živé“ věci, viditelné projevy neviditelných sil vesmíru. Proto bylo rolí umělce zachytit spíše duchovní než materiální charakteristiky dotyčného objektu.

Symbolika v čínském výtvarném umění
Čínské umění je plné symbolismu, v němž se umělci obvykle snaží vykreslit nějaký aspekt totality, kterého si jsou intuitivně vědomi. Čínské umění je navíc plné specifických symbolů: bambus představuje ducha, který lze za určitých okolností ohnout, ale ne zlomit nefrit představuje čistotu a drak často symbolizuje císaře jeřába, dlouhý život a pár kachen, věrnost v manželství. Mezi symboly rostlin patří: orchidej, další symbol čistoty a loajality a borovice, který symbolizuje vytrvalost. Někteří kritici umění však raději popisují čínské umění jako v zásadě expresionistické než symbolické.

Dopad amatérského umělce
Během období válčících států a dynastie Han vedl růst třídy obchodníků a vlastníků půdy ke zvýšení počtu milovníků umění a mecenášů, kteří měli čas na ruce. To vedlo ve třetím století n. L. Ke vzniku elitní třídy vědeckých amatérských umělců, zapojených do umění poezie, kaligrafie, malby a řady řemesel. Tito amatéři měli sklon shlížet nosem na profesionálního umělce nižší třídy, zaměstnaného císařským dvorem, a další regionální nebo občanské úřady. Toto rozdělení umělců navíc mělo později významný vliv na charakter čínského umění. Od dynastie Song (960 a#1501279) se pánové-umělci začali úzce spojovat se stále rafinovanějšími formami malby a kaligrafie tuší a praní a jejich díla se stávala důležitým prostředkem směny v sociální ekonomice, kde dávání dárků bylo zásadní krok při budování osobní sítě. Stejně jako dovednost při psaní dopisů nebo poezie, schopnost vyniknout v kaligrafii a malbě pomohla vybudovat si postavení ve společnosti učených jednotlivců.

Dějiny čínského umění

Seznam dat týkajících se umění a kultury v Číně (plus data z Koreje a Japonska) najdete na: Časová osa čínského umění (18 000 př. N. L. - současnost). Viz také: Nejstarší doba kamenná: 100 nejlepších uměleckých děl.

Umění doby bronzové za dynastie Šang (1600–1050 př. N. L.)

Dynastie Shang byla považována za mýtickou až do objevení hromady volských ramenních lopatek s nápisy v severozápadní Číně v roce 1898. (Ale také: Kultura dynastie Xia c.2100-1600.) Ve stejné oblasti poblíž Anyangu byla objevena množství bronzových nádob s nápisy starověkého čínského písma. Když byly rozluštěny a porovnány, umožnily vědcům poskládat si historii společnosti Shang se jmény a daty králů. Byla to volná federace městských států, jejichž bronzové zbraně jim umožňovaly ovládnout údolí Hoang-ho (Žlutá řeka) a jeho přítok Wei. V mnoha ohledech se Shang podobal mycenským knížatům oslavovaným Homérem. Jejich bronzové vázy a nádoby - klíčový úspěch umění dynastie Šang - byly vyrobeny metodou přímého odlévání i cire-perdue (ztracený vosk) proces. Používali je králové a jejich držitelé k rituálním a obětním obřadům. Nápisy, které nesou, uvádějí jméno majitele a výrobce za účelem obřadu. Nádoby byly pohřbeny se svými majiteli a podle povahy půdy získaly zelenou, modrou nebo červenou patinu. Rozdělují se do tří hlavních kategorií: nádoby na vaření nebo obsahující rituální potraviny, nádoby na ohřev nebo nalévání prosného vína a nádoby na rituální mytí. Byly to užitkové, funkční předměty, ale to jim nebránilo být vynikajícími uměleckými díly. Jejich rituální účel a magické konotace vysvětlují symbolickou povahu rané výzdoby. Používány byly hlavně motivy ze zvířecího světa - drak a cikáda (život a plodnost) nebo pohádkový tao -tieh - který připomíná křížence vola a tygra.

Poznámka: Od roku 1986 archeologové provedli sérii senzačních objevů Sanxingdui archeologické naleziště poblíž města Nanxing, okres Guanghan, provincie S' -čchuan. Tyto nálezy zahrnovaly četné monumentální příklady bronzové plastiky z éry dynastie Šang (1700–1050), které byly datovány uhlíkem do doby c. 1200–1 000 př. N. L. Odhalí pokročilé Kultura Sanxingdui který, na rozdíl od všech předchozích historických věd, se zdá, že se vyvinul nezávisle na jiných kulturách Žluté řeky. Vidět: Sanxingdui Bronze (1200-1000 BCE).

Dalším úspěchem dynastie Shang byl vynález kaligrafie, ke kterému došlo kolem roku 1700 př. N. L. Kromě toho byla módní také akvarelová malba, která začala, jak se říká, kolem roku 4000 př. N. L. Pro srovnávací umělecké formy období, viz: Mezopotámské umění (c. 4500-539 BCE) a pozdější egyptské umění (3100 BCE - 395 CE).

Zhou Dynasty Iron Age Art (1050-221 BCE)

Státu Shang začali dominovat horouni Zhou ze západu, kteří dobyli hlavní město Anyang v roce 1027 př. N. L. Umění dynastie Čou si hodně vypůjčilo z kultury Shang a vyrobilo stejný druh plavidel, ale s několika odlišnostmi. Stylistický vývoj byl postupný a k výrazné změně došlo až poté, co se Zhou v roce 722 př. N. L. Přesunul na východ do nového hlavního města Luoyang. Vysoká reliéfní socha Shangových motivů ustoupila nízkému reliéfu a rejstříkům. Ornament se stal stále více geometrickým, dokud nebyl zredukován na vzory křídel a spirál a háčků a volut. S nástroji doby železné bylo možné zavést vykládání zlata a stříbra. To bylo období válčících států (asi 475-221 př. N. L.), Kdy se stát Zhou rozpadl na soupeřící feudální území. Konfucius, který zemřel na začátku tohoto období, byl vysoce smýšlejícím moralistou a po určitou dobu neúspěšným poradcem jednoho z vládců Zhou. Byl cestujícím učitelem a přednášel o politické etice, nenásilí a synovské zbožnosti. Jeho doktrína byla shromážděna, mnohem později, v Analekty který se stal evangeliem všemocné třídy učených státních zaměstnanců, kteří tak zůstali až do moderní doby, a který hluboce poznamenal čínský kodex chování.

Mezi 'stovkami filozofických škol, které se v období válčících států obracely na čínské vládnoucí třídy, bylo asi nejpozoruhodnější taoisté (taoisté). Dao (Tao) znamená Cesta nebo Univerzální princip. Daoismus je životní postoj, ne systém. Znamená to být v souladu s přírodou a vyhýbá se všem dogmatům a omezujícím morálním kodexům. Jeho nejslavnějšími teoretiky byli Laozi (Lao-c '), tajemný autor vyjadřující se v paradoxních rčeních, a Zhuangzi (Čuang-c') (asi 350-275 př. N. L.), Kteří psali v podobenstvech prostoupených s jemnou ironií a ukazujících hluboký vhled do motivace člověka. Některým lidem se zdá, že kombinují to nejlepší z křesťanství, zenového buddhismu a jógy. Daoismus byl určen k tomu, aby měl hluboký vliv na čínské malířství.

Císař Qin a tříletá dynastie (221–206 př. N. L.)

Politický zmatek byl ukončen diktaturou (221–206 př. N. L.) Císaře Qin Shihuang, který pocházel ze státu Qin (dříve Ch'in, odtud název Čína). Rozbil feudalismus a válečníky nahradil státními úředníky nebo komisaři. Jeho poradci patřili k právnickým školám, které prosazovaly autoritu státu. Tradice měly být zapomenuty a všechny knihy zničeny, zejména spisy Konfucius. Umění dynastie Čchin bylo ve srovnání s jeho politickými a administrativními činnostmi nedůležité. Qin Shihuang dal Číně jednotnou správu a silniční systém, vybudoval kanály a rozšířil čínské hranice. On také pověřil obrovskou sérii terakotových figur, známých jako Terakotová armáda (c.246-208 BCE). Výroba 8 000 soch trvala zhruba 38 let a podílelo se na ní zhruba 700 000 mistrovských řemeslníků a dalších pracovníků.

Po smrti Qin Shihuang a období občanské války se na trůn postavil mocný bandita Liu Pang a zahájil dlouhověkou dynastii Han, která rehabilitovala Konfucia, ale udržela si administrativní reformy Qin Shihuang a ovládla Čínu pomocí centralizovaná správa.

Umění dynastie Han (206 př. N. L. - 220 n. L.)

Během éry umění dynastie Han převládal v figurativním umění nový, naturalistický pohled. To je zvláště patrné u bronzů a u keramických figur ming-chi které lidé pohřbili s sebou do hrobů. Číňané věřili v posmrtný život a rádi se obklopovali známými památkami, zejména těmi, které jim na Zemi dělaly radost, jako jsou psi a koně, tanečníci a konkubíny. Tyto údaje nám umožňují přesně vědět, jak byli poddaní z dynastie Han oblečeni, co jedli, jaké nástroje používali, jaké hry hráli, domácí zvířata, která chovali, a vzhled domů, ve kterých žili. Mnoho postav bylo potaženo olovnatou glazurou, jiné byly namalovány. Všechny jsou zajímavé a jejich stylizovaná elegance často přitahuje krásu. Bronzové vázy byly vyrobeny v množství, stejně jako bronzové sochy mužů a koní, a ty vykazují stejný stylizovaný naturalismus jako keramické figury. To byl také skvělý věk pro čínské lacquerware, jadeitové řezbářské a hedvábné látky.

Han Malování a tisk

Moruše byla pěstována již nějakou dobu v Číně a hedvábí se stalo čínským monopolem. Byl to hlavní vývozní artikl do Persie a na Blízký východ karavanovými cestami přes střední Asii, známý jako „Silk Road“. Hanova malba a kresba, buď na hedvábí, na lak nebo na kámen a dlaždice, ukazuje nejživější ruku a velkou lehkost dotyku. Ke konci vlády (1. století n. L.) Byla objevena technika výroby papíru. To významně přispělo k umění poskytnutím levného a rozšířeného média jak pro malování, tak pro psaní. To také vedlo k čínskému umění skládání papíru nebo zhezhi a také k japonskému umění Origami. Když byl později vynalezen blokový tisk, Číňané měli prostředky k šíření zákonů a literatury po celé říši. Jazyků bylo mnoho a různé, ale ideografické písmo bylo v celé zemi stejné. To usnadnilo úkol správců a poskytlo čínskému lidu jednotnou kulturu.Ve své kaligrafické formě se psaní stalo uměním samo o sobě, formou umění, která stála nejvyšší v úctě čínského intelektuála. Stal se způsobem života, rezervou několika, mezi nimiž byli malíři, básníci a učenci, ti, jejichž umění bylo založeno na kaligrafii.

Po zániku dynastie Han v roce 220 n. L. Měla Čína znát téměř čtyři století fragmentace během období šesti dynastií (220–589). Tento stav chaosu zhoršovaly invaze ze severní a střední Asie. Hladové jezdce ze stepí neodolatelně přitahovala zemědělská společnost s velkými městy. Přijali nadřazenou čínskou kulturu, stali se asimilovanými a usedlými - tento proces se několikrát opakoval. Mezi útočníky 6. století patřil středoasijský národ zvaný Tuoba, který založil dynastii Wei a vládl severní polovině Číny v letech 386 až 534. Jejich nejpamátnější umělecký přínos pro umění období šesti dynastií (220–589) bylo oficiální přijetí Buddhismus, náboženství narozené v Indii, které již nějakou dobu pronikalo do Číny. (Poznámka: Dorazilo to během prvního století n. L., Ačkoli se to široce praktikovalo až kolem roku 300 n. L.) Jeho zakladatel, žijící Buddha, bydlel na hranici Nepálu krátce před Konfuciem. Buddhismus se šířil přes Gandharu po celé Hedvábné stezce na východ. Nakonec se dostalo na hranici Číny, kde obrovské svatyně Dunhuang a Yungang odhalily nástěnné malby a transparenty a množství soch vytesaných do seržovaných řad ze stěn útesu a jeskyně. Wei jako nečínský původ přijal buddhismus jako způsob, jak se prosadit. Konfuciánská elita to vždy považovala za výstřední, pověrčivou doktrínu. Čínské buddhistické umění-včetně malířství, sochařství a architektury prospívalo v celé východní dynastii Jin (317-420), jižní a severní dynastii (420-581), dynastii Sui (589-618) a většině dynastie Tang ( 618-906).

Bez čínské buddhistické sochy by bylo velmi málo čínské sochy z kamene. Mahayana a Amitabha školy buddhismu, které převládaly v Číně, vyžadovaly zastoupení Buddhy v jeho minulé, současné i budoucí podobě a Bódhisattvy (aspirující Buddhové) a obsluhy. Po expanzi buddhistického mnišství se tyto měly rozmnožovat po celé zemi buď z kamene, nebo z bronzu. Wei sochařství, zejména v jeskyních Lung Men, má transcendentální krásu: idealizované, protáhlé postavy, s podlouhlými hlavami a tajemnými úsměvy, sedící se zkříženýma nohama, v dlouhých róbách kaskádovitě padajících do rytmických záhybů, samotný obraz mystické blaženosti. Postoj, gesta a symboly byly stereotypy odvozenými z indického původu. Zdálo se, že Číňané našli v buddhismu odpověď na problém lidského utrpení, odpověď na lásku a modlitbu a naději na Nirvanu.

Umění dynastie Tang (618-906)

Čína byla v roce 589 n. L. Sjednocena mocným generálem, který založil dynastii Sui (589-618). Politický a vojenský režim, umění dynastie Sui bylo téměř zcela inspirováno Buddhou a následovala ho dynastie Tang (618-906), jejíž největší vůdce, císař Taizong (T'ai-tsung), rozšířil říši hluboko do střední Asie a Koreje a umožnil všem náboženstvím a rasám vzkvétat v atmosféře tolerance a intelektuální zvědavosti. Hlavní město Changan se stalo velkým kosmopolitním centrem, stejně jako Guangzhou (Kanton) a další jižní přístavy. Muslimové, křesťané (nestorijci) a manichejci žili a uctívali bok po boku s buddhisty, taoisty a konfucianisty. Po Taizongovi nastoupil jeho syn a schopná, ale divoká konkubína, císařovna Wu, která dala přednost buddhismu a dokonce podlehla kouzlu mnicha podobného Rasputinovi. Její nástupce, konfuciánský císař Xuanzong (Hsuan-tsung), předsedal nejoslnivějšímu soudu a založil Akademii dopisů, kterou miloval hudbu, malbu a poezii a také koně. Společnost Tang srší vitalitou a optimismem. Tangová dynamika je cítit ve všech uměních. Socha z kamene, ovlivněná stylem Gupty z Indie, zobrazuje kulaté, bobtnající formy, kombinující indickou masitost s čínským lineárním rytmem.

Tang freskové obrazy Dunhuang ukazují dynamickou linii štětce a stejnou plnost formy v křiklavých barvách. Světské náhrobky jsou ještě živější, zobrazují mocné muže a opulentní ženy v bohatých róbách a divadelních postojích a ukazují živý požitek ze života. Malý obraz na hedvábí nebo papír přežil - dost na to, aby svědčil o stejné lásce k živým barvám a zájmu o krajinomalbu, která měla přinést ovoce za následných dynastií. To byl věk, kdy umění poezie, úzce spojené s malbou a kaligrafií, produkovalo svá první mistrovská díla, včetně Bai Juyi (Po-chu-i), Ling-po a malíře Wang-wei.

Pokud jde o zlatnictví a drahé kovy, zejména stříbro, odhaluje vliv umění starověkého Perska: řada íránských umělců prchajících před arabskými dobyvateli se usadila v Číně, ale stejně jako u všech ostatních zahraničních vlivů byl Peršan pohlcen a stal se nezaměnitelně čínským , v duchu a informovat. Některé z nejlepších příkladů dekorativního umění Tang jsou k vidění v pokladu Shoso-in v chrámovém komplexu Todai-ji v japonské Naře. Japonci už hledali inspiraci v Číně.

Poznámka: Chcete-li zjistit, jak se umění a řemesla v čínském stylu šíří po celé východní Asii, podívejte se na: Korejské umění (přibližně od roku 3 000 př. N. L.).

Vývoj v Tang Painting

Čínská krajinomalba byla revitalizována na počátku dynastie Tang, kdy umělci začali vytvářet krajiny v řídkém monochromatickém stylu - ne tak, aby reprodukovaly skutečnou realitu scenérie, ale aby pochopily atmosféru nebo náladu místa. O třináct století později impresionističtí malíři jako Claude Monet použili podobné úvahy k vytvoření zcela jiného typu krajiny.

Kresba postavy navíc představila comeback. Umělci jako Zhou Fang pomocí živých barev a propracovaných detailů ztvárnili nádheru dvorského života v Tangu na obrazech císaře, jeho palácových dam a koní. Na rozdíl od bohatého barevného stylu Zhou Fang, umělec Tang Wu Daozi používal pouze černý inkoust a volně tekoucí tahy štětcem k výrobě takových vzrušujících inkoustových obrazů, které se shromáždily davy, aby ho sledovaly malovat. Od nynějška se říká, že inkoustové malby již nebyly považovány za pouhé kresby, které by měly být vyplněny barvou, ale byly považovány za hotová umělecká díla.

Tangská keramika a porcelán

Současná keramika, a zejména postavy hrobů (ming-chi) nám poskytuje živý vhled do společnosti Tang: koně, které Tang tak miloval, velbloudi, hudebníci, kejklíři, potulní obchodníci, mnozí se silně zdůrazněnými cizími rysy, tančící dívky, hodnostáři a generálové, strážci hrobů a duchové země, všichni tito svědci tohoto období jsou pestrobarevní v bohatých, polychromovaných, volně tekoucích glazurách-nedávný čínský vynález vyrobený z oxidů mědi, železa a kobaltu, stejně jako vázy a další nádoby v kamenina nebo kamenina. Jsou kulaté, krásně vyrobené a vždy skvěle vyvážené.

Do té doby Číňané znovu objevili a dovedli k dokonalosti další ze svých vynálezů, umění výroby porcelánu (tvrdý průsvitný materiál tavený za vysokých teplot pomocí „čínského kamene“ (petuntse) a živce). Toto umění bylo ztraceno od dob dynastie Shang (1600-1050 př. N. L.). Bílý porcelán té nejvyšší kvality byl vyroben v éře umění dynastie Tang a brzy si našel cestu do Japonska, Persie a na Blízký východ. Čína nikdy neotevřela své hranice zahraničnímu obchodu a zahraničním myšlenkám tak široce jako v období Tangu, kdy vzkvétalo obchodní námořnictvo a když čínské armády pronikaly do západního Turkestánu. Podél Hedvábné stezky zajišťovala řada oázových království ovlivněných Čínou obousměrný provoz v objektech a myšlenkách mezi Východem a Západem. Čína prodávala svůj porcelán, hedvábné rohlíky a oděvy a na oplátku dovážela perský kobalt, metalurgické techniky a stylistické nápady. To vše ustalo v roce 751 n. L., Když čínská armáda utrpěla drtivou porážku u Tallasu v Turkestánu rukama muslimských útočníků, kteří dobyli Persii a dobývali střední Asii. Jedno spojení zůstalo s vnějším světem: přístavy jižní Číny se svými velkými koloniemi zahraničních obchodníků, ale ty byly na konci dynastie zničeny vlnou nacionalismu a Čína zahájila politiku izolace, která stále pokračovala.

Umění dynastie písní (960-1279)

Po období nepořádku známého jako období pěti dynastií (907–60) se energický generál znovu spojil s Čínou založením dynastie Song. Navzdory neustálé hrozbě invaze se Kaifeng, nové hlavní město, stalo jedním z nejrafinovanějších center civilizace, jaké kdy bylo známo, zejména za vlády císaře-malíře Huizonga, který byl obklopen umělci a získal pohádkovou sbírku jejich díla. Věnoval příliš mnoho času umění na úkor své armády, protože při úderu blesku donghuští barbaři zvaní Jurchen zajali dvůr a zničili Kaifeng a celou uměleckou sbírku. Celá severní Čína připadla Jurchenům, kteří přežili Píseň, usadili se v Hangchow na řece Yangtze na jihu, kde pokračovali ve svém úsilí o kulturu a krásu, dokud nebyli navždy ponořeni pod mongolským náporem, který již omezil Asii a ohrožoval Evropu. Dominantní ideologie v době umění dynastie Song (960-1279) byla Neokonfucianismus, kombinace myšlenek Konfucia a myšlenek taoismu s nějakým buddhistickým asketismem. To šlo s obnoveným zájmem o dřívější čínské tradice, spisy klasických autorů a silnou antikvariátní zaujatost, což vedlo ke kopírování bronzů Shang a Zhou. Buddhismus přesvědčování Amitabha byl na ústupu a degeneroval v pověru.

Ale na scéně se objevil nový duchovní pohled filozofie dhan (Japonský zen), ve kterém se člověk vyrovnává se sebou samým a přírodou prostřednictvím chvilkového záblesku intuice. Tato ideologie měla ovlivnit malbu, kaligrafii a keramiku. Muqi Fachang (Mu-ch'i) byl jedním z jeho nejslavnějších představitelů. Písňové sochařství navázalo na tradici Tangu, ale s větší elegancí a mistrovským rytmem plynoucích linií, jak je vidět na reprezentacích Bodhisattvy Kuan-yin, ducha milosrdenství, který se stal pro Číňany tím, čím se Madona stala pro mnoho Evropanů.

POZNÁMKA: Zajímavé srovnání se sochou jihovýchodní Asie z období Song najdete v sochách Buddhů a Bódhisattvů v chrámu Angkor Wat Khmer z 12. století (1115-45) v Kambodži.

Civilizace Song dosáhla svého vrcholu v říši malby a keramiky. Před pádem Kaifengu existovaly dvě odlišné školy malby: dvůrní umělci, virtuosi, kteří projevovali nejvyšší, ale bezduché schopnosti, ať už barvou nebo inkoustem, na hedvábí nebo papír, jejichž předmětem byly květiny a zvířata, bambusové výhonky a krajiny a amatérů a individualistů. Tito státní úředníci, učenci a básníci malovaní jako forma osobního vyjádření, intelektuální i duchovní, způsob, jak se jedinec vyrovnat sám se sebou prostřednictvím společenství s přírodou, při vykreslování podstaty krajiny, bambusové ratolesti nebo vážka. Zážitek byl tak osobní, že existovalo sto stylů, sto způsobů obrysu listu, skály, mraku, stejně jako existuje sto způsobů zobrazení postavy, protože tah štětcem na hedvábí nebo papír ne dovolte váhání nebo nápravu, která probíhá přímo z mysli, a to nelze provést spontánně bez hlubokého rozjímání předem. Číňané vynalezli umění krajinomalby jako žánr, ale nikdy nebylo čistě popisné, jakkoli blízké realitě. Bylo to duchovní cvičení, které šlo do jádra věcí.

Ve skutečnosti je po kaligrafii krajina považována za nejvyšší formu čínské malby. Klasickou čínskou krajinomalbu údajně zahájil slavný umělec dynastie Jin Gu Kaizhi (344-406). Období (907-1127) je však známé jako „Velký věk čínské krajiny“. Na severu země vytvořili čínští umělci jako Fan Kuan, Guo Xi a Jing Hao obrazy tyčících se hor pomocí silných černých čar, mytí inkoustem a ostrých tečkovaných tahů štětce, které naznačovaly hrubý kámen. Na jihu Ju Ran, Dong Yuan a další zobrazovali zvlněné kopce a řeky s měkčím, odřeným štětcem. Tyto dva typy venkovních předmětů a technik se vyvinuly do hlavních klasických stylů čínské krajinomalby. Objevilo se několik nových malířských technik. Umělci začali zobrazovat hloubku pomocí rozmazaných obrysů a impresionistického zpracování prvků ve střední a velké vzdálenosti jejich malby. Současně byl kladen taoistický důraz na emocionální/duchovní vlastnosti obrazu a na schopnost umělce ukázat harmonii mezi člověkem a přírodou.

Tito malíři a básníci byli také velkými milovníky keramického umění, protože krásná váza, jako kus nefritu, byla zároveň básní a obrazem. Keramika byla navržena jak pro použití, tak pro rozjímání. Jejich kvalita spočívala v rovnováze mezi jejich formou, redukovanou na to podstatné a jejich glazurou, díky které přitahovaly zrakové a hmatové smysly. Bohatství řemeslného zpracování, které je základem jejich elegantní zdrženlivosti, bylo pro konfuciánskou mysl uspokojující. Po celé Číně pracovaly pece s různými jíly a glazurami. Mezi nejslavnější patřili ti, kteří vyráběli zboží „& quot; K dokonalosti se nejvíce blíží porcelán jako krémově bílá keramika Ting nebo bledě modrý Ch'ing-pai keramika s jejich vyřezávanou ozdobou.

Umění dynastie Yuan (1271-1368)

Mongolové, kteří v 70. letech 12. století ovládli Čínu a vyhlásili svoji novou dynastii Yuan, rychle přijali čínskou kulturu. Máme popis dvora Kublajchána, který napsal benátský obchodník Marco Polo, první Evropan, který navštívil Čínu (1275). Nedostatek oficiálního sponzorství v éře umění dynastie Yuan způsobil, že mnoho čínských malířů a kaligrafů se stáhlo z veřejného života do ústraní, kde vytvořilo erudovanější a duchovní styl umění. Období Yuan bylo zvláště pozoruhodné svými malíři, zejména „čtyřmi velkými mistry“, kteří zůstali stranou mongolského dvora. Stejně jako výtvarné umění (které také zahrnovalo buddhistickou sochu) je éra Yuan známá svými dekorativními uměními, zejména podglazurovaným modrobílým porcelánem, spolu s jeho lakováním a nefritami.

Umění dynastie Ming (1368-1644)

Mongoly svrhlo populární povstání vedené pastevcem a vůdcem partyzánů, který založil dynastii Ming s hlavním městem Nanjing (Nanking), která byla později přenesena do Pekingu (Peking). Soud Ming byl stejně okouzlující jako soud v Tangu, ale jel s korupcí a byl paralyzován vnitřními konflikty. Malování pokračovalo tak, jak bylo na konci dynastie přepracováno. Objevilo se více stylů malby, včetně školy Wu a školy Zhe. Umění dynastie Ming je ale proslulé zejména svým modrobílým porcelánem, kde je na pastu nanesena kobaltová modř pod průhlednou glazurou. Později keramici začali používat světlé smalty ve třech nebo pěti barvách. (Poznámka: smaltování - hlavně Cloisonn a ascute enameling - se stalo specialitou dynastie Ming a Qing.) Kusy byly zdobeny alegoriemi, taoistickými a buddhistickými symboly a různými motivy ptáků, květin a draků. Většina čínské architektury, která přežila, pochází z tohoto období, ale postrádá představivost budov Song s jejich konzolovými okapy a konzolami.

Umění pod Manchusem a dynastií Čching (1644-1911)

V roce 1644 Manchus na severu využil hospodářských a sociálních nepokojů v Číně. Byli to vojenské rasy s velkým obdivem k čínské kultuře. Jejich císaři byli mocní muži, kteří spravovali zemi silnou rukou až do konce 19. století, ale čínská elita se s Manchusem dlouho nemísila. To bylo na újmu pokroku čínské civilizace v okamžiku, kdy se Evropané v Asii stávali důležitými.

Reakce proti tradičním pravidlům malby nastala v době umění dynastie Čching, protože malíři známí jako „jednotlivci“ začali používat volnější a volnější styl rukopisu. Tato nová metoda byla podporována v 17. a 18. století, kdy bohatí mecenáši v obchodních centrech, jako jsou Jang -čou a Šanghaj, začali objednávat umělce k výrobě odvážných nových obrazů.

Ale císař Kangxi a císař Qianlong budou vždy spojováni s druhy porcelánu známými jako famille-verte a famille-rose, více oceňovaný Evropany než Číňany, kteří dávali přednost jemným monochromům. (Poznámka: Famille verte [zvaný Kangxi wucai nebo Susancai] používá zelenou a železnou červenou s jinými barevnými glazurami. Famille růže [nazývaný Fencai nebo Ruancai, což znamená „měkké barvy“ nebo Yangcai, což znamená „cizí barvy“] používal převážně růžovou nebo purpurovou barvu a byl velmi žádaný v 18. a 19. století.) Mezi abdikací Qianlonga v roce 1795 a 20. století století Čína pokračovala ve výrobě kvalitních předmětů, ale inspirace selhala a formy byly přeplněné ozdobnými detaily.

POZNÁMKA (1) Móda pseudočínské výzdoby, známá jako Chinoiserie, se rozšířila po Evropě v 17. a 18. století.

POZNÁMKA (2) Viz také dva velcí umělci Ukiyo-e z období Edo v Japonsku: Hokusai (1760-1849) a Hiroshige (1797-1858).

Tradiční čínská malba se na konci 19. století a na počátku 20. století dostala pod další tlak, protože umělci byli stále více ovlivňováni západním uměním, což vyvrcholilo zavedením olejomalby na čínskou pevninu.

Čínské umění 20. století

Po převzetí moci komunisty v roce 1949 byly mnohé zavedené tradice čínského umění označeny jako reakcionářské. Nové formy moderního umění zaměřené na socialistickou glorifikaci - jako socialistický realismus - se objevily v hudbě, literatuře a výtvarném umění. V roce 1966 tento proces urychlila kulturní revoluce. Navzdory tomuto politickému modernismu tradiční čínské umění nejen nadále formuje mladé čínské umělce a inspiruje ostatní umělce po celém světě, ale spojilo se s více experimentálními uměleckými formami dvacátého století a vytvořilo živý trh se současným čínským uměním.

Současné umění v Číně

Současné umění v Číně zahrnuje díla vytvořená po kulturní revoluci (1966-9). Navzdory krátkým obdobím umělecké svobody stále nejistota ohledně toho, co představuje a je to technicky a technicky přijatelné, stále brání mnoha umělcům v Číně. V poslední době převládá nálada větší tolerance ze strany čínských úřadů, i když pochybnosti přetrvávají.Moderní čínské umění obvykle zahrnuje širokou škálu uměleckých forem, včetně malby, sochařství, filmu, videa, fotografie, instalace a performance, a také oživené verze tradiční keramiky. Vznik nových komerčních oblastí, jako je 798 Art District v Dashanzi v Pekingu, se ukázal být užitečným pro mnoho umělců. V roce 2000 Čína uspořádala Šanghajský bienále a v roce 2003 byla na bienále v Benátkách 2003 zastoupena řada čínských umělců.

Podle Umělecká cena zpráva, celkové příjmy generované stovkou čínských umělců (kteří obvykle vyrůstali v post-maoské Číně) v letech 2003-4 činily pouhých 860 000 liber. V roce červenec 2007 až červen 2008 prodala stejná stovka obrazů, soch a dalších děl za obrovskou částku 270 liber. Z toho tři umělci vydělali více než 25 milionů liber. Není překvapením, že v galeriích a muzeích po celém světě je nyní zastoupeno mnoho děl současných asijských umělců a významný britský sběratel umění Charles Saatchi otevřel svou novou galerii v Chelsea výstavou současných čínských umělců.

V roce 2006 byl obraz Zhang Xiaoganga z roku 1993 s rodinnými příslušníky s prázdnou tváří z poloviny 60. let minulého století prodán za 2,3 milionu dolarů. Mezi další nedávné transakce s uměním patří: nákup obrazu z roku 1964 „Všechny hory jsou pokryty červenou“ za 35 milionů HKD nákup mistrovského díla Xu Beihonga z roku 1939 „Položte svůj bič“ za 72 milionů HKD.

Slavní současní čínští umělci

Mezi značným počtem talentovaných malířů a sochařů z Čínské lidové republiky dávejte pozor na následující:

Zhang Xiaogang (b. 1958)
Zhang Xiaogang - jeden z vůdců čínského hnutí cynického realismu - je v roce 2008 na seznamu nejlepších světových současných umělců za rok 2008 a je známý svými surrealistickými malbami, ovlivněnými Pablem Picassem a Salvadorem Dalím, a také sérií & quotBloodline & quot. obrazy, představující formální jednobarevné portréty čínských subjektů.

Zeng Fanzhi (narozen 1964)
V současné době je číslo 6 v seznamu nejlepších světových současných umělců. ostatní.

Yue Minjun (narozen 1962)
Yue Minjun, která je v současné době na seznamu světových špičkových současných umělců, je předním členem čínské školy „Cynical Realist“. Je známý svou bizarní a výraznou sérií malířů dvojníka.

Wang Guangyi (b. 1957)
V současné době je číslo 9 v seznamu nejlepších současných světových umělců a umělec Wang Guangyi & quotpolitical pop & & quot; mísí populární loga spotřebitelů se stylem a estetikou komunistických propagačních propagandistických plakátů. Galerie Saatchi popisuje Wang Guangyiho jako umělce smíšených médií, který přijímá jazyk studené války 60. let a zkoumá současnou polemiku globalizace.

• Další informace o orientálním malířství a východoasijské sochařství naleznete na: domovské stránce.


Starověká řecká keramika

Klasická řecká keramika byla možná nejvíce utilitární v uměleckých formách éry. Lidé nabízeli malé terakotové figurky jako dary bohům a bohyním, pohřbívali je s mrtvými a dávali je svým dětem jako hračky. Také téměř na všechno používali hliněné hrnce, dózy a vázy. Byly namalovány náboženskými nebo mytologickými výjevy, které se stejně jako sochy z dob éry začaly postupem času stávat sofistikovanějšími a realističtějšími.

Velká část našich znalostí o klasickém řeckém umění pochází z předmětů z kamene a hlíny, které přežily tisíce let. Můžeme však usoudit, že témata, která v těchto dílech vidíme, kladou důraz na vzor a pořádek, perspektivu a proporce a člověka samotného#objevují se také v méně trvanlivých výtvorech, jako jsou starověké řecké malby a kresby.


Podívejte se na video: plameňáci